Interview de Michele Lee provenant de: https://www.closerweekly.com/posts/michele-lee-says-having-son-david-changed-me-inside-and-out/

Le 02 février 2024, Don Murray nous a quitté à l'âge de 94 ans.

L'acteur dont le palmarès est impressionnant, jouait le gentil Sid Fairgate dans la Côte Ouest. Ce grand acteur a partagé l'affiche avec des célébrités, mais était resté humble.                                                                                                                              Il va retrouver Steve Shaw qui dans la série a joué son fils, Eric Fairgate, et qui est parti bien trop jeune.

Reposez en paix Monsieur Murray, grâce à la magie de la télévision et du cinéma, nous continuerons à vous voir, mais avec un pincement au cœur.

Au revoir l'artiste et merci pour le bonheur que nous avons eu à vous regarder jouer.

Voici une petite vidéo que j'ai réalisé, bien modestement.

Don Murray : "Je n'ai jamais compris pourquoi Marilyn Monroe n'était pas nominée pour 'Bus Stop'".

Source:https://filmtalk.org/2014/12/11/don-murray-i-never-understood-why-marilyn-monroe-was-not-nominated-for-bus-stop/

L'acteur Don Murray (né à Hollywood en 1929), pendant de nombreuses années un acteur américain de premier plan au cinéma et au théâtre depuis ses débuts dans le rôle principal de Marilyn Monroe dans "Bus Stop" (1956, image principale), a une longue et fascinante carrière. parler de. Il a travaillé avec certains des réalisateurs les plus accomplis d'Hollywood, est apparu dans certains des meilleurs films de son époque et, grâce à ses brillants talents d'acteur, son public a toujours été régalé lorsqu'il est apparu à l'écran et lui a offert des performances impeccables, à maintes reprises. encore. Après tout, qui peut oublier son travail dans des films tels que « A Hatful of Rain » (1957), « From Hell to Texas » (1958), « The Hoodlum Priest » (1961), « Advise & Consent » (1962) ou « Héros mortel » (1976) ?

J'ai rencontré M. Murray dans un restaurant de Los Angeles où il m'a parlé de sa vie, de sa carrière, de son travail d'acteur-scénariste-réalisateur et de sa passion pour son métier.

M. Murray, vous êtes né à Hollywood en 1929. Avez-vous passé la majeure partie de votre vie en Californie jusqu'à présent ?

Non, pas vraiment. Mes parents travaillaient dans le show business : ma mère était une Ziegfeld Girl et mon père était metteur en scène, chanteur et danseur. Dès que les images sonores sont arrivées, à la fin des années 1920, ils ont embauché beaucoup de gens de Broadway pour faire des comédies musicales ici à Hollywood, et ils ont donc embauché mon père comme directeur de danse. Mes parents sont arrivés ici en 1928 et je suis né en 1929. Juste après, la Grande Dépression a frappé avec le krach boursier à Wall Street ; les studios pensaient qu’il y aurait un désastre financier et ils suspendirent temporairement la production et fermèrent les studios – alors que ce fut le contraire : comme la Dépression était un boom, c’était la plus grande période économique de tous les temps pour le cinéma. Mais entre-temps, mon père est retourné à Broadway, donc je n'y suis resté que pendant la première année de ma vie. Quand j'avais un peu moins d'un an, nous sommes retournés à New York et j'ai grandi en dehors de New York.

Comment avez-vous été choisi pour « Bus Stop » [1956], votre premier film ?

J'ai été embauché par le réalisateur Joshua Logan après qu'il m'ait vu dans une pièce de Broadway intitulée « La peau de nos dents » [1955], et il m'a testé à l'écran. J'ai épousé ma co-star Hope Lange [avril 1956] – l'histoire est que nous nous sommes rencontrés sur le tournage parce que nous étions tous les deux apparus dans le film, mais nous nous connaissions depuis quatre ans. Je l'ai connue dès qu'elle a obtenu son diplôme d'études secondaires. Elle avait dix-sept ans et j’en avais vingt et un lorsque nous nous sommes rencontrés. Nous étions déjà fiancés lorsque nous avons tous deux été embauchés pour « Bus Stop ». Joshua Logan m'a vu à Broadway, il l'a vue dans une émission de télévision et il nous a embauchés tous les deux, c'est comme ça que ça s'est passé. Nous avons vécu à New York pendant environ un an, puis nous sommes partis à Hollywood. Nous avons acheté une maison ici et je suis ici depuis ce temps-là, c'est-à-dire de 1957 à 1973, date à laquelle je suis retourné à Broadway et j'ai passé quatre ans à New York. Avant le cinéma, j'ai travaillé en Europe, lorsque j'étais l'un des précurseurs du Peace Corps.

