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  • La star de Knots Landing, Ted Shackelford, dévoile enfin ses secrets.

    Voici une vidéo d'une interview de Ted Shackelford.

    Ceux qui maitrisent la langue de Shakespeare pourront peut-être nous donner quelques infos .


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  • Interview de Michele Lee provenant de: https://www.closerweekly.com/posts/michele-lee-says-having-son-david-changed-me-inside-and-out/

     

    La star de « Knots Landing » Michele Lee se réjouit de la façon dont avoir son fils David « m’a changé à l’intérieur comme à l’extérieur »

     

    La star de « Knots Landing » Michele Lee se réjouit de la façon dont avoir son fils David « m’a changé à l’intérieur comme à l’extérieur »

     

    Demandez à n'importe quel ancien  membre du casting de Knots Landing et il vous dira : Michele Lee était la personne la plus drôle du tournage. D'où lui viennent sa vivacité et son sens de l'humour ? «Beaucoup de drogues», plaisante Michele, 77 ans, en exclusivité à Closer Weekly dans le dernier numéro du magazine, actuellement en kiosque. « Mais sérieusement, mon père était très, très drôle. Et parfois je me cache derrière mon humour. Cela vous met le pied dans la porte. Les gens vous remarquent. Quand j'étais enfant, j'étais accepté parce que j'étais drôle et que je chantais. C'est ça."

    Ces talents ont également aidé Michele – dont le père était maquilleur à Hollywood – à poursuivre une carrière de six décennies qui l'a conduite de Broadway ( Comment réussir en affaires sans vraiment essayer ) aux films ( The Love Bug ) jusqu'au feuilleton nocturne le plus ancien de tous les temps. ( Noeuds ) et vice-versa ( Wicked ). Avoir du courage a aussi aidé. Dès sa première audition, Michele avoue à Closer : "Je n'avais peur de rien."

    La star de « Knots Landing » Michele Lee se réjouit de la façon dont avoir son fils David « m’a changé à l’intérieur comme à l’extérieur »

    Vous venez de retrouver Donna Mills et Joan Van Ark pour un hommage du 40e anniversaire à Knots Landing au Hollywood Museum !

    Nous sommes tous restés amis. Et certainement « les filles », comme je nous appelle – Donna, Joan et moi – se sont rapprochées.

    Vous avez été une star pendant des années avant les débuts de Knots en 1979. Comment avez-vous obtenu le rôle ?

    J'étais à une fête chez mon agent, la série était déjà captée et Michael Filerman - que je ne connaissais pas et qui est devenu le producteur exécutif - a déclaré: "Je pense avoir trouvé Karen." Le lendemain, ils m'ont proposé le rôle. J'ai dit: "Qu'est-ce que c'est que ça?"

    Ha! Qu'est-ce qui t'a jeté ?

     

    Dans le scénario, Karen est entrée sans prévenir chez quelqu'un et a dit à sa belle-fille de partir. Ils ont dit : « Avez-vous déjà vu Dallas ? Alors je l'ai regardé et je me suis dit : « Oh, OK. Je comprends." J'étais vraiment incertain, et je ne considérais pas cela comme un feuilleton, car au départ, il s'agissait d'histoires autonomes sur des couples dans une impasse. C'est devenu un feuilleton dans les années qui ont suivi, pas au début.

    La star de « Knots Landing » Michele Lee se réjouit de la façon dont avoir son fils David « m’a changé à l’intérieur comme à l’extérieur »

     


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  • Don Murray : "Je n'ai jamais compris pourquoi Marilyn Monroe n'était pas nominée pour 'Bus Stop'".

    Source:https://filmtalk.org/2014/12/11/don-murray-i-never-understood-why-marilyn-monroe-was-not-nominated-for-bus-stop/

    Don Murray : "Je n'ai jamais compris pourquoi Marilyn Monroe n'était pas nominée pour 'Bus Stop'"

     

    L'acteur Don Murray (né à Hollywood en 1929), pendant de nombreuses années un acteur américain de premier plan au cinéma et au théâtre depuis ses débuts dans le rôle principal de Marilyn Monroe dans "Bus Stop" (1956, image principale), a une longue et fascinante carrière. parler de. Il a travaillé avec certains des réalisateurs les plus accomplis d'Hollywood, est apparu dans certains des meilleurs films de son époque et, grâce à ses brillants talents d'acteur, son public a toujours été régalé lorsqu'il est apparu à l'écran et lui a offert des performances impeccables, à maintes reprises. encore. Après tout, qui peut oublier son travail dans des films tels que « A Hatful of Rain » (1957), « From Hell to Texas » (1958), « The Hoodlum Priest » (1961), « Advise & Consent » (1962) ou « Héros mortel » (1976) ?

    J'ai rencontré M. Murray dans un restaurant de Los Angeles où il m'a parlé de sa vie, de sa carrière, de son travail d'acteur-scénariste-réalisateur et de sa passion pour son métier.

    Don Murray : "Je n'ai jamais compris pourquoi Marilyn Monroe n'était pas nominée pour 'Bus Stop'"

    M. Murray, vous êtes né à Hollywood en 1929. Avez-vous passé la majeure partie de votre vie en Californie jusqu'à présent ?

    Non, pas vraiment. Mes parents travaillaient dans le show business : ma mère était une Ziegfeld Girl et mon père était metteur en scène, chanteur et danseur. Dès que les images sonores sont arrivées, à la fin des années 1920, ils ont embauché beaucoup de gens de Broadway pour faire des comédies musicales ici à Hollywood, et ils ont donc embauché mon père comme directeur de danse. Mes parents sont arrivés ici en 1928 et je suis né en 1929. Juste après, la Grande Dépression a frappé avec le krach boursier à Wall Street ; les studios pensaient qu’il y aurait un désastre financier et ils suspendirent temporairement la production et fermèrent les studios – alors que ce fut le contraire : comme la Dépression était un boom, c’était la plus grande période économique de tous les temps pour le cinéma. Mais entre-temps, mon père est retourné à Broadway, donc je n'y suis resté que pendant la première année de ma vie. Quand j'avais un peu moins d'un an, nous sommes retournés à New York et j'ai grandi en dehors de New York.

    Comment avez-vous été choisi pour « Bus Stop » [1956], votre premier film ?

    J'ai été embauché par le réalisateur Joshua Logan après qu'il m'ait vu dans une pièce de Broadway intitulée « La peau de nos dents » [1955], et il m'a testé à l'écran. J'ai épousé ma co-star Hope Lange [avril 1956] – l'histoire est que nous nous sommes rencontrés sur le tournage parce que nous étions tous les deux apparus dans le film, mais nous nous connaissions depuis quatre ans. Je l'ai connue dès qu'elle a obtenu son diplôme d'études secondaires. Elle avait dix-sept ans et j’en avais vingt et un lorsque nous nous sommes rencontrés. Nous étions déjà fiancés lorsque nous avons tous deux été embauchés pour « Bus Stop ». Joshua Logan m'a vu à Broadway, il l'a vue dans une émission de télévision et il nous a embauchés tous les deux, c'est comme ça que ça s'est passé. Nous avons vécu à New York pendant environ un an, puis nous sommes partis à Hollywood. Nous avons acheté une maison ici et je suis ici depuis ce temps-là, c'est-à-dire de 1957 à 1973, date à laquelle je suis retourné à Broadway et j'ai passé quatre ans à New York. Avant le cinéma, j'ai travaillé en Europe, lorsque j'étais l'un des précurseurs du Peace Corps.

