• Don Murray

    Copier coller d'une interview de Don Murray.

    Source:https://filmtalk.org/2014/12/11/don-murray-i-never-understood-why-marilyn-monroe-was-not-nominated-for-bus-stop/

    Film Talk 11 décembre 2014 Acteur, Film Talk


    Don Murray: "Je n'ai jamais compris pourquoi Marilyn Monroe n'était pas nommée pour 'Bus Stop'".

    Don Murray

    L'acteur Don Murray, pendant de nombreuses années un grand acteur américain de premier plan et de théâtre depuis qu'il a fait ses débuts en tant que personnage principal de Marilyn Monroe dans "Bus Stop" (1956), a une longue et fascinante carrière à raconter. Il a travaillé avec certains des réalisateurs les plus accomplis d'Hollywood, a joué dans certains des meilleurs films de son époque et, grâce à ses talents d'acteur brillants, son public a toujours eu un régal quand il est apparu sur l'écran et leur a donné des performances impeccables encore. Après tout, qui peut oublier son travail dans des films comme «A Hatful of Rain» (1957), From Hell to Texas (1958), «The Hoodlum Priest» (1961), «Advise & Consent» (1962) "Deadly Hero" (1976)?

    J'ai rencontré M. Murray dans un restaurant de Los Angeles où il a parlé de sa vie, de sa carrière, de son travail d'acteur-scénariste-réalisateur et de sa passion pour son métier.

    Vous êtes né à Hollywood en 1929. Avez-vous passé la majeure partie de votre vie en Californie jusqu'à présent?

    Non, pas vraiment. Mes parents étaient dans le show business: ma mère était une Ziegfeld Girl, et mon père était un régisseur, un chanteur et un danseur. Dès que des images sonores sont apparues, à la fin des années 1920, ils ont embauché beaucoup de gens de Broadway pour faire des comédies musicales ici à Hollywood, et ils ont donc embauché mon père en tant que directeur de danse. Mes parents sont sortis ici en 1928 et je suis né en 1929. Juste après, la grande dépression a frappé avec le krach boursier de Wall Street; les studios ont pensé qu'il y aurait un désastre financier et ils ont temporairement suspendu la production et fermé les studios - alors que c'était le contraire: la dépression étant un boom, c'était le plus grand moment économique pour les films. Mais mon père est retourné à Broadway, alors je n'étais là que pour la première année de ma vie: quand j'avais un peu moins d'un an, nous sommes retournés à New York et j'ai été élevé à l'extérieur de New York.

    Comment le réalisateur Joshua Logan vous a-t-il trouvé pour votre premier rôle dans votre premier film "Bus Stop" [1956]?

    Pour mon premier film "Bus Stop" [1956], j'ai été embauché par le réalisateur Joshua Logan après m'avoir vu dans une pièce de Broadway intitulée "La peau de nos dents" [1955] et il m'a testé sur écran. J'ai épousé mon co-star Hope Lange [avril 1956] - l'histoire est que nous nous sommes rencontrés sur le plateau parce que nous étions tous deux dans le film, mais nous nous connaissions depuis quatre ans. Je la connaissais dès son diplôme de lycée, elle avait 17 ans et j'avais 21 ans quand nous nous sommes rencontrés. Nous étions déjà engagés quand nous étions tous les deux engagés pour "Bus Stop". Joshua Logan m'a vu à Broadway, il l'a vue à une émission de télévision et il nous a tous les deux embauchés, alors c'est comme ça que ça s'est passé. Nous avons vécu à New York pendant environ un an, puis nous sommes allés à Hollywood, nous avons acheté une maison ici et j'ai été ici de 1957 à 1973 quand je suis retourné à Broadway et j'ai passé quatre ans à New York. Avant les films, j'ai fait mon travail en Europe, alors que j'étais à l'avant-garde du Peace Corps.

    Dès les premières étapes de votre carrière, vous avez pu travailler avec des réalisateurs de premier plan comme Fred Zinnemann, Delbert Mann et Joshua Logan.
    A quel point étaient-ils importants pour vous à ces débuts?