Dès le début de votre carrière, vous avez pu travailler avec des réalisateurs de premier ordre tels que Fred Zinnemann, Delbert Mann et Joshua Logan. Dans quelle mesure étaient-ils importants pour vous à ces débuts ?

Oh, ils étaient très importants. Joshua Logan, mon premier réalisateur, a connu un énorme succès avec « Picnic » [1955], et « Bus Stop » a été son premier film par la suite. Fred Zinnemann, bien sûr, avait déjà remporté un Oscar pour « D'ici à l'éternité » [1953], il était donc au sommet de sa carrière. Et Delbert Mann l'avait fait l'année précédente pour « Marty » [1955]. J'ai eu des réalisateurs vraiment merveilleux, comme Michael Anderson, etc. J'ai eu beaucoup de chance de travailler avec ces gens.

Que pensez-vous de « Bus Stop » ? C'était votre premier film, votre co-star Marilyn Monroe était également au sommet de sa carrière et vous avez immédiatement été nominé aux Oscars. Est-ce que cela a eu un impact sur vous parce que vous êtes instantanément devenu une star ?

Eh bien, quand je suis entré dans « Bus Stop », j’étais de retour aux États-Unis depuis moins d’un an. Je vivais en Allemagne depuis un an et en Italie depuis un an et demi. Marilyn était célèbre là-bas mais pas aussi célèbre que Sophia Loren ou Gina Lollobrigida. Je ne l'avais vue que dans un seul film, « Les hommes préfèrent les blondes » [1953]. Donc je ne savais pas grand-chose d'elle, et quand j'ai été embauché pour « Bus Stop », j'ai été surpris de toute la publicité que nous recevions. Partout où nous allions, il y avait toujours des journalistes et des cameramen. C'était très inhabituel pour moi parce que je ne savais pas à quel point elle était une grande star à l'époque.

Affiche du film belge « Arrêt de bus » (1956), appréciée des collectionneurs

L'actrice Sheree North m'a dit un jour qu'avant que Marilyn Monroe ne fasse sa grande apparition au début des années 1950 à la 20th Century Fox, les gens sur le terrain se moquaient parfois d'elle, marchant derrière elle avec la même démarche, des choses comme ça.

Oui, ils se moquaient beaucoup d'elle. Je dois dire que je l'admire vraiment pour la façon dont elle se soucie suffisamment de la forme d'art du cinéma pour quitter Hollywood au sommet de sa renommée et ne pas se contenter d'être un sex-symbol. Elle voulait être une vraie actrice. Lorsqu'elle quitte Hollywood pendant un an pour étudier à l'Actors Studio de New York, "Bus Stop" est son film de retour. Et je la trouvais magnifique dans ce film, même si elle était toujours en retard sur le plateau et qu'elle avait du mal à se souvenir de ses répliques. Elle avait également une capacité de concentration très courte : elle commençait une scène et s'arrêtait au milieu parce qu'elle oubliait ses répliques. Elle a donc dû faire toutes ses scènes en petits morceaux parce qu'elle ne pouvait pas maintenir une scène jusqu'au bout. Nous n'avons jamais vu une scène complète avec elle. Tous les acteurs du film venaient de la scène, comme Hope Lange et moi, Arthur O'Connell, Eileen Heckart - tous les acteurs du film - donc nous étions habitués à avoir une performance continue et nous allions aux rushes pour voir le travail de la veille. . On voyait tous ces petits morceaux, et on pensait que le film allait être un désastre. Cependant, la première fois que nous l'avons vu en avant-première, nous avons tout d'un coup réalisé quelle était la magie des films, avec le montage et le montage ; elle était magnifique ! Je n'ai jamais compris pourquoi elle n'avait pas été nominée [pour un Oscar] pour « Bus Stop ». Ce prix a été remporté par Ingrid Bergman – une merveilleuse actrice, cela ne fait aucun doute – mais la performance de Marilyn dans « Bus Stop » était bien plus riche, elle était bien plus variée et bien plus intéressante que le personnage d'Ingrid Bergman dans « Anastasia ». .» Pendant ce temps, j'ai été surpris d'avoir été nominé. Le studio aussi, en fait. Un jour, j'étais sur le tournage de « A Hatful of Rain » [1957], et l'un des responsables de la publicité s'est approché de moi. 'Toutes nos félicitations!' J'ai dit : « Pour quoi ? Il a dit : "Vous avez été nominé pour un Oscar hier !" J'ai dit: 'Je l'étais ??' 'Ouais! N'est-ce pas incroyable ? Vous avez été nominé et personne ne faisait pression pour vous ! C'était complètement spontané, c'est du jamais vu à Hollywood !' Ce fut donc une surprise totale pour nous tous.

Votre nomination a-t-elle boosté votre carrière d’une manière ou d’une autre ?