    Dès le début de votre carrière, vous avez pu travailler avec des réalisateurs de premier ordre tels que Fred Zinnemann, Delbert Mann et Joshua Logan. Dans quelle mesure étaient-ils importants pour vous à ces débuts ?

    Oh, ils étaient très importants. Joshua Logan, mon premier réalisateur, a connu un énorme succès avec « Picnic » [1955], et « Bus Stop » a été son premier film par la suite. Fred Zinnemann, bien sûr, avait déjà remporté un Oscar pour « D'ici à l'éternité » [1953], il était donc au sommet de sa carrière. Et Delbert Mann l'avait fait l'année précédente pour « Marty » [1955]. J'ai eu des réalisateurs vraiment merveilleux, comme Michael Anderson, etc. J'ai eu beaucoup de chance de travailler avec ces gens.

    Que pensez-vous de « Bus Stop » ? C'était votre premier film, votre co-star Marilyn Monroe était également au sommet de sa carrière et vous avez immédiatement été nominé aux Oscars. Est-ce que cela a eu un impact sur vous parce que vous êtes instantanément devenu une star ?

    Eh bien, quand je suis entré dans « Bus Stop », j’étais de retour aux États-Unis depuis moins d’un an. Je vivais en Allemagne depuis un an et en Italie depuis un an et demi. Marilyn était célèbre là-bas mais pas aussi célèbre que Sophia Loren ou Gina Lollobrigida. Je ne l'avais vue que dans un seul film, « Les hommes préfèrent les blondes » [1953]. Donc je ne savais pas grand-chose d'elle, et quand j'ai été embauché pour « Bus Stop », j'ai été surpris de toute la publicité que nous recevions. Partout où nous allions, il y avait toujours des journalistes et des cameramen. C'était très inhabituel pour moi parce que je ne savais pas à quel point elle était une grande star à l'époque.

    Don Murray 2Affiche du film belge « Arrêt de bus » (1956), appréciée des collectionneurs

    L'actrice Sheree North m'a dit un jour qu'avant que Marilyn Monroe ne fasse sa grande apparition au début des années 1950 à la 20th Century Fox, les gens sur le terrain se moquaient parfois d'elle, marchant derrière elle avec la même démarche, des choses comme ça.

    Oui, ils se moquaient beaucoup d'elle. Je dois dire que je l'admire vraiment pour la façon dont elle se soucie suffisamment de la forme d'art du cinéma pour quitter Hollywood au sommet de sa renommée et ne pas se contenter d'être un sex-symbol. Elle voulait être une vraie actrice. Lorsqu'elle quitte Hollywood pendant un an pour étudier à l'Actors Studio de New York, "Bus Stop" est son film de retour. Et je la trouvais magnifique dans ce film, même si elle était toujours en retard sur le plateau et qu'elle avait du mal à se souvenir de ses répliques. Elle avait également une capacité de concentration très courte : elle commençait une scène et s'arrêtait au milieu parce qu'elle oubliait ses répliques. Elle a donc dû faire toutes ses scènes en petits morceaux parce qu'elle ne pouvait pas maintenir une scène jusqu'au bout. Nous n'avons jamais vu une scène complète avec elle. Tous les acteurs du film venaient de la scène, comme Hope Lange et moi, Arthur O'Connell, Eileen Heckart - tous les acteurs du film - donc nous étions habitués à avoir une performance continue et nous allions aux rushes pour voir le travail de la veille. . On voyait tous ces petits morceaux, et on pensait que le film allait être un désastre. Cependant, la première fois que nous l'avons vu en avant-première, nous avons tout d'un coup réalisé quelle était la magie des films, avec le montage et le montage ; elle était magnifique ! Je n'ai jamais compris pourquoi elle n'avait pas été nominée [pour un Oscar] pour « Bus Stop ». Ce prix a été remporté par Ingrid Bergman – une merveilleuse actrice, cela ne fait aucun doute – mais la performance de Marilyn dans « Bus Stop » était bien plus riche, elle était bien plus variée et bien plus intéressante que le personnage d'Ingrid Bergman dans « Anastasia ». .» Pendant ce temps, j'ai été surpris d'avoir été nominé. Le studio aussi, en fait. Un jour, j'étais sur le tournage de « A Hatful of Rain » [1957], et l'un des responsables de la publicité s'est approché de moi. 'Toutes nos félicitations!' J'ai dit : « Pour quoi ? Il a dit : "Vous avez été nominé pour un Oscar hier !" J'ai dit: 'Je l'étais ??' 'Ouais! N'est-ce pas incroyable ? Vous avez été nominé et personne ne faisait pression pour vous ! C'était complètement spontané, c'est du jamais vu à Hollywood !' Ce fut donc une surprise totale pour nous tous.

    Votre nomination a-t-elle boosté votre carrière d’une manière ou d’une autre ?

    Je ne peux pas vraiment dire que c'est le cas. J'avais fait « Bus Stop » et « The Bachelor Party » [1956] qui étaient également très appréciés, j'avais terminé un western intitulé « From Hell to Texas » [1958] que certains qualifiaient d'un des meilleurs westerns depuis « High ». Noon » [1952], et j’étais déjà dans « A Hatful of Rain ». On m'avait proposé "Le chat sur un toit brûlant" [1958], que j'ai refusé parce que j'ai toujours aimé faire quelque chose de exactement le contraire de la dernière chose que j'ai faite, et j'ai plutôt fait "Serrer la main du diable" [1959] sur la révolution irlandaise. Je ne peux donc pas dire que cette nomination ait réellement eu un effet sur ma carrière. En fait, c'était une période très éprouvante car il y avait beaucoup de publicité, et comme je n'avais pas de publiciste privé, je n'ai rien fait pour les Oscars : je n'ai fait aucune publicité avant ou après avoir été nommé. Mais ensuite, les journaux ont commencé à dire qu'il n'était pas juste que je sois nommé acteur de soutien alors que je jouais le rôle principal. J'ai pensé : « Eh bien, c'est vrai. » Je ne connaissais rien de l'Académie, ni des règles, mais on en a fait tout un plat. Il y avait un célèbre chroniqueur qui écrivait un article, il m'a appelé un jour et m'a demandé de commenter. J'étais d'accord avec lui; J'étais le personnage principal et j'ai été nominé comme acteur de soutien, mais c'était tout nouveau pour moi. Je m'attendais à ce qu'il exprime cela dans sa chronique et rappelle au public et à l'industrie que je n'ai rien fait pour être nominé – et qu'après avoir été nominé, je n'ai toujours rien ajouté et j'ai ignoré tout le processus. Et tout ce qu'il a dit dans sa chronique, c'est : « Retirez Don Murray de la candidature aux Oscars parce qu'il refuse de faire de la publicité. »

    En tant que jeune acteur, vous avez joué dans plusieurs films très impressionnants, comme vous venez de le mentionner. Avez-vous déjà eu besoin de beaucoup de direction sur le plateau ?