    Oh, ils étaient très importants. Joshua Logan, mon premier directeur, a eu un énorme succès avec "Picnic" [1955] et "Bus Stop" était son premier film après cela. Bien sûr, Fred Zinnemann avait déjà remporté un Academy Award pour "From Here to Eternity" [1953], alors il était au sommet de sa carrière. Delbert Mann avait l'année précédente remporté un Oscar pour "Marty" [1955]. J'ai eu de très bons réalisateurs, comme Michael Anderson, et ainsi de suite. J'ai eu beaucoup de chance de travailler avec ces gens.

    Comment voyez-vous "Bus Stop": c'était votre premier film, votre co-star Marilyn Monroe était aussi au sommet de sa carrière et vous avez gagné une nomination aux Oscars tout de suite. Cela a-t-il eu un impact sur vous, parce que vous êtes devenu une star instantanée?

    Eh bien, quand je suis entré dans "Bus Stop", je n'étais revenu aux Etats-Unis que depuis moins d'un an. Je vivais en Allemagne depuis un an et en Italie depuis un an et demi. Marilyn était célèbre là-bas, mais pas aussi célèbre que Sophia Loren ou Gina Lollobrigida. Je l'avais vue dans un seul film, "Gentlemen Prefer Blondes" [1953]. Je ne savais donc pas grand chose d'elle, et quand j'ai été embauché pour "Bus Stop", j'ai été surpris de toute la publicité que nous recevions. Partout où nous allions, il y avait toujours des journalistes et des cameramen. C'était très inhabituel pour moi, parce que je ne savais pas à quel point une grande star était à ce moment-là.

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     L'actrice Sheree North m'a dit un jour que, au début des années 1950, à la 20th Century Fox, avant que Marilyn Monroe ne fasse une grosse pause, les gens se moquaient parfois d'elle, marchaient derrière elle avec la même chose.

    Oui, ils se moquaient beaucoup d'elle. Je dois dire que je l'admire vraiment à propos de la manière dont elle se souciait suffisamment de la forme artistique des films pour quitter réellement Hollywood au plus fort de sa gloire et ne pas se contenter d'être juste un symbole sexuel. Elle voulait être une vraie actrice. Quand elle a quitté Hollywood pendant un an pour étudier à l'Actors Studio à New York, "Bus Stop" était son film de retour. Et je pensais qu'elle était magnifique, même si elle était toujours en retard sur le plateau et elle avait du mal à se souvenir de ses lignes. Elle avait aussi une très courte durée de concentration: elle commençait une scène et s'arrêtait au milieu parce qu'elle avait oublié ses lignes. Donc, elle devait faire toutes ses scènes en petites pièces parce qu'elle ne pouvait pas soutenir une scène tout le long. Nous n'avons jamais vu une scène complète avec elle. Tous les acteurs du film sont venus de la scène, comme Hope Lange et moi, Arthur O'Connell, Eileen Heckart - tout le monde dans le film - alors nous avions l'habitude d'avoir une performance continue et nous allions aux rushes pour voir le travail d'hier . Nous verrions toutes ces petites pièces et nous pensions que le film allait être un désastre. Cependant, la première fois que nous l'avons vue en avant-première, tout à coup nous avons réalisé quelle était la magie des films, avec le montage et le découpage: elle était magnifique! Je n'ai jamais compris pourquoi elle n'était pas nommée [pour un Academy Award] pour "Bus Stop". Il a été gagné par Ingrid Bergman - une merveilleuse actrice, il n'y a pas de doute là-dessus - mais la performance de Marilyn dans "Bus Stop" était tellement plus riche, tellement plus variée et tellement plus intéressante que le personnage d'Ingrid Bergman dans "Anastasia ". Pendant ce temps, j'ai été surpris d'avoir été nominé. C'était le studio, en fait. Un jour, j'étais sur le plateau de "A Hatful of Rain" [1957] et l'un des chefs de publicité est venu vers moi. «Félicitations!» J'ai dit: «Pour quoi?» Il a dit: «Vous avez été nominé pour un Academy Award hier!» J'ai dit: «J'étais? N'est-ce pas incroyable? Vous avez été nominé et personne ne poussait pour vous! C'était complètement spontané, c'est du jamais vu à Hollywood! 'C'était donc une surprise totale pour nous tous.