Je ne peux pas vraiment dire que c'est le cas. J'avais fait « Bus Stop » et « The Bachelor Party » [1956] qui étaient également très appréciés, j'avais terminé un western intitulé « From Hell to Texas » [1958] que certains qualifiaient d'un des meilleurs westerns depuis « High ». Noon » [1952], et j’étais déjà dans « A Hatful of Rain ». On m'avait proposé "Le chat sur un toit brûlant" [1958], que j'ai refusé parce que j'ai toujours aimé faire quelque chose de exactement le contraire de la dernière chose que j'ai faite, et j'ai plutôt fait "Serrer la main du diable" [1959] sur la révolution irlandaise. Je ne peux donc pas dire que cette nomination ait réellement eu un effet sur ma carrière. En fait, c'était une période très éprouvante car il y avait beaucoup de publicité, et comme je n'avais pas de publiciste privé, je n'ai rien fait pour les Oscars : je n'ai fait aucune publicité avant ou après avoir été nommé. Mais ensuite, les journaux ont commencé à dire qu'il n'était pas juste que je sois nommé acteur de soutien alors que je jouais le rôle principal. J'ai pensé : « Eh bien, c'est vrai. » Je ne connaissais rien de l'Académie, ni des règles, mais on en a fait tout un plat. Il y avait un célèbre chroniqueur qui écrivait un article, il m'a appelé un jour et m'a demandé de commenter. J'étais d'accord avec lui; J'étais le personnage principal et j'ai été nominé comme acteur de soutien, mais c'était tout nouveau pour moi. Je m'attendais à ce qu'il exprime cela dans sa chronique et rappelle au public et à l'industrie que je n'ai rien fait pour être nominé – et qu'après avoir été nominé, je n'ai toujours rien ajouté et j'ai ignoré tout le processus. Et tout ce qu'il a dit dans sa chronique, c'est : « Retirez Don Murray de la candidature aux Oscars parce qu'il refuse de faire de la publicité. »

En tant que jeune acteur, vous avez joué dans plusieurs films très impressionnants, comme vous venez de le mentionner. Avez-vous déjà eu besoin de beaucoup de direction sur le plateau ?

Dans "Bus Stop", j'avais besoin de plus de direction que dans n'importe quel rôle que j'ai jamais joué parce que le cow-boy était à l'opposé des choses que je jouais habituellement, comme dans la pièce qui a commencé ma carrière à Broadway, "The Rose Tattoo" de Tennessee Williams [1951". ], quand je jouais un marin. Il y avait une certaine comédie, mais c'était très subtil. C'était un personnage très chaleureux et sensible à jouer. "La peau de nos dents" était un drame très sérieux, un type de gars très intense, qui n'avait rien à voir avec le cow-boy. Alors sur le tournage de « Bus Stop », j'ai dit : « Josh, pourquoi m'as-tu engagé ? Il a dit : "Parce que vous aviez une énergie sur scène que je veux voir ici." Il a également dit : "Maintenant, Don, Marilyn est une grande star, mais je veux que tu oublies totalement qu'elle est une star." Alors quand tu entreras sur le plateau, je veux que tu sois comme Attila le Hun. Je veux que tu reprennes la scène. Détruisez les meubles si vous en avez besoin [rires], faites n'importe quoi, je veux le cowboy le plus fou qui ait jamais vécu.' C'est donc ainsi qu'il a réalisé. Je n'y aurais jamais pensé moi-même, et chaque fois que quelqu'un me parlait de ma nomination, je me disais : "Eh bien, celui qui devrait obtenir la nomination, c'est Josh Logan, car c'est plus sa performance que la mienne". .'

Don Murray et Marilyn Monroe dans un cliché publicitaire pour « Bus Stop » (1956) | Archives cinématographiques et télévisuelles de Marvin Paige

Marilyn Monroe s'est-elle comportée sur le plateau comme une star ou comme une actrice ?

Elle se comportait comme une actrice, mais elle manquait beaucoup d'assurance, avait très peur de jouer devant la caméra, ce qui est étonnant. Elle était une immense star et si merveilleuse devant la caméra, mais c'est pour cela qu'elle était toujours en retard. Elle arriverait à peu près à l'heure au studio. Alors qu'elle était censée être là à 6h30 du matin, elle arrivait à 7h00 ou 7h30, mais elle restait ensuite dans sa loge jusqu'à dix ou onze heures. Elle ne voulait tout simplement pas venir sur le plateau. Très peu de gens le savent, parce que je ne me souviens pas avoir vu cela imprimé – nous avons fait une scène au lit, elle était en fait nue sous les draps et je pouvais voir son corps couvert de cette éruption rouge. Elle était tellement nerveuse qu'elle avait cette éruption rouge et elle devait la couvrir avec du maquillage. Étant une si grande star, elle avait fait tellement de films, et pourtant, elle avait tellement peur. Mais elle prenait ce rôle très au sérieux ; elle a écouté Josh Logan et a suivi ses instructions. Son entraîneur Paula Strasberg était également sur le plateau. Elle entraînait Marilyn pour qu'elle joue le rôle. De nombreux réalisateurs ont eu du mal à ce que Paula soit sur le plateau, mais pour Josh, cela a bien fonctionné. Je pense qu'avec Paula, il a créé un personnage merveilleux.