    Dans "Bus Stop", j'avais besoin de plus de direction que dans n'importe quel rôle que j'ai jamais joué parce que le cow-boy était à l'opposé des choses que je jouais habituellement, comme dans la pièce qui a commencé ma carrière à Broadway, "The Rose Tattoo" de Tennessee Williams [1951". ], quand je jouais un marin. Il y avait une certaine comédie, mais c'était très subtil. C'était un personnage très chaleureux et sensible à jouer. "La peau de nos dents" était un drame très sérieux, un type de gars très intense, qui n'avait rien à voir avec le cow-boy. Alors sur le tournage de « Bus Stop », j'ai dit : « Josh, pourquoi m'as-tu engagé ? Il a dit : "Parce que vous aviez une énergie sur scène que je veux voir ici." Il a également dit : "Maintenant, Don, Marilyn est une grande star, mais je veux que tu oublies totalement qu'elle est une star." Alors quand tu entreras sur le plateau, je veux que tu sois comme Attila le Hun. Je veux que tu reprennes la scène. Détruisez les meubles si vous en avez besoin [rires], faites n'importe quoi, je veux le cowboy le plus fou qui ait jamais vécu.' C'est donc ainsi qu'il a réalisé. Je n'y aurais jamais pensé moi-même, et chaque fois que quelqu'un me parlait de ma nomination, je me disais : "Eh bien, celui qui devrait obtenir la nomination, c'est Josh Logan, car c'est plus sa performance que la mienne". .'

    Don Murray et Marilyn Monroe dans un cliché publicitaire pour « Bus Stop » (1956) | Archives cinématographiques et télévisuelles de Marvin Paige

    Marilyn Monroe s'est-elle comportée sur le plateau comme une star ou comme une actrice ?

    Elle se comportait comme une actrice, mais elle manquait beaucoup d'assurance, avait très peur de jouer devant la caméra, ce qui est étonnant. Elle était une immense star et si merveilleuse devant la caméra, mais c'est pour cela qu'elle était toujours en retard. Elle arriverait à peu près à l'heure au studio. Alors qu'elle était censée être là à 6h30 du matin, elle arrivait à 7h00 ou 7h30, mais elle restait ensuite dans sa loge jusqu'à dix ou onze heures. Elle ne voulait tout simplement pas venir sur le plateau. Très peu de gens le savent, parce que je ne me souviens pas avoir vu cela imprimé – nous avons fait une scène au lit, elle était en fait nue sous les draps et je pouvais voir son corps couvert de cette éruption rouge. Elle était tellement nerveuse qu'elle avait cette éruption rouge et elle devait la couvrir avec du maquillage. Étant une si grande star, elle avait fait tellement de films, et pourtant, elle avait tellement peur. Mais elle prenait ce rôle très au sérieux ; elle a écouté Josh Logan et a suivi ses instructions. Son entraîneur Paula Strasberg était également sur le plateau. Elle entraînait Marilyn pour qu'elle joue le rôle. De nombreux réalisateurs ont eu du mal à ce que Paula soit sur le plateau, mais pour Josh, cela a bien fonctionné. Je pense qu'avec Paula, il a créé un personnage merveilleux.

    Vous n’avez jamais eu besoin de coaching sur le plateau, n’est-ce pas ? Est-ce parce que vous étiez un acteur de théâtre de formation ?

    Eh bien, vous savez, j'avais un coach, pas comme Paula, mais j'avais un réalisateur qui était un de mes amis proches, nommé Payton Price. Il était professeur et il était avec moi tout le temps où nous avons tourné le film. Nous travaillions sur nos scènes ensemble, comme deux acteurs travaillant ensemble. Il ne me donnait jamais d'instructions, mais il m'aidait à suivre les instructions que Josh Logan me donnerait sur le plateau.

    Jusqu’à présent, vous avez une carrière très longue et enrichissante au cinéma, à la télévision et sur scène. Quelles parties ont été pour vous les plus enrichissantes, les plus intéressantes, les plus stimulantes ?

    Tout d’abord, j’ai eu beaucoup de chance car lorsque j’étais un jeune acteur en herbe, je n’ai jamais voulu faire Shakespeare. Pour moi, c'était merveilleux – j'admirais Olivier dans Shakespeare – mais Shakespeare est anglais et j'ai toujours aspiré à faire des classiques américains. Il y a trois rôles que j'ai toujours voulu jouer quand j'étais jeune : l'Écossais dans « The Hasty Heart », une pièce de John Patrick, « ​​Winterset » de Maxwell Anderson et « Billy Budd » de Melville. Ce sont les trois pièces que j’ai toujours voulu faire. Après m’être lancé dans le cinéma, j’ai pu jouer ces trois grands rôles à la télévision. Je dois donc dire que ce sont les meilleurs rôles, avec les rôles que j'ai joués dans « Bus Stop », « A Hatful of Rain » et le drame politique « Advise & Consent » [1962]. Et mon propre film, « The Hoodlum Priest » [1961], que j’ai écrit et réalisé. C'est celui pour lequel j'ai reçu les meilleures critiques. J'ai aussi fait un autre film avec l'une de mes performances préférées, intitulé "Deadly Hero" [1976] dans lequel j'incarnais un flic qui devient un flic justicier. Sur scène, j'ai adoré « The Rose Tattoo » et plus récemment, j'ai joué « Same Time, Next Year » pendant presque un an à Broadway et quelques mois sur la route. J'ai aussi adoré mon rôle dans [la série télévisée] « Knots Landing ». J'ai également écrit la première de la deuxième saison, qui était le premier « Knots Landing » en deux parties. Je l'ai écrit en une seule partie, mais ils m'ont demandé de l'élargir et d'en faire une version en deux parties. Ce fut le début de la sérialisation : des histoires continues plutôt qu'une histoire avec un début et une fin. Cela a été transformé en une histoire continue, ce qu’ils appelaient un feuilleton nocturne. Cela a duré quatorze ans, mais je suis parti au bout de deux ans. J'ai demandé à écrire parce que je voulais faire ma propre série sur une famille de musiciens. Vous voyez, j'ai déjà joué un rôle à Broadway dans une comédie musicale intitulée « Smith », une merveilleuse comédie musicale en 1973, j'ai donc eu l'occasion de jouer dans une série sur une famille de musiciens.

    Vous venez de mentionner « A Hatful of Rain », un film merveilleux et magnifiquement interprété, également très puissant. Les rôles principaux étaient joués par de jeunes acteurs : vous jouiez le rôle principal, Eva Marie Saint jouait votre femme, il y avait Anthony Franciosa aussi. Fini Gary Cooper ou Clark Gable. La jeune génération remplace-t-elle l’ancienne génération ?

    Oui, en fait, ils l’ont fait. J'ai fait partie des premiers acteurs qui ont rompu leur contrat pour faire leurs propres films, comme John Cassavetes l'a fait quelques mois après moi. Kirk Douglas l'avait déjà fait. J'étais sous contrat de six ans avec la 20th Century Fox. Quand j'ai fait "Bus Stop", ils m'ont proposé un contrat de sept ans, mais j'ai dit : "Non, je ne le ferai pas". J'appelle toujours cela un contrat d'esclave où ils peuvent vous mettre dans ce qu'ils veulent. Alors ils m'ont proposé un contrat de six ans, avec seulement deux films par an, et j'étais libre de faire autre chose en dehors de ces deux films. Et aussi, un an de congé tous les deux ans pour retourner à Broadway. C'était un contrat très libéral et libre. Je n’étais pas du tout exclusif à eux. Mais j'étais encore sous contrat et entre-temps j'avais le temps de faire d'autres films comme "The Bachelor Party" ou "Shake Hands With the Devil", mais je ne pouvais pas produire mes propres films, je ne pouvais pas prendre autant de temps sur mon contrat. . Quand on est producteur, il faut une année entière pour faire un film. Donc, en fin de compte, tout ce que je pouvais faire était d’acheter ma sortie de mon contrat avec Fox, c’était avant « Conseil et consentement ».