    Votre nomination a-t-elle stimulé votre carrière de quelque façon que ce soit?

    Je ne peux pas vraiment le dire. J'avais fait "Bus Stop" et "The Bachelor Party" [1956] qui était aussi très bien pensé, j'avais fini un western appelé "De l'enfer au Texas" [1958] que certains ont appelé l'un des meilleurs westerns depuis "High Midi "[1952] et j'étais déjà dans" A Hatful of Rain ". On m'avait offert le «Chat sur un toit d'étain chaud» [1958], que je refusais parce que j'aimais toujours faire quelque chose à l'opposé de la dernière chose que je faisais et à la place, «Shake Hands With the Devil» [1959] la révolution irlandaise. Je ne peux donc pas dire que la nomination a vraiment eu un effet sur ma carrière. En fait, ce fut une période très éprouvante car beaucoup de publicité est venue et puisque je n'avais pas de publiciste privé, je n'ai rien fait pour les Academy Awards: je n'ai fait aucune publicité avant ou après avoir été nominé . Mais il a alors commencé à sortir dans le journal qu'il n'était pas juste pour moi d'être nommé acteur de soutien pendant que je jouais le rôle principal. Je me suis dit: «Eh bien, c'est vrai.» Je ne savais rien à propos de l'Académie, ni des règles, mais on en a fait autant. Il y avait un chroniqueur célèbre qui a écrit un article, il m'a appelé un jour et m'a demandé de commenter. Je suis d'accord avec lui: j'étais le premier homme et j'ai été nommé acteur de soutien, mais c'était nouveau pour moi. Je m'attendais à ce qu'il s'exprime dans sa colonne et à rappeler à l'auditoire et à l'industrie que je n'ai rien fait pour être nommé et qu'après avoir été mis en nomination, je n'ai toujours pas ajouté et ignoré tout le processus. Et tout ce qu'il a dit dans sa chronique était: «Scratch Don Murray de la considération Oscar parce qu'il refuse de faire de la publicité».

    En tant que jeune acteur, vous êtes apparu dans plusieurs films très impressionnants, comme vous venez de l'indiquer. Avez-vous déjà eu besoin de beaucoup de direction sur le plateau?

    Dans "Bus Stop", j'avais besoin de plus de direction que n'importe quelle partie que j'aie jamais jouée, parce que le cowboy était le contraire des choses que je jouais habituellement, comme dans la pièce qui a débuté ma carrière à Broadway, Tennessee Williams The Rose Tattoo ], J'ai joué un marin. Cela avait de la comédie, mais c'était très subtil. C'était un personnage très chaleureux et sensible à jouer. «La peau de nos dents» était un drame très sérieux, un genre de type très intense, rien de tel que le cow-boy. Donc, sur le plateau de «Bus Stop», j'ai dit: «Josh, pourquoi m'as-tu embauché?» Il a dit: «Parce que tu as une énergie sur la scène que je veux voir ici. , Marilyn est une grande star, mais je veux que tu oublies totalement qu'elle soit une star, alors quand tu viendras sur le plateau, je veux que tu sois comme Attila le Hun: Je veux que tu reprennes la scène. Détruis les meubles si tu as besoin,
    fais quelque chose, je veux le cow-boy le plus fou qui ait jamais vécu. »C'est ainsi qu'il a dirigé, je n'aurais jamais pensé à cela moi-même, et chaque fois que quelqu'un me parlait de ma nomination, je me suis dit: obtenir la nomination, est Josh Logan, parce que c'est plus sa performance que la mienne.

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    Est-ce que Marilyn Monroe a agi sur le plateau comme une star, ou comme une actrice?