Vous n’avez jamais eu besoin de coaching sur le plateau, n’est-ce pas ? Est-ce parce que vous étiez un acteur de théâtre de formation ?

Eh bien, vous savez, j'avais un coach, pas comme Paula, mais j'avais un réalisateur qui était un de mes amis proches, nommé Payton Price. Il était professeur et il était avec moi tout le temps où nous avons tourné le film. Nous travaillions sur nos scènes ensemble, comme deux acteurs travaillant ensemble. Il ne me donnait jamais d'instructions, mais il m'aidait à suivre les instructions que Josh Logan me donnerait sur le plateau.

Jusqu’à présent, vous avez une carrière très longue et enrichissante au cinéma, à la télévision et sur scène. Quelles parties ont été pour vous les plus enrichissantes, les plus intéressantes, les plus stimulantes ?

Tout d’abord, j’ai eu beaucoup de chance car lorsque j’étais un jeune acteur en herbe, je n’ai jamais voulu faire Shakespeare. Pour moi, c'était merveilleux – j'admirais Olivier dans Shakespeare – mais Shakespeare est anglais et j'ai toujours aspiré à faire des classiques américains. Il y a trois rôles que j'ai toujours voulu jouer quand j'étais jeune : l'Écossais dans « The Hasty Heart », une pièce de John Patrick, « ​​Winterset » de Maxwell Anderson et « Billy Budd » de Melville. Ce sont les trois pièces que j’ai toujours voulu faire. Après m’être lancé dans le cinéma, j’ai pu jouer ces trois grands rôles à la télévision. Je dois donc dire que ce sont les meilleurs rôles, avec les rôles que j'ai joués dans « Bus Stop », « A Hatful of Rain » et le drame politique « Advise & Consent » [1962]. Et mon propre film, « The Hoodlum Priest » [1961], que j’ai écrit et réalisé. C'est celui pour lequel j'ai reçu les meilleures critiques. J'ai aussi fait un autre film avec l'une de mes performances préférées, intitulé "Deadly Hero" [1976] dans lequel j'incarnais un flic qui devient un flic justicier. Sur scène, j'ai adoré « The Rose Tattoo » et plus récemment, j'ai joué « Same Time, Next Year » pendant presque un an à Broadway et quelques mois sur la route. J'ai aussi adoré mon rôle dans [la série télévisée] « Knots Landing ». J'ai également écrit la première de la deuxième saison, qui était le premier « Knots Landing » en deux parties. Je l'ai écrit en une seule partie, mais ils m'ont demandé de l'élargir et d'en faire une version en deux parties. Ce fut le début de la sérialisation : des histoires continues plutôt qu'une histoire avec un début et une fin. Cela a été transformé en une histoire continue, ce qu’ils appelaient un feuilleton nocturne. Cela a duré quatorze ans, mais je suis parti au bout de deux ans. J'ai demandé à écrire parce que je voulais faire ma propre série sur une famille de musiciens. Vous voyez, j'ai déjà joué un rôle à Broadway dans une comédie musicale intitulée « Smith », une merveilleuse comédie musicale en 1973, j'ai donc eu l'occasion de jouer dans une série sur une famille de musiciens.

Vous venez de mentionner « A Hatful of Rain », un film merveilleux et magnifiquement interprété, également très puissant. Les rôles principaux étaient joués par de jeunes acteurs : vous jouiez le rôle principal, Eva Marie Saint jouait votre femme, il y avait Anthony Franciosa aussi. Fini Gary Cooper ou Clark Gable. La jeune génération remplace-t-elle l’ancienne génération ?

Oui, en fait, ils l’ont fait. J'ai fait partie des premiers acteurs qui ont rompu leur contrat pour faire leurs propres films, comme John Cassavetes l'a fait quelques mois après moi. Kirk Douglas l'avait déjà fait. J'étais sous contrat de six ans avec la 20th Century Fox. Quand j'ai fait "Bus Stop", ils m'ont proposé un contrat de sept ans, mais j'ai dit : "Non, je ne le ferai pas". J'appelle toujours cela un contrat d'esclave où ils peuvent vous mettre dans ce qu'ils veulent. Alors ils m'ont proposé un contrat de six ans, avec seulement deux films par an, et j'étais libre de faire autre chose en dehors de ces deux films. Et aussi, un an de congé tous les deux ans pour retourner à Broadway. C'était un contrat très libéral et libre. Je n’étais pas du tout exclusif à eux. Mais j'étais encore sous contrat et entre-temps j'avais le temps de faire d'autres films comme "The Bachelor Party" ou "Shake Hands With the Devil", mais je ne pouvais pas produire mes propres films, je ne pouvais pas prendre autant de temps sur mon contrat. . Quand on est producteur, il faut une année entière pour faire un film. Donc, en fin de compte, tout ce que je pouvais faire était d’acheter ma sortie de mon contrat avec Fox, c’était avant « Conseil et consentement ».