    Cela reste l’un des films politiques les plus puissants jamais réalisés, n’est-ce pas ?

    Je pense que oui, ça tient encore aujourd'hui. Je l'ai vu récemment et il est toujours aussi superbe. Il est toujours considéré comme l'un des deux grands films d'Otto Preminger : « Laura » [1945] et « Advise & Consent ».

    Dans « Advise & Consent », vous incarnez un jeune sénateur, mais vous êtes un acteur très polyvalent car vous avez joué une grande variété de personnages au fil des années. Lorsqu’on vous propose un poste, y a-t-il un moyen de vous préparer ?

     

    Quand j’ai fait « The Hasty Heart », j’avais environ cinq semaines de préparation et j’avais déjà joué le rôle à l’école. Je l'avais donc étudié lorsque je suis allé à l'Académie américaine des arts dramatiques, et il y avait un acteur écossais qui s'appelait Jimmy Moore et qui utilisait le nom de scène de Sammy Duncan. Il faisait des chants, des danses et des comédies écossaises sur le vaudeville. J'ai étudié avec lui pendant deux mois, tous les jours et plusieurs heures par jour. J'ai découvert mon personnage, notamment d'où il venait, et j'ai essayé de comprendre à quoi ressemblaient les Écossais dans cet endroit particulier. Cela rend donc très intéressant, non seulement l’étude du personnage mais aussi son parcours. C'est ce que je ferais, j'étudierais vraiment le personnage, pas seulement l'accent mais aussi son parcours. Si ce n’était pas dans l’intrigue, j’écrirais même l’histoire du personnage, son enfance, etc. C’est ce que j’ai fait pour « A Hatful of Rain » et pour « The Bachelor Party ». Dans « Advise & Consent », j'ai joué un sénateur de l'Utah, ce qui aurait fait de lui un mormon. J'ai lu toute la Bible mormone, puis je suis allé à Salt Lake City et j'y suis resté un moment, discutant avec les politiciens de la région pour capter leur accent, etc. Je me suis immergé très profondément dans le rôle. L’un des rôles pour lesquels je n’ai pas eu le temps d’étudier est celui que j’ai joué dans « Bus Stop ». J'ai passé un test d'écran, j'ai signé le contrat et, une semaine plus tard, j'étais à Hollywood pour commencer le film. Tout cela est venu de Josh Logan, de William Inge, le dramaturge, et du merveilleux scénariste George Axelrod. Pour l'accent, je n'ai pas eu le temps d'aller dans le Montana, d'où vient le personnage, alors j'ai juste utilisé ce qui me semblait être un accent de cowboy. Mais cela a dû convaincre beaucoup de monde, car lorsque j'incarnais un comptable new-yorkais dans mon deuxième film, un grand critique de cinéma disait : "Don Murray était merveilleux dans ce rôle, même s'il avait un peu trop d'ouverture". il lui reste de la place pour être crédible en tant que New-Yorkais » – j'étais un New-Yorkais ! Je n'étais pas un cowboy essayant de devenir un New-Yorkais ; J'étais un New-Yorkais qui essayait d'être un cowboy [rires].

    Est-il vrai qu’Otto Preminger, directeur de « Advise & Consent », était un homme difficile à côtoyer ?

    Il était très difficile pour la plupart des gens. Je n'ai eu aucun problème avec lui car j'ai trouvé qu'il y avait une certaine insécurité face aux réalisateurs qui sont des tyrans. Les personnes qui ont totalement confiance en elles ne doivent pas nécessairement être des intimidateurs. Ils peuvent obtenir ce qu’ils veulent en étant raisonnables. Les gens feront ce qu’ils veulent parce qu’ils ont un certain sens, une certaine aisance et une certaine confiance. "From Hell to Texas" a été réalisé par Henry Hathaway, qui avait la même réputation. Quand j’ai entendu dire à quel point il était un tyran et à quel point il était dur envers les acteurs, j’ai senti que cela devait venir de l’insécurité. Alors, quand je suis allé à son bureau pour la première fois, il n'a rien dit. Il ne m'a même pas dit bonjour, il m'a juste regardé. Alors je l'ai regardé et je n'ai rien dit. Finalement, il a demandé : « Que pensez-vous du scénario ? J'ai fait la même chose avec Otto Preminger. Les intimidateurs ressentiront de la faiblesse et s’en prendront à vous. C'est pourquoi il s'en prenait davantage aux femmes qu'aux hommes. Je savais que je devais être très précis avec Preminger. Je devrais dire: 'Je vais faire ceci et ceci et cela.' Vous ne lui avez pas dit : « Puis-je faire ça ? Et s'il disait : « Eh bien, je pense que vous devriez faire ça. » Ensuite, je disais : « D'accord, je peux le faire. » Donc je n’ai jamais eu de problèmes avec lui, et aussi, je me suis moqué de lui. Je parlais allemand aussi, et parfois je lui parlais en allemand, comme Hitler à Goebbels : « Wass machst du, Otto ? [Des rires.]

    Étant un réalisateur difficile pour tant de gens, était-il généralement satisfait de la première prise ?

    Ce n’était pas tant cette prise qui le rendait célèbre ; il faisait de très longues prises. Il n’aimerait pas diviser les choses en gros plans. C'est très intéressant de regarder le film ; si l'acteur était dans la salle du Sénat et qu'il était le personnage principal faisant son discours, il serait là, mais vous verriez également les gens réagir à lui. Vous verriez non seulement l’action principale mais aussi les sous-actions qui se déroulaient. C'est très intéressant, comme dans la série « West Wing », quand les caméras suivent les gens sur de longs plans, c'est ce que faisait aussi Preminger. Il était l’un des rares grands réalisateurs à faire cela.

    Qu’est-ce qui fait de Fred Zinnemann, à votre avis, un cinéaste si auguste ?