    Elle a agi très comme une actrice, mais elle était très incertaine, très peur d'agir devant la caméra, ce qui est incroyable. Elle était cette énorme étoile et si merveilleuse devant la caméra, mais c'est pourquoi elle était toujours en retard. Elle se montrerait à l'heure dans le studio. Quand elle était censée être là à 6h30 du matin, elle arrivait à 7h ou 7h30, mais elle restait dans sa loge jusqu'à 10h ou 11h, elle ne sortait pas sur le plateau. Très peu de gens le savent, parce que je ne me souviens pas avoir vu cela sur papier - nous avons fait une scène de lit, elle était en réalité nue sous les draps et je pouvais voir son corps couvert de cette éruption rouge, elle était tellement nerveuse qu'elle éclater avec cette éruption rouge et elle a dû le couvrir avec du maquillage. Étant une si grande star, elle avait fait tant de films, et pourtant, elle était si effrayée. Mais elle a pris la partie très au sérieux, écouté Josh Logan et a pris ses instructions. Son coach Paula Strasberg était également sur le plateau: elle l'entraînait pour faire le rôle. Beaucoup de réalisateurs ont eu des problèmes avec Paula étant sur le plateau, mais pour Josh cela a bien fonctionné. Je pense qu'avec Paula, il a créé un personnage merveilleux.

    Vous n'avez jamais eu besoin de coaching sur le plateau, n'est-ce pas? Est-ce parce que tu étais un acteur de scène entraîné?

    Eh bien, vous savez, j'ai eu un coach, pas comme Paula, mais j'ai eu un directeur qui était un de mes amis proches, nommé Payton Price. Il était professeur et il était avec moi tout le temps quand nous avons fait le film. Nous travaillerions sur nos scènes ensemble, comme deux acteurs travaillant ensemble. Il ne donnerait jamais de direction, mais il m'aiderait à réaliser les directions que Josh Logan me donnerait sur le plateau.

    Vous avez eu une carrière très longue et enrichissante dans les films, la télévision et sur la scène jusqu'à présent. Quelles parties ont été les plus gratifiantes, les plus intéressantes, les plus difficiles?

    Tout d'abord, j'ai eu beaucoup de chance, parce que quand j'étais jeune acteur, je n'avais jamais voulu faire Shakespeare. Pour moi c'était merveilleux - j'admirais Olivier dans Shakespeare - mais Shakespeare est anglais, et j'ai toujours aspiré à faire des classiques américains. Il y a trois parties que j'ai toujours voulu jouer quand j'étais jeune: le Scotsman dans «The Hasty Heart», une pièce de John Patrick, «Winterset» de Maxwell Anderson et «Billy Budd» de Melville. Ce sont les trois pièces que j'ai toujours voulu faire. Après être entré dans les films, je dois faire ces trois pièces à la télévision. Je devrais donc dire que ce sont les meilleures parties, ainsi que les rôles que j'ai joués dans «Bus Stop», «Hatful of Rain» et le drame politique «Advise and Consent» [1962]. Et mon propre film que j'ai écrit et réalisé, "The Hoodlum Priest" [1961], c'est celui pour lequel j'ai reçu les meilleures critiques. J'ai aussi fait un autre film avec un de mes spectacles préférés, appelé "Deadly Hero" [1976] dans lequel j'ai joué un flic qui devient un flic d'autodéfense. Sur la scène, j'ai adoré «The Rose Tattoo», et plus récemment, j'ai fait «Same Time, Next Year» près d'un an à Broadway et quelques mois sur la route. J'ai aussi aimé ma part dans [la série télévisée] 'Knots Landing'. J'ai également écrit la première de la deuxième saison qui était le premier 'Knots Landing' en tant que deux-parter. Je l'ai écrit comme un parterre mais ils m'ont demandé de l'élargir et de le transformer en deux parties. C'était le début de la sérialisation: des histoires continues plutôt qu'une histoire avec un début et une fin. Cela a été transformé en une histoire continue, ce qu'ils ont appelé un feuilleton de nuit. Il a couru pendant 14 ans, mais je suis parti après 2 ans. J'ai demandé à être écrit parce que je voulais faire ma propre série sur une famille musicale. Vous voyez, j'ai joué une fois sur Broadway dans une comédie musicale appelée 'Smith', une merveilleuse comédie musicale en 1973, alors j'ai eu l'occasion de faire une série sur une famille musicale.