Cela reste l’un des films politiques les plus puissants jamais réalisés, n’est-ce pas ?

Je pense que oui, ça tient encore aujourd'hui. Je l'ai vu récemment et il est toujours aussi superbe. Il est toujours considéré comme l'un des deux grands films d'Otto Preminger : « Laura » [1945] et « Advise & Consent ».

Dans « Advise & Consent », vous incarnez un jeune sénateur, mais vous êtes un acteur très polyvalent car vous avez joué une grande variété de personnages au fil des années. Lorsqu’on vous propose un poste, y a-t-il un moyen de vous préparer ?

Quand j’ai fait « The Hasty Heart », j’avais environ cinq semaines de préparation et j’avais déjà joué le rôle à l’école. Je l'avais donc étudié lorsque je suis allé à l'Académie américaine des arts dramatiques, et il y avait un acteur écossais qui s'appelait Jimmy Moore et qui utilisait le nom de scène de Sammy Duncan. Il faisait des chants, des danses et des comédies écossaises sur le vaudeville. J'ai étudié avec lui pendant deux mois, tous les jours et plusieurs heures par jour. J'ai découvert mon personnage, notamment d'où il venait, et j'ai essayé de comprendre à quoi ressemblaient les Écossais dans cet endroit particulier. Cela rend donc très intéressant, non seulement l’étude du personnage mais aussi son parcours. C'est ce que je ferais, j'étudierais vraiment le personnage, pas seulement l'accent mais aussi son parcours. Si ce n’était pas dans l’intrigue, j’écrirais même l’histoire du personnage, son enfance, etc. C’est ce que j’ai fait pour « A Hatful of Rain » et pour « The Bachelor Party ». Dans « Advise & Consent », j'ai joué un sénateur de l'Utah, ce qui aurait fait de lui un mormon. J'ai lu toute la Bible mormone, puis je suis allé à Salt Lake City et j'y suis resté un moment, discutant avec les politiciens de la région pour capter leur accent, etc. Je me suis immergé très profondément dans le rôle. L’un des rôles pour lesquels je n’ai pas eu le temps d’étudier est celui que j’ai joué dans « Bus Stop ». J'ai passé un test d'écran, j'ai signé le contrat et, une semaine plus tard, j'étais à Hollywood pour commencer le film. Tout cela est venu de Josh Logan, de William Inge, le dramaturge, et du merveilleux scénariste George Axelrod. Pour l'accent, je n'ai pas eu le temps d'aller dans le Montana, d'où vient le personnage, alors j'ai juste utilisé ce qui me semblait être un accent de cowboy. Mais cela a dû convaincre beaucoup de monde, car lorsque j'incarnais un comptable new-yorkais dans mon deuxième film, un grand critique de cinéma disait : "Don Murray était merveilleux dans ce rôle, même s'il avait un peu trop d'ouverture". il lui reste de la place pour être crédible en tant que New-Yorkais » – j'étais un New-Yorkais ! Je n'étais pas un cowboy essayant de devenir un New-Yorkais ; J'étais un New-Yorkais qui essayait d'être un cowboy [rires].

Est-il vrai qu’Otto Preminger, directeur de « Advise & Consent », était un homme difficile à côtoyer ?

Il était très difficile pour la plupart des gens. Je n'ai eu aucun problème avec lui car j'ai trouvé qu'il y avait une certaine insécurité face aux réalisateurs qui sont des tyrans. Les personnes qui ont totalement confiance en elles ne doivent pas nécessairement être des intimidateurs. Ils peuvent obtenir ce qu’ils veulent en étant raisonnables. Les gens feront ce qu’ils veulent parce qu’ils ont un certain sens, une certaine aisance et une certaine confiance. "From Hell to Texas" a été réalisé par Henry Hathaway, qui avait la même réputation. Quand j’ai entendu dire à quel point il était un tyran et à quel point il était dur envers les acteurs, j’ai senti que cela devait venir de l’insécurité. Alors, quand je suis allé à son bureau pour la première fois, il n'a rien dit. Il ne m'a même pas dit bonjour, il m'a juste regardé. Alors je l'ai regardé et je n'ai rien dit. Finalement, il a demandé : « Que pensez-vous du scénario ? J'ai fait la même chose avec Otto Preminger. Les intimidateurs ressentiront de la faiblesse et s’en prendront à vous. C'est pourquoi il s'en prenait davantage aux femmes qu'aux hommes. Je savais que je devais être très précis avec Preminger. Je devrais dire: 'Je vais faire ceci et ceci et cela.' Vous ne lui avez pas dit : « Puis-je faire ça ? Et s'il disait : « Eh bien, je pense que vous devriez faire ça. » Ensuite, je disais : « D'accord, je peux le faire. » Donc je n’ai jamais eu de problèmes avec lui, et aussi, je me suis moqué de lui. Je parlais allemand aussi, et parfois je lui parlais en allemand, comme Hitler à Goebbels : « Wass machst du, Otto ? [Des rires.]