    Fred Zinnemann était un grand réalisateur, non seulement parce qu'il faisait de grands films, mais aussi parce qu'il n'en faisait jamais un mauvais. Tous les grands ont fait au moins un mauvais film. Zinnemann n’en a fait aucun. Il était vraiment bon. Vous vous souvenez de « Le membre du mariage » [1952] ? Un petit film, un film très personnel, très touchant. « D'ici à l'éternité » [1953], un film grand et impressionnant ; « Un homme pour toutes les saisons » [1966], un spectacle ; « A Hatful of Rain » [1957], un petit film sur un toxicomane, quelle variété et ils étaient tous de très bons à magnifiques. Je pense donc que c'est pour cela qu'il a eu autant de succès. Tout ce qu'il faisait était si bon. Les gens qui connaissaient le cinéma savaient que c'était bien parce que c'était un film de Fred Zinnemann, et ils allaient le voir. En tant que réalisateur, il était très, très silencieux. La majeure partie de sa réalisation était déjà terminée lorsqu'il a choisi une personne. Il avait choisi quelqu'un parce qu'il savait qu'il avait quelque chose dans sa personnalité qui correspondrait à ce rôle. Et puis il encouragerait cela. Nous avons eu une période de répétition de dix jours ; nous avons répété le film comme une pièce de théâtre. Tony Franciosa avait joué son rôle à Broadway, il était donc bien dans le rôle. Fred vous laissait développer le rôle, et quand il voulait que vous fassiez quelque chose, il s'approchait doucement de vous et vous disait quelque chose. Dans le film, j'ai eu une scène où j'étais nerveux – j'avais besoin d'une dose, je n'avais pas eu ma dose d'héroïne – et pendant la répétition, il venait vers moi et me disait doucement quelque chose à propos de fumer la cigarette. Il a dit : « Don, ne souffle pas la fumée comme si tu la traînais. Laissez-le sortir de votre nez et de votre bouche. Il disait des petites choses comme ça, qui t'aidaient à créer le personnage. C'était un homme très calme, très confiant. Vous ne le verriez jamais crier. Il n’était pas nécessaire qu’il soit un tyran. Il savait ce qu'il faisait à tout moment.

    Dans les films que vous avez vus en grandissant, les acteurs avaient un style de jeu différent ; ils ont agi de manière plus dramatique, tandis que votre génération a joué les personnages de manière plus réaliste. Est-ce là la principale différence, et ce changement de style est-il le résultat de l’action de la Méthode ?

    Lorsqu'on parle d'acteurs de ma génération, on parle souvent de la Méthode avec Marlon Brando, Montgomery Clift, James Dean, etc. Stanislavski fut l’un des premiers à introduire la Méthode aux États-Unis. La méthode est simplement la suivante : au lieu de représenter les émotions d'un personnage extérieurement, prenez une personne qui est triste, voici à quoi elle ressemblerait, et voici à quoi elle agirait avec toute la chose extérieure, ses expressions faciales, les mouvements et les attitudes physiques. Donc, en fait, vous êtes entré dans votre propre vie et vous vous êtes senti triste, vous vous êtes senti vraiment triste, et quand vous avez dû pleurer dans une scène, vous avez trouvé quelque chose dans votre propre vie ou dans la vie de quelqu'un d'autre pour évoquer quelque chose qui vous a fait pleurer. Voilà, c'est toute la Méthode ; il s'agit simplement d'utiliser vos propres émotions. Aujourd’hui, tout bon acteur fait ça aussi. C'est courant maintenant. Donc vous avez raison, dans les films que j'ai vus dans les années 30, c'était totalement différent. Et quand les acteurs parlaient à l’époque, ils parlaient à toute vitesse ; c'était comme s'ils étaient payés pour chaque mot qu'ils prononçaient. Ils ont tous essayé de faire passer beaucoup de mots. Vous savez, quand vous regardez un film comme « Le Faucon maltais » [1941], un de ces grands classiques, oui, elle était là. Je l'ai vue au coin de la rue et je savais que cette dame posait des problèmes [parle très vite]. Il n'y a aucune réalité du tout [rires], c'est donc la différence entre cette époque et l'époque où je me suis lancé dans le cinéma.

    Qu'en est-il d'un acteur comme Daniel Day-Lewis ? Lorsqu'il joue un rôle, il l'emporte chez lui ; il est aussi le personnage à la maison. Une fois le tournage terminé, il lui faut un certain temps avant de retrouver sa propre routine.

    Eh bien, vous savez, j'ai commencé à faire ça à l'école, mais ensuite j'ai découvert que lorsque je répétais et que j'étais sur scène, cela me suffisait pour vivre avec un personnage. Si vous veniez me parler pendant la répétition, je serais dans le personnage. Si nous allions déjeuner, je le serais probablement encore. Si une représentation se terminait à 22h30, disons qu'à 00h30, j'en sortirais, je serais parfaitement normal, et j'irais généralement à l'encontre du personnage, quel qu'il soit. S'il s'agissait d'un personnage introverti, comme dans « A Hatful of Rain » ou « The Bachelor Party », je plaisanterais ou je ferais des farces et je m'amuserais. Quand j’ai joué dans une magnifique série intitulée « The Outcasts » avec un cowboy noir et blanc – le cowboy blanc était un ancien propriétaire d’esclaves et le noir un ancien esclave – mon personnage était très arrogant, avec une certaine aristocratie. Les dirigeants du studio et du réseau venaient sur le plateau et venaient me parler. Sans m’en rendre compte, je serais arrogant lors de ces conversations ; Je serais tellement arrogant alors que cet homme était si gentil. Donc je n'aime vraiment pas qu'on me visite sur le plateau. La nuit ou le week-end, c'est tout à fait acceptable, mais pas sur le plateau. Bien sûr, je ne peux pas me comparer à Lewis. Mon Dieu, quel acteur il est ! Tout ce que cet homme a fait est absolument superbe.

    Est-ce vrai qu'ils disent que l'entreprise est dirigée par des jeunes de douze ans ?

    Quand j’étais jeune, avant même d’entrer à l’American Academy, même au lycée, je connaissais le cinéma. J'allais voir des films et je prenais le cinéma au sérieux. Il y a tellement de cadres aujourd’hui qui ne voient même pas beaucoup de films ; ils n'aiment pas le cinéma. Beaucoup d’entre eux ne connaissent pas du tout mon travail, mais ils ne savent pas non plus qui étaient beaucoup de mes contemporains parce qu’ils ne semblent pas avoir le même intérêt pour les films que nous.

    C'est tout le contraire de votre premier patron, M. Zanuck ?

    Oh absolument, il adorait les films. Et son fils Richard est un merveilleux cinéaste. Son palmarès cinématographique est spectaculaire. Ils aimaient vraiment les films.

    Quels conseils donneriez-vous aux jeunes qui souhaitent devenir acteurs ? Il y a de nombreuses années, Betty Grable s'est vu poser la même question lors d'une interview et sa réponse a été : « Prenez Fountain », car Fountain Avenue est le chemin le plus rapide entre Beverly Hills et Hollywood et retour.

    C'est très bien [rires]. Mon conseil serait : commencez par vous-même. N'essayez pas d'agir et d'être quelque chose que vous n'êtes pas, ou que vous pensez intéressant, ou parce que c'est ce que veut le public. Et quand vous jouez un personnage, mettez-y votre propre personnalité, votre propre émotion, prêtez-la à ce personnage et ensuite suivez-le. N'essayez pas de faire quelque chose de bidon. Ne dites pas : « James Dean, Marlon Brando ou Daniel Day-Lewis l'ont fait de cette façon ». Commencez par vous-même et soyez vous-même. C'est l'essentiel. Et puis vous pouvez jouer : auditionner, travailler dur, faire du théâtre et jouer dans les meilleures circonstances possibles. Si vous pouvez supporter de faire autre chose, faites-le. Car aussi dévoué et talentueux que vous puissiez être, vous avez peu de chances de réussir. Il y a de fortes chances que vous soyez frustré pour le reste de votre vie. Donc, si vous aimeriez faire autre chose, il serait peut-être préférable que vous le fassiez. Les chances que vous puissiez gagner votre vie en étant artiste sont très faibles.