    Vous venez de mentionner "A Hatful of Rain", un film merveilleux et magnifiquement joué, aussi très puissant. Les rôles principaux ont été joués par de jeunes acteurs: vous avez joué le rôle principal, Eva Marie Saint a joué votre femme, il y avait aussi Anthony Franciosa. Plus de Gary Cooper ou Clark Gable. La jeune génération était en train de remplacer l'ancienne génération?

    Oui, en fait, ils l'ont fait. Je faisais partie des premiers acteurs qui ont rompu leurs contrats pour réaliser leurs propres films, comme John Cassavetes l'a fait quelques mois après. Kirk Douglas l'avait déjà fait. J'étais sous contrat de six ans avec 20th Century Fox. Quand j'ai fait un «arrêt de bus», ils m'ont offert un contrat de sept ans, mais j'ai dit: «Non, je ne le ferai pas.» J'appelle toujours un contrat d'esclave où ils peuvent vous mettre dans ce qu'ils veulent. Alors ils m'ont offert un contrat de six ans, avec seulement deux photos par an et j'étais libre de faire autre chose en dehors de ces deux images. Et aussi, une année tous les deux ans pour retourner à Broadway, c'était un contrat très libéral et gratuit. Je n'étais pas exclusif à eux du tout. Mais j'étais encore sous contrat et pendant ce temps j'ai eu le temps de faire d'autres films comme "The Bachelor Party" ou "Shake Hands With the Devil", mais je ne pouvais pas produire mes propres films, je ne pouvais pas prendre autant de temps sur mon contrat
    .Quand vous êtes producteur, cela prend une année entière pour un film. Donc, à la fin, tout ce que je pouvais faire était d'acheter ma sortie de mon contrat avec Fox, c'était avant "Advise & Consent".

    Don Murray et l'acteur vétéran Charles Laughton dans le drame politique "Advise & Consent" d'Otto Preminger (1962).

    C'est toujours l'un des films politiques les plus puissants jamais réalisés, n'est-ce pas?

    Je le pense, ça tient encore debout aujourd'hui. Je l'ai vu récemment, et ça a toujours l'air génial. Il est encore considéré comme l'un des deux grands films d'Otto Preminger: "Laura" [1945] et "Advise & Consent".

    Dans «Conseils et Consentement», vous avez joué un jeune sénateur, mais vous êtes un acteur très polyvalent puisque vous avez joué une grande variété de personnages au fil des ans. Quand on vous offre un rôle, y a-t-il un moyen de vous préparer?

    Quand j'ai fait 'The Hasty Heart', j'avais environ cinq semaines de préparation et j'avais déjà fait le rôle à l'école. Je l'avais donc étudié quand je suis allé à l'American Academy of Dramatic Arts, et il y avait un acteur écossais qui s'appelait Jimmy Moore et qui utilisait le nom de scène de Sammy Duncan. Il avait l'habitude de faire des chansons et des danses et de la comédie écossaise sur le vaudeville. J'ai étudié avec lui pendant deux mois, tous les jours et plusieurs heures par jour. J'ai appris mon caractère, comme d'où il venait, j'ai essayé de comprendre ce qu'étaient les Écossais dans cet endroit particulier. Cela rend donc très intéressant, non seulement d'étudier le personnage mais aussi son arrière-plan. C'est ce que je ferais, j'étudierais vraiment le personnage, non seulement l'accent mais aussi son background. Si ce n'était pas dans l'intrigue, je voudrais même écrire une histoire du personnage, à quoi ressemblait son enfance, et ainsi de suite. C'est ce que j'ai fait pour "A Hatful of Rain" et pour "The Bachelor Party". Dans "Conseil et Consentement", j'ai joué un sénateur de l'Utah, donc cela aurait fait de lui un mormon. J'ai lu toute la bible mormone, puis je suis allé à Salt Lake City et je suis resté là un moment, en parlant aux politiciens de la région pour prendre leur accent et ainsi de suite. Je me suis très profondément plongé dans la partie. L'une des parties pour lesquelles je n'avais pas le temps d'étudier était celle que j'ai jouée dans "Bus Stop". J'ai été testé sur écran, j'ai signé le contrat et dans une semaine j'étais à Hollywood pour commencer le film. Tout cela provenait de Josh Logan, de William Inge, le dramaturge, et du merveilleux scénariste George Axelrod. Pour l'accent, je n'avais pas le temps d'aller au Montana d'où venait le personnage, alors j'ai juste utilisé ce qui ressemblait à un accent de cow-boy pour moi. Mais cela a dû convaincre beaucoup de gens, parce que quand j'ai joué un comptable à New York dans mon deuxième film, un grand critique de cinéma a dit: «Don Murray était merveilleux dans le rôle, bien qu'il ait un peu trop de la grande des espaces pour lui d'être crédible comme un New Yorkais '- j'étais un New Yorkais! Je n'étais pas un cow-boy essayant d'être un New-Yorkais, j'étais un New-Yorkais essayant d'être un cow-boy [rires].