Étant un réalisateur difficile pour tant de gens, était-il généralement satisfait de la première prise ?

Ce n’était pas tant cette prise qui le rendait célèbre ; il faisait de très longues prises. Il n’aimerait pas diviser les choses en gros plans. C'est très intéressant de regarder le film ; si l'acteur était dans la salle du Sénat et qu'il était le personnage principal faisant son discours, il serait là, mais vous verriez également les gens réagir à lui. Vous verriez non seulement l’action principale mais aussi les sous-actions qui se déroulaient. C'est très intéressant, comme dans la série « West Wing », quand les caméras suivent les gens sur de longs plans, c'est ce que faisait aussi Preminger. Il était l’un des rares grands réalisateurs à faire cela.

Qu’est-ce qui fait de Fred Zinnemann, à votre avis, un cinéaste si auguste ?

Fred Zinnemann était un grand réalisateur, non seulement parce qu'il faisait de grands films, mais aussi parce qu'il n'en faisait jamais un mauvais. Tous les grands ont fait au moins un mauvais film. Zinnemann n’en a fait aucun. Il était vraiment bon. Vous vous souvenez de « Le membre du mariage » [1952] ? Un petit film, un film très personnel, très touchant. « D'ici à l'éternité » [1953], un film grand et impressionnant ; « Un homme pour toutes les saisons » [1966], un spectacle ; « A Hatful of Rain » [1957], un petit film sur un toxicomane, quelle variété et ils étaient tous de très bons à magnifiques. Je pense donc que c'est pour cela qu'il a eu autant de succès. Tout ce qu'il faisait était si bon. Les gens qui connaissaient le cinéma savaient que c'était bien parce que c'était un film de Fred Zinnemann, et ils allaient le voir. En tant que réalisateur, il était très, très silencieux. La majeure partie de sa réalisation était déjà terminée lorsqu'il a choisi une personne. Il avait choisi quelqu'un parce qu'il savait qu'il avait quelque chose dans sa personnalité qui correspondrait à ce rôle. Et puis il encouragerait cela. Nous avons eu une période de répétition de dix jours ; nous avons répété le film comme une pièce de théâtre. Tony Franciosa avait joué son rôle à Broadway, il était donc bien dans le rôle. Fred vous laissait développer le rôle, et quand il voulait que vous fassiez quelque chose, il s'approchait doucement de vous et vous disait quelque chose. Dans le film, j'ai eu une scène où j'étais nerveux – j'avais besoin d'une dose, je n'avais pas eu ma dose d'héroïne – et pendant la répétition, il venait vers moi et me disait doucement quelque chose à propos de fumer la cigarette. Il a dit : « Don, ne souffle pas la fumée comme si tu la traînais. Laissez-le sortir de votre nez et de votre bouche. Il disait des petites choses comme ça, qui t'aidaient à créer le personnage. C'était un homme très calme, très confiant. Vous ne le verriez jamais crier. Il n’était pas nécessaire qu’il soit un tyran. Il savait ce qu'il faisait à tout moment.

Dans les films que vous avez vus en grandissant, les acteurs avaient un style de jeu différent ; ils ont agi de manière plus dramatique, tandis que votre génération a joué les personnages de manière plus réaliste. Est-ce là la principale différence, et ce changement de style est-il le résultat de l’action de la Méthode ?