    Quels étaient les acteurs que vous admiriez à vos débuts ?

    Quand j'étais jeune homme, j'adorais John Garfield. Ce n'était pas seulement en tant qu'acteur, mais il y avait quelque chose dans sa personnalité. C'était un enfant de la ville et j'ai grandi à Long Island, mais j'étais identifié aux enfants de New York. J'adorais le sport; Je n’étais en aucun cas un délinquant, mais j’étais un enfant dur et quand j’étais plus jeune, j’avais beaucoup de bagarres. Alors le dur à cuire qu’il incarnait avec un cœur d’or m’a toujours attiré. L’un de mes films préférés était « Corps et âme » [1947] dans lequel il jouait le rôle du combattant. Puis, à dix-sept ans, j'ai intégré une école d'art dramatique et j'ai vu mon premier film français avec Gérard Philipe. Pour moi, il n'y avait pas de meilleur acteur que Gérard Philipe à l'époque car il était magnifique dans tout ce qu'il jouait, dans un drame comme « Le diable au corps » [1947], dans une comédie comme « Fanfan la Tulipe » [1952, avec Gina Lollobrigida]. Tout ce qu'il faisait était totalement crédible ; c'était mon Dieu ! J'ai eu le cœur brisé quand il est mort [en 1959, à 39 ans] ; il est mort d'une hépatite, une maladie que j'avais à mon retour d'Europe. J'ai récupéré, mais pas lui. Ces deux acteurs n'ont pas influencé mon style de jeu, mais ils m'ont encouragé à continuer.

     

    Los Angeles, Californie
    , 30 mars 2008

    Source:https://filmtalk.org/2014/12/11/don-murray-i-never-understood-why-marilyn-monroe-was-not-nominated-for-bus-stop/


    2 commentaires
  • Depuis que celle qui joua Jill Bennett dans Côte Ouest a quitté les plateaux de tournage, l'ancienne actrice est très active dans la protection des animaux.      Avant de devenir présidente de la Fondation Amanda, Teri Austin y a fait des dons d'argent ,puis y a été bénévole .  

    L'article ci -dessus étant un copier -coller de la traduction d'un interview donnée par Teri Austin, je vous laisse le soin ,en le lisant, de modifier le genre de certains mots qui ont été traduits au masculin ,et non au féminin.

    Article provenant de: https://marykiserwrites.com/teri-austin-from-actor-to-activist/

     

    Teri Austin : d'acteur à activiste.

    Dans L'homme de la maison : la vie avec la dame au bout de ma laisse, le Labrador jaune Mac appelle Mary et tous les humains « laisses ». Aujourd'hui, je parle avec Teri Austin, présidente de la Fondation Amanda, qui a sauvé et guéri mon chien bien-aimé, Arden. Mais la Fondation Amanda est bien plus qu’un sauvetage. Leurs « quatre pattes » comprennent un hôpital vétérinaire, une clinique de stérilisation mobile, des services de sauvetage et d'adoption et des programmes éducatifs. Teri est impliquée avec Amanda depuis plus de trente-cinq ans. Elle a quitté ce que la plupart d’entre nous considéreraient comme un travail de rêve pour vivre son rêve d’enfant : être entourée d’animaux.

    1. Racontez-moi comment vous vous êtes impliqué dans la Fondation Amanda.

    Je suis venu à Los Angeles pour travailler sur l'émission télévisée Knots Landing. J'ai quitté le Canada pour venir ici et j'ai amené mon Yorkshire Terrier, âgé de presque dix-neuf ans, nommé Theda Bara, en hommage à la première star de cinéma qui ait jamais existé. Je l'appelais Thea et c'était une petite chienne incroyable que j'aimais de tout mon cœur.

    Il y avait un vétérinaire à proximité du studio où j'emmenais Théa. Il avait une petite fiche collée au mur qui disait : « S'il vous plaît, donnez-la aux chiens de la Fondation Amanda. » Je gagnais plus d'argent que je n'en avais jamais gagné dans ma vie et je me suis dit : « Bien sûr, je peux leur faire un don. » Ainsi, chaque fois que j'emmenais mon petit chien, je lui remettais un chèque et lui disais de le donner à l'association caritative. Parce qu'elle était si vieille, elle allait chez le vétérinaire assez fréquemment.

    Alors ma petite Thea est décédée. Elle était âgée et souffrait d'une maladie et a finalement succombé. Quelques semaines après son décès, mon vétérinaire m'a appelé : « Alors Teri, as-tu acheté un nouveau chiot ?

    "Oh Steve, je n'aurai jamais d'autre chien aussi longtemps que je vivrai. Je ne peux pas dormir. Je ne peux pas manger. Je pleure constamment. J'ai le cœur tellement brisé. Je n'aurai jamais, jamais de chien. C'est tout simplement trop.

    Et il dit : « D'accord, alors vous connaissez l'organisme de bienfaisance à qui vous donnez les chèques ? Pensez-vous que vous pourriez faire quelque chose à la mémoire de Thea ? Tu devrais aller là-bas.

    Je me suis dit : « Ok, très bien. Je vais y aller en voiture. Donnez un chèque à la mémoire de mon chien. Remonte dans ma voiture et roule vers le coucher du soleil. Voilà ce que je vais faire." Je vais à la Fondation Amanda, je sors de la voiture, j'entre et je dis : « J'ai un don à la mémoire de mon chien décédé. À qui dois-je le donner ?

    La Fondation comptait alors un employé. Elle n'existait que depuis un an. Elle a regardé le chèque et a dit : « Laissez-moi vous montrer ce que nous allons faire avec ça. »

    Et je pensais : « Non, s'il vous plaît, ne le faites pas. »

    "Reviens."

    Nous sommes donc retournés au chenil et il y avait quarante cages remplies de chiens, environ deux par chenil. Je viens juste de commencer à jouer. Elle m'a accompagné dans les allées. Je pleure si fort que mon chemisier est mouillé de larmes. Je pleure pour mon chien. Je pleure pour ces chiens. Quand on arrive à la toute dernière cage, il y a un mélange de Yorkie. Maintenant, quand je dis un mélange Yorkie ; franchement, je suis plus Yorkie que ce chien ne l'était. C'était clairement une chienne âgée. Elle avait comme une petite orpheline Annie, les yeux écarquillés avec des cataractes. Elle avait de grandes oreilles de Yorkie. Ses petites dents étaient vertes. Elle boitait d'une jambe et je me suis dit : « Oh Seigneur, ce n'est pas un engagement à long terme. Je vais prendre ce chien. Il lui reste peut-être encore six semaines sur Terre. Je vais l'emmener et lui donner un foyer pour le temps qu'il lui reste.

    "Je vais l'emmener."

    Je jure que ce chien rajeunit chaque semaine. Je lui ai fait nettoyer les dents, je lui ai donné des vitamines et une meilleure alimentation. Je l'ai eue pendant neuf ans. Le médecin pense qu'elle avait dix-neuf ans lorsqu'elle est décédée.