    Est-il vrai que le réalisateur Otto Preminger était un homme difficile à travailler?

    Il était très difficile pour la plupart des gens. Je n'ai eu aucun problème avec lui, parce que j'ai trouvé qu'il y avait une certaine insécurité à propos des administrateurs qui sont des intimidateurs. Les gens qui ont complètement confiance en eux-mêmes, ne doivent pas être des intimidateurs. Ils peuvent obtenir ce qu'ils veulent en étant raisonnables. Les gens feront ce qu'ils veulent qu'ils fassent parce qu'ils ont un certain sens, la facilité et la confiance. "De l'enfer au Texas" a été réalisé par Henry Hathaway qui avait la même réputation. Quand j'ai entendu parler de l'intimidateur qu'il était, et combien il était dur pour les acteurs, j'ai senti que cela venait de l'insécurité. Alors quand je suis allé à son bureau pour la première fois, il n'a rien dit, il n'a même pas dit bonjour, il m'a juste regardé fixement. Alors je l'ai regardé fixement et je n'ai rien dit. Finalement, il a demandé: «Que penses-tu du scénario?» J'ai fait de même avec Otto Preminger. Bullies vont sentir la faiblesse et ils iront après vous, c'est pourquoi il est allé après les femmes plus que les hommes. Je savais que je devais être très précis avec Preminger. Je devrais dire: «Je vais faire ceci et ceci et cela.» Vous ne lui avez pas dit: «Puis-je faire ceci?» Et s'il a dit: «Eh bien, je pense que vous devriez le faire. Ensuite, je dirais: «D'accord, je peux le faire.» Je n'ai donc jamais eu de problème avec lui, et aussi, je me suis moqué de lui. Je parlais aussi l'allemand, et parfois je lui parlais en allemand, lui parlant comme Hitler à Goebbels, «Wass machst du, Otto?» [Rires].

    Étant un directeur strict pour tant de gens, était-il généralement satisfait de la première prise?

    Ce n'était pas tant celui-là qu'il prenait pour célèbre, il prendrait de très longues prises. Il n'aimerait pas briser les choses en gros plans. Il est très intéressant de regarder le film: si l'acteur était dans la chambre du sénat et qu'il était le personnage principal qui prononçait son discours, il serait là mais vous verriez les gens lui réagir aussi. Vous verriez non seulement l'action principale, mais aussi les sous-actions qui se déroulaient. C'est très intéressant, comme dans la série "West Wing" quand les caméras suivent les gens sur de longues prises, c'est ce que Preminger a fait aussi. Il était l'un des rares grands réalisateurs à le faire.

    Qu'est-ce qui a fait de Fred Zinnemann un cinéaste auguste?