Lorsqu'on parle d'acteurs de ma génération, on parle souvent de la Méthode avec Marlon Brando, Montgomery Clift, James Dean, etc. Stanislavski fut l’un des premiers à introduire la Méthode aux États-Unis. La méthode est simplement la suivante : au lieu de représenter les émotions d'un personnage extérieurement, prenez une personne qui est triste, voici à quoi elle ressemblerait, et voici à quoi elle agirait avec toute la chose extérieure, ses expressions faciales, les mouvements et les attitudes physiques. Donc, en fait, vous êtes entré dans votre propre vie et vous vous êtes senti triste, vous vous êtes senti vraiment triste, et quand vous avez dû pleurer dans une scène, vous avez trouvé quelque chose dans votre propre vie ou dans la vie de quelqu'un d'autre pour évoquer quelque chose qui vous a fait pleurer. Voilà, c'est toute la Méthode ; il s'agit simplement d'utiliser vos propres émotions. Aujourd’hui, tout bon acteur fait ça aussi. C'est courant maintenant. Donc vous avez raison, dans les films que j'ai vus dans les années 30, c'était totalement différent. Et quand les acteurs parlaient à l’époque, ils parlaient à toute vitesse ; c'était comme s'ils étaient payés pour chaque mot qu'ils prononçaient. Ils ont tous essayé de faire passer beaucoup de mots. Vous savez, quand vous regardez un film comme « Le Faucon maltais » [1941], un de ces grands classiques, oui, elle était là. Je l'ai vue au coin de la rue et je savais que cette dame posait des problèmes [parle très vite]. Il n'y a aucune réalité du tout [rires], c'est donc la différence entre cette époque et l'époque où je me suis lancé dans le cinéma.

Qu'en est-il d'un acteur comme Daniel Day-Lewis ? Lorsqu'il joue un rôle, il l'emporte chez lui ; il est aussi le personnage à la maison. Une fois le tournage terminé, il lui faut un certain temps avant de retrouver sa propre routine.

Eh bien, vous savez, j'ai commencé à faire ça à l'école, mais ensuite j'ai découvert que lorsque je répétais et que j'étais sur scène, cela me suffisait pour vivre avec un personnage. Si vous veniez me parler pendant la répétition, je serais dans le personnage. Si nous allions déjeuner, je le serais probablement encore. Si une représentation se terminait à 22h30, disons qu'à 00h30, j'en sortirais, je serais parfaitement normal, et j'irais généralement à l'encontre du personnage, quel qu'il soit. S'il s'agissait d'un personnage introverti, comme dans « A Hatful of Rain » ou « The Bachelor Party », je plaisanterais ou je ferais des farces et je m'amuserais. Quand j’ai joué dans une magnifique série intitulée « The Outcasts » avec un cowboy noir et blanc – le cowboy blanc était un ancien propriétaire d’esclaves et le noir un ancien esclave – mon personnage était très arrogant, avec une certaine aristocratie. Les dirigeants du studio et du réseau venaient sur le plateau et venaient me parler. Sans m’en rendre compte, je serais arrogant lors de ces conversations ; Je serais tellement arrogant alors que cet homme était si gentil. Donc je n'aime vraiment pas qu'on me visite sur le plateau. La nuit ou le week-end, c'est tout à fait acceptable, mais pas sur le plateau. Bien sûr, je ne peux pas me comparer à Lewis. Mon Dieu, quel acteur il est ! Tout ce que cet homme a fait est absolument superbe.

Est-ce vrai qu'ils disent que l'entreprise est dirigée par des jeunes de douze ans ?

Quand j’étais jeune, avant même d’entrer à l’American Academy, même au lycée, je connaissais le cinéma. J'allais voir des films et je prenais le cinéma au sérieux. Il y a tellement de cadres aujourd’hui qui ne voient même pas beaucoup de films ; ils n'aiment pas le cinéma. Beaucoup d’entre eux ne connaissent pas du tout mon travail, mais ils ne savent pas non plus qui étaient beaucoup de mes contemporains parce qu’ils ne semblent pas avoir le même intérêt pour les films que nous.

C'est tout le contraire de votre premier patron, M. Zanuck ?

Oh absolument, il adorait les films. Et son fils Richard est un merveilleux cinéaste. Son palmarès cinématographique est spectaculaire. Ils aimaient vraiment les films.

Quels conseils donneriez-vous aux jeunes qui souhaitent devenir acteurs ? Il y a de nombreuses années, Betty Grable s'est vu poser la même question lors d'une interview et sa réponse a été : « Prenez Fountain », car Fountain Avenue est le chemin le plus rapide entre Beverly Hills et Hollywood et retour.

C'est très bien [rires]. Mon conseil serait : commencez par vous-même. N'essayez pas d'agir et d'être quelque chose que vous n'êtes pas, ou que vous pensez intéressant, ou parce que c'est ce que veut le public. Et quand vous jouez un personnage, mettez-y votre propre personnalité, votre propre émotion, prêtez-la à ce personnage et ensuite suivez-le. N'essayez pas de faire quelque chose de bidon. Ne dites pas : « James Dean, Marlon Brando ou Daniel Day-Lewis l'ont fait de cette façon ». Commencez par vous-même et soyez vous-même. C'est l'essentiel. Et puis vous pouvez jouer : auditionner, travailler dur, faire du théâtre et jouer dans les meilleures circonstances possibles. Si vous pouvez supporter de faire autre chose, faites-le. Car aussi dévoué et talentueux que vous puissiez être, vous avez peu de chances de réussir. Il y a de fortes chances que vous soyez frustré pour le reste de votre vie. Donc, si vous aimeriez faire autre chose, il serait peut-être préférable que vous le fassiez. Les chances que vous puissiez gagner votre vie en étant artiste sont très faibles.