    2. Alors, comment en êtes-vous devenu davantage impliqué ?

    J'ai donc vu ce qu'ils faisaient et j'ai commencé à faire du bénévolat. Je travaillais de douze à quatorze heures par jour à Knots Landing. Les jours où je terminais plus tôt, je venais à la Fondation Amanda avec mes cheveux de quatre-vingts et mon maquillage de quatre-vingts, mes épaulettes et mes chaussures à talons hauts. J'apportais un jean et un sweat-shirt pour me changer, puis je ramassais les crottes. Ici, je travaillais sur une émission de télévision top dix et je faisais la couverture de magazines, puis je pelletais du caca.

    Être avec les chiens était tellement amusant pour moi et j'adorais les regarder rentrer chez eux. J'ai réalisé que je pouvais aider l'association en attirant l'attention sur elle. J’ai donc commencé à travailler sur des événements et j’ai lentement évolué au fil des années pour vouloir faire cela de ma vie.

    Je travaillais dans l'industrie depuis l'âge de quinze ans et j'ai passé de très bons moments dans le showbiz. J'ai eu tellement de chance. J'ai soixante-quatre ans maintenant, mais au moment où j'étais entre le milieu et la fin de la quarantaine, j'ai décidé que j'avais fini. Ce n'était pas faute de travail, mais j'occupais les mêmes rôles. Vous êtes typé. Je jouais souvent le même rôle, la femme du sénateur, l'avocat et tout le reste.

    En y repensant, j'étais un idiot parce que j'avais un bon revenu. J'aurais dû l'équilibrer davantage. Mais à ce moment-là, j'étais prêt à partir. J'ai dit à mon manager : « Je n'arrive même pas à terminer un scénario dans son intégralité. Je ne suis tout simplement pas intéressé. Je ne suis pas enthousiasmé par le travail.

    Elle a dit : « Teri, tu fais ça depuis que tu es enfant. Repose toi. Quand vous serez prêt à revenir, nous serons là. Prendre une année sabbatique."

    Mais je n'y suis jamais retourné. Une fois que j’ai quitté l’industrie, j’ai réalisé que tout ce que l’univers m’avait appris sur le métier d’actrice, je pouvais l’appliquer à la sauvegarde des animaux. Je pourrais aller à la mairie et plaider ma cause. Je pourrais avoir ce public composé de quinze membres du conseil municipal et du maire, et je pourrais les tenir dans ma main et leur parler de ce qui doit être fait, et je pourrais le leur vendre comme je vendrais un personnage dans une pièce de théâtre.

    J'ai commencé à accomplir des choses et j'ai pensé : « C'est ce que je dois faire. » Le jeu des acteurs était génial et cela m'a donné la chance de parcourir le monde. Et partout où j'allais lorsque je travaillais comme actrice, en Nouvelle-Zélande, à Genève, dans les Caraïbes, je prenais mon temps libre et j'allais à une association caritative locale pour les animaux. J'ai vu des associations caritatives pour la protection de la cause animale partout dans le monde et j'ai pu en rapporter des idées.

    Quand j'étais à Genève au début des années 90, je suis allé à la SPCA. C'était dans ce joli petit bâtiment. Je suis entré et j'ai dit : « Salut. Je travaille à Genève depuis quelques mois. C’est mon jour de congé et j’aime vraiment aider avec tout ce que je peux faire.

    Et la femme a dit : « Oh, eh bien, qu’est-ce que tu aimerais faire ?

    "Je peux promener des chiens."

    "OK, oui, nous en avons deux."

    Dans une ville d'un million et demi d'habitants, ils avaient deux chiens dans le seul refuge pour animaux de la ville. Et un chien était en pension pendant que les gens étaient absents. Le propriétaire de l'autre était décédé et ils cherchaient une maison. Je devais savoir comment ils faisaient ça. La Suisse est célèbre pour avoir des règles pour tout, et elle avait des règles strictes en matière de stérilisation et de stérilisation ainsi que des règles strictes en matière d'élevage. C'est ce qui m'a poussé à revenir à Los Angeles et à dire que ce n'est pas une question de sauvetage. En premier lieu, cela les empêche d'être au refuge. C'est par là que vous commencez. C'est ainsi que vous résolvez le problème. Vous résolvez le problème en ne produisant pas plus d’animaux qu’il n’y a de foyers.

    3. Quand avez-vous commencé à temps plein chez Amanda ?

    Fin des années 90. Je suppose que c'était en 1998 ou 1999.

    4. Quelle est votre partie préférée du travail ?

    J'en ai deux. Ce que je préfère, c'est voir des animaux en détresse et pouvoir les sauver et les sortir de la détresse. C'est comme si un rayon de soleil se déclenchait dans ma poitrine. Une fois que je les ai dans ma voiture, je peux dire : « Vous êtes en sécurité ». L'autre, c'est quand ils rentrent chez eux et que vous voyez une famille tellement excitée d'avoir cette créature, ce chien ou ce chat, que quelqu'un d'autre a jeté.

    5. Quelle est la partie la plus difficile de votre travail ?

    Le plus dur, c'est quand je n'en peux plus parce qu'on est rassasiés. Ou encore, dans certaines situations, l’animal a été maltraité et est dangereux. J'en ai peut-être déjà trois comme ça, et je ne peux pas en prendre un quatrième parce que nous nous occupons déjà des trois autres. C'est la partie la plus difficile, dire non et savoir que nous sommes probablement leur dernière chance. Je pleure à chaque fois. Nous n’avons qu’un nombre limité de cages et tellement d’argent, donc je dois dire non. Et cela me dévaste. C'est la chose la plus difficile. C'est plus difficile que de devoir dire au revoir à votre animal de compagnie et de le laisser aller au paradis pour une raison de santé, même si vous l'aimez beaucoup.

    6. Comment le COVID a-t-il affecté votre entreprise ?

    Au départ, lorsque nous avons dû arrêter notre programme de stérilisation, je pensais que nous allions voir cette grande vague de chiots et de chatons, mais cela ne s'est pas produit. Cela a prouvé quelque chose que nous prêchons depuis le début. Si vous êtes à la maison et que vous gardez vos portes verrouillées, votre animal ne s'échappera pas et ne reviendra pas enceinte ou ne fécondera pas d'autres animaux. Il ne se fait pas heurter par une voiture et vous ne pouvez pas vous permettre de le réparer et il meurt au refuge. Vous faites plus d’exercice à votre animal, il se comporte donc mieux. Les chats sont des prédateurs, ils ont donc un ADN différent. Mais les chiens sont des bêtes de somme. Vous ne pouvez pas les isoler douze heures par jour, rentrer à la maison et passer dix ou quinze minutes avec eux et penser que c'est fini. Alors COVID a appris à tout le monde que c’est comme ça qu’on résout le problème. Vous passez du temps avec eux. Les raisons pour lesquelles les animaux étaient dans le refuge ont été résolues par le fait que les gens étaient davantage à la maison.

    7. Parlons des plans de construction de la Fondation Amanda.

    Eh bien, je plaisante en disant que la seule chose qui est plus vieille que moi dans la propriété est le bâtiment. Le bâtiment a été construit en 1924 où le vétérinaire, le Dr Scott, soignait le bétail. Le marché fermier (situé maintenant par CBS et Nordstrom's) était un véritable marché où les agriculteurs achetaient et vendaient des porcs, des poulets, des oies, des chèvres et des vaches. Dans les années trente, alors que les chevaux disparaissaient progressivement et que de plus en plus de gens possédaient des voitures, Los Angeles se développait et les fermes déménageaient. Les vétérinaires se tournaient vers les petits animaux familiaux car auparavant, au tournant du siècle et au début des années vingt, si vous aviez un chien et qu'il tombait malade, vous aviez un nouveau chien. Mais ensuite, à mesure que les gens ont commencé à prendre davantage soin de leurs animaux, le bâtiment est devenu un petit hôpital pour animaux.