    Fred Zinnemann a été un grand réalisateur, non seulement parce qu'il a fait de grands films, mais il n'a jamais fait un mauvais film. Tous les grands ont fait au moins un mauvais film. Zinnemann n'en a fait aucun, il était vraiment bon. Rappelez-vous "Le membre du mariage" [1952]? Un petit film, un film très personnel, très touchant. "From Here to Eternity" [1953], un film grand et impressionnant; "Un homme pour toutes les saisons" [1966], un spectacle; "A Hatful of Rain" [1957], un petit film sur un toxicomane, quelle variété et ils étaient tous du très bon au magnifique. Donc, je pense que c'est pour ça qu'il a eu tellement de succès, tout ce qu'il a fait était si bon. Les gens qui connaissaient le film savaient que c'était bien parce que c'était un film de Fred Zinnemann et qu'ils allaient le voir. En tant que réalisateur, il était très, très calme. La plupart de sa direction était déjà faite quand il jeta une personne. Il avait jeté quelqu'un parce qu'il savait qu'il avait quelque chose dans sa propre personnalité qui correspondrait à ce rôle. Et puis il encouragerait cela. Nous avons eu une période de répétition de dix jours, nous avons répété le film comme une pièce de théâtre. Tony Franciosa avait joué son rôle sur Broadway, alors il était bien dans la partie. Fred te laisserait développer le rôle, et quand il voudrait que tu fasses quelque chose, il viendrait vers toi tranquillement et dirait quelque chose. Dans le film, j'avais une scène où j'étais nerveuse et j'avais besoin d'une solution, je n'avais pas eu mon héroïne réparée, et pendant la répétition, il venait vers moi et disait tranquillement quelque chose à propos de fumer la cigarette. Il a dit: «Don, ne souffle pas la fumée comme si tu traînais, laisse-la dériver de ton nez et de ta bouche.» Il disait de petites choses comme ça qui pourraient t'aider à créer le personnage. C'était un homme très calme, un homme très confiant. Vous ne le verriez jamais crier, il n'avait pas à être un tyran. Il savait ce qu'il faisait à tout moment.

    Dans les films que vous avez vus quand vous avez grandi, les acteurs ont eu un style d'action différent, ils ont agi de manière plus dramatique, alors que votre génération a joué les personnages de façon plus réaliste. Est-ce la principale différence et ce changement de style est-il le résultat de la méthode?

    En parlant des acteurs de ma génération, les gens parlent souvent de la Méthode avec Marlon Brando, Montgomery Clift, James Dean et ainsi de suite. Stanislavski fut l'un des premiers à faire passer la Méthode aux États-Unis. La méthode est simplement ceci: au lieu de représenter les émotions d'un personnage extérieurement - une personne qui est triste, c'est à quoi il ressemblerait et c'est ce qu'il ferait comme avec toute la chose extérieure, les expressions faciales, les mouvements et les attitudes physiques - vous êtes réellement entré dans votre propre vie et vous vous êtes senti triste, vous vous sentiez vraiment triste et quand vous avez dû pleurer dans une scène, vous avez trouvé quelque chose dans votre vie ou dans la vie de quelqu'un d'autre tu pleures. Alors c'est tout, c'est toute la Méthode, c'est juste en utilisant tes propres émotions. Tous les bons acteurs aujourd'hui le font aussi, c'est commun maintenant. Donc vous avez raison, dans les films que j'ai vus dans les années 1930, c'était totalement différent. Et quand les acteurs parlaient à l'époque, ils parlaient comme un mile par minute, c'était comme s'ils étaient payés pour chaque mot qu'ils disaient, ils essayaient tous d'obtenir beaucoup de mots. Vous savez, quand vous regardez un film comme "The Maltese Falcon" [1941], l'un de ces grands classiques, Yeah, la voilà, je l'ai vue au coin de la rue et je savais que cette dame était en difficulté. Il n'y a aucune réalité [rires], alors c'est la différence entre ces jours et quand je suis entré dans les films.

    Qu'en est-il une comparaison avec Daniel Day-Lewis: quand il joue un rôle, il le ramène à la maison avec lui, il est aussi le personnage à la maison et quand le film est tourné, il prend du temps avant de rentrer dans sa propre routine.