Quels étaient les acteurs que vous admiriez à vos débuts ?

Quand j'étais jeune homme, j'adorais John Garfield. Ce n'était pas seulement en tant qu'acteur, mais il y avait quelque chose dans sa personnalité. C'était un enfant de la ville et j'ai grandi à Long Island, mais j'étais identifié aux enfants de New York. J'adorais le sport; Je n’étais en aucun cas un délinquant, mais j’étais un enfant dur et quand j’étais plus jeune, j’avais beaucoup de bagarres. Alors le dur à cuire qu’il incarnait avec un cœur d’or m’a toujours attiré. L’un de mes films préférés était « Corps et âme » [1947] dans lequel il jouait le rôle du combattant. Puis, à dix-sept ans, j'ai intégré une école d'art dramatique et j'ai vu mon premier film français avec Gérard Philipe. Pour moi, il n'y avait pas de meilleur acteur que Gérard Philipe à l'époque car il était magnifique dans tout ce qu'il jouait, dans un drame comme « Le diable au corps » [1947], dans une comédie comme « Fanfan la Tulipe » [1952, avec Gina Lollobrigida]. Tout ce qu'il faisait était totalement crédible ; c'était mon Dieu ! J'ai eu le cœur brisé quand il est mort [en 1959, à 39 ans] ; il est mort d'une hépatite, une maladie que j'avais à mon retour d'Europe. J'ai récupéré, mais pas lui. Ces deux acteurs n'ont pas influencé mon style de jeu, mais ils m'ont encouragé à continuer.

Los Angeles, Californie
, 30 mars 2008

Source:https://filmtalk.org/2014/12/11/don-murray-i-never-understood-why-marilyn-monroe-was-not-nominated-for-bus-stop/

Don Murray nous a quitté ,hier 02 février 2024 à l'âge de 94 ans.

Les fans de Côte Ouest se souviennent de lui pour avoir joué Sid Fairgate  dans les saisons 1 et 2 ,ainsi que lors des deux premiers épisodes de la saison 3.

J'ai vu la série un nombre incalculable de fois, et la mort de Sid Fairgate me fait toujours pleurer. Le message qu'il a enregistré pour Karen, au cas où il ne survivrait pas à l'opération ,est terriblement émouvant.                                                 Aujourd'hui, son décès ne  fait pas partie d'un script, mais est hélas ,bien réel.

Au delà de Côte Ouest où son personnage est très attachant, Don Murray était un  acteur très talentueux qui a eu une extraordinaire carrière.

Michele Le qui comme tout le monde le sait fut sa femme dans Côte Ouest, lui rend un bel hommage sur son compte Instagram ,où elle dit, je cite:"Don Murray, l'une des personnes les plus gentilles que j'ai jamais rencontrées. Quand Don travaillait sur le plateau, tout s'est arrêté. Les gens se tenaient près de la caméra pour le regarder. Don était souvent applaudi quand le réalisateur criait « Coupez ». Tout le monde, je veux dire, tout le monde l'appelait M. Murray. Voilà le respect que nous avions tous pour lui. Je l'aimerai toujours."

 Reposez en paix Mr Murray .Les fans ne vous oublierons pas ,mais désormais lorsque nous vous verrons dans Côte Ouest ou dans une autre production, nous aurons un pincement au cœur.

L’acteur américain Don Murray, connu notamment pour avoir joué auprès de Marilyn Monroe dans Bus Stop, en 1956, est mort ce 2 février à 94 ans. Parmi ses nombreux autres rôles, il avait aussi marqué la télévision dans la série Côte Ouest, dans les années 1990.(La présence de Don Murray dans Côte Ouest fut de 1979 à 1982!)

Suite de l'article:https://www.programme-tv.net/news/cinema/346162-mort-de-don-murray-qui-avait-joue-dans-cote-ouest-et-donne-la-replique-a-marilyn-monroe/

Quelle triste nouvelle en me réveillant ce matin. Don Murray s'en est allé rejoindre les étoiles .Les fans de Côte Ouest se souviendront de lui pour son rôle de Sid Fairgate ,mais pas uniquement car l'acteur très talentueux a  une quantité de films à son actif.Mr Murray,vous m'avez fait pleurer lorsque Sid Fairgate est décédé, mais cette fois ,ce n'est pas une scène écrite pour un film ou une série et je suis très triste. Sincères condoléances et beaucoup de courage à votre famille ainsi qu'à tous ceux qui ont fait partie de votre vie. Reposez en paix Mr Murray et merci pour le plaisir que vous nous avez donné avec vos différents rôles.