    Le bâtiment n’a jamais été construit pour durer cent ans. C'est un vieux bâtiment en stuc infesté de termites et dont le toit est troué. Le chauffage et la climatisation ne couvrent qu'un tiers du bâtiment. La ventilation est mauvaise. La plomberie a quatre-vingt-seize ans et il y a tout le temps quelque chose qui casse. Il n’a pas été conçu pour héberger des animaux à long terme, car la plupart des vétérinaires n’hébergent des animaux que pour une journée, pour une intervention chirurgicale, ou pour quelques jours pour se remettre d’une maladie. Mais nous prenons des animaux malades ou blessés qui ont besoin de semaines, voire de mois, avant d'être prêts à être adoptés. Nous nous sommes contentés de ce que nous avons, mais le bâtiment s’effondre littéralement autour de nous.

    8. À quoi ressemblera la nouvelle installation ?

    Nous travaillons avec Animal Arts, un cabinet d'architectes du Colorado, qui s'occupe spécifiquement des hôpitaux et refuges pour animaux. Ils ont conçu un bâtiment magnifique et fonctionnel, où chaque centimètre carré sera utilisé pour loger les animaux et pour nos programmes.

    L'installation sera un endroit agréable pour qu'un animal puisse passer une longue période de temps avec des zones d'exercice intérieures et extérieures. Les animaux dont nous nous occupons auront une bien meilleure qualité de vie. Nous pourrons offrir plus de services. Je veux créer une ambiance qui, lorsque les gens entrent, soit agréable à l’air et sent bon. Je pense que nous aurons plus de trafic piétonnier et que les adoptions augmenteront. Notre hôpital aura plus de place. Nous prenons en charge des animaux qui nécessitent beaucoup de soins médicaux. Une grande partie de notre travail est bénévole, mais ce que nous facturons aide à financer l'association.

    Nous allons avoir une salle de séminaire pour donner des cours tels que : « Pourquoi les animaux doivent-ils être sauvés ? Quelles sont les dix principales raisons pour lesquelles ils se retrouvent dans le refuge ? »

    « Oh, mes enfants sont allergiques. Ma tante est morte et m'a laissé tous ces chats. Ou ma tante est vieille et on ne peut plus s'occuper de ses chats. Je ne peux pas dresser ce chien. Il continue de sauter et de me renverser. Je ne peux pas m'entraîner à la propreté.

    Je veux organiser des séminaires pour enseigner aux gens comment aider votre tante à garder des animaux de compagnie jusqu'à un âge avancé ; comment vous présentez le bébé au nouvel animal de compagnie, comment vous présentez un nouvel animal de compagnie à un autre nouvel animal de compagnie ; comment dresser votre chien pour qu'il ne mâche pas toute votre maison pendant que vous êtes au travail. En créant des cours de prévention pour que les animaux ne finissent pas dans le refuge et en proposant des services médicaux à la stérilisation mobile, moins d'animaux sont produits. Notre objectif est de s'attaquer à toutes les raisons pour lesquelles les animaux finissent dans les refuges, afin de nous retrouver avec moins d'animaux dans le refuge.

    L'une des meilleures choses du nouveau bâtiment, ce sont tous ces ponts où nous pourrons dresser des chiens. Nous aurons trois ou quatre zones différentes dans lesquelles nous pourrons emmener les animaux pour un entraînement séparé en fonction de leur degré de socialisation. Ces mêmes zones de pont peuvent être utilisées pour des événements. Nous ne louerons plus jamais de salle. Nous aurons ce magnifique bâtiment où chaque événement comprendra une visite de l'hôpital et des animaux, et vous verrez où va votre argent.

    9. Quand pensez-vous commencer la construction ?

    Tout a été retardé par le Covid. La ville de Beverly Hills, pratiquement fermée. Nous attendons les résultats d'une étude sismique pour finaliser nos plans. Après cela, nous soumettrons nos plans à la ville. Il faut généralement de huit mois à un an pour obtenir les permis nécessaires. Alors peut-être que d’ici octobre ou novembre 2022, nous pourrons mettre les travaux en chantier si nous avons l’argent d’ici là. Dans le cas contraire, nous avons un an et demi avant de devoir refaire une demande de permis.

    10. Combien de temps pensez-vous qu’il faudra pour construire ?

    Cela devrait prendre quatorze mois. Je ne serai pas surpris si cela prend un an et demi. Je ne pense pas que cela prendra deux ans. Je pense que cela prendra dix-huit à vingt mois.

    11. Comment les gens peuvent-ils aider ? Comment peuvent-ils faire un don ?

    Les gens peuvent faire un don à notre fonds général ou le consacrer à notre fonds de construction. Nous apprécions tous les niveaux de dons à la Fondation Amanda. Si quelqu'un veut donner 3,50 $ pour payer un vaccin contre la rage, j'en suis très reconnaissant parce que nous fabriquons beaucoup de vaccins contre la rage.

    Nous allons bientôt lancer notre campagne acharnée et nous travaillons sur un deck qui inclut des opportunités de don. Il s'agit peut-être d'une brique dans le patio qui vaut cent dollars ou d'un chenil avec une plaque signalétique à la mémoire de votre animal de compagnie bien-aimé. Les nouveaux chenils sont préfabriqués, donc il n'y a pas de coutures pour attraper les virus et ils sont parfaits, mais ils coûtent cinq mille dollars pièce. Mais vous espérez ensuite que vous pourrez également trouver quelqu'un qui voudra vous donner 200 000 $ pour payer la plomberie qui passe sous les quarante chenils. Chaque niveau de don est incroyablement nécessaire et il y aura des opportunités pour tout le monde.

    Au cours de cet entretien de près de deux heures, j'ai été très impressionné par le sens des affaires de Teri. Elle m'a dit qu'elle avait acquis son sens des affaires en étant actrice. "C'est du show business, pas du show art." En remerciement d'avoir sauvé mon Arden et en admiration devant l'impact que la Fondation Amanda peut avoir avec la nouvelle installation, cinquante pour cent des redevances de Man of the House: Life with the Lady at the End of My Leash seront reversés à leur fonds de construction. .

    Article provenant de: https://marykiserwrites.com/teri-austin-from-actor-to-activist/


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  •  1981:  Donna Mills se confie à  Leta Powell Drake ,concernant sa présence dans la série"Côte Ouest( Knots Landing)".

    Interview  Donna Mills interviewée par Leta Powell Drake .Interview  Donna Mills interviewée par Leta Powell Drake .Interview  Donna Mills interviewée par Leta Powell Drake .Interview  Donna Mills interviewée par Leta Powell Drake .Interview  Donna Mills interviewée par Leta Powell Drake .Interview  Donna Mills interviewée par Leta Powell Drake .Interview  Donna Mills interviewée par Leta Powell Drake .

     


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