    Eh bien, vous savez, j'ai commencé à faire ça à l'école, mais j'ai découvert que lorsque je répétais et pendant que j'étais sur scène, c'était assez de temps pour vivre avec un personnage. Si vous êtes venu me parler pendant la répétition, je serais dans le personnage. Si nous allions déjeuner, je serais probablement encore. Si un spectacle était terminé avant 22h30, disons que d'ici à 00h30, je serais sorti de là, je serais parfaitement normal et j'irais habituellement contre le personnage, quel que soit le personnage. Si c'était un personnage introverti, comme dans "A Hatful of Rain" ou "The Bachelor Party", je plaisantais ou je jouerais des blagues et m'amuserais. Quand j'ai joué dans une merveilleuse série intitulée «The Outcasts» avec un cowboy noir et un cowboy blanc - le cowboy blanc était un ancien propriétaire d'esclaves et le noir était un ancien esclave - mon personnage était très arrogant, avec une certaine aristocratie. Les dirigeants de studio et de réseau viendraient sur le plateau et ils viendraient me parler. Sans se rendre compte, je serais arrogant pendant ces conversations, je serais tellement arrogant pendant que cet homme était si gentil. Donc, je n'aime vraiment pas être visité sur le plateau. La nuit ou le week-end, c'est parfait, mais pas sur le plateau. Bien sûr, je ne peux pas me comparer à Lewis, mon Dieu, quel acteur il est! Tout ce que cet homme a fait est absolument superbe.

    Est-ce vrai ce qu'ils disent que l'entreprise est dirigée par des enfants de douze ans?

    Quand j'étais jeune, avant même d'aller à l'American Academy, même au lycée, je connaissais des films. Je suis allé voir des films et j'ai pris un bon film au sérieux. Il y a tellement de cadres aujourd'hui qui ne voient même pas beaucoup de films, ils n'ont pas l'amour des films. Donc beaucoup d'entre eux ne connaissent pas mon travail, mais ils ne savent pas non plus qui sont les contemporains, parce qu'ils ne semblent pas avoir l'intérêt pour les films que nous avons.

    C'est tout le contraire de votre premier patron, M. Zanuck?

    Oh absolument, il aimait les films, et son fils Richard est un cinéaste merveilleux. Son record de films est spectaculaire. Ils ont vraiment aimé les films.

    Quel conseil donneriez-vous aux jeunes qui veulent devenir acteurs? Il y a plusieurs années, on a posé la même question à Betty Grable dans une interview et sa réponse était «Take Fountain», parce que Fountain Avenue est le moyen le plus rapide entre Beverly Hills et Hollywood.

    C'est très bien [rires]. Mon conseil serait: commencez par vous-même. N'essayez pas d'agir et d'être quelque chose que vous n'êtes pas, ou que vous pensez être intéressant, ou parce que c'est ce que le public veut. Et quand vous jouez un personnage, mettez votre propre personnalité, votre propre émotion, prêtez-le à ce personnage et ensuite accompagnez le personnage. N'essaie pas de faire quelque chose de bidon. Ne dis pas «James Dean, Marlon Brando ou Daniel Day-Lewis l'ont fait de cette façon.» Commencez par vous-même et soyez vous-même. C'est la chose principale. Et puis tu dois agir, auditionner, travailler dur, faire du théâtre, agir dans les meilleures conditions possibles. Si vous pouvez supporter de faire autre chose, faites-le. Parce que aussi dévoué et aussi talentueux que vous pourriez être, les chances sont contre vous d'avoir du succès. Les chances sont que vous êtes frustré pour le reste de votre vie. Donc, s'il y a autre chose que vous voudriez faire, il vaut peut-être mieux que vous le fassiez. Les chances que vous puissiez gagner votre vie en tant qu'interprète sont très faibles.

    Qui étaient les acteurs que vous avez regardé quand vous avez commencé?

    Quand j'étais un jeune homme, j'aimais John Garfield. Ce n'était pas seulement en tant qu'acteur, mais il y avait quelque chose à propos de sa personnalité. Il était un enfant de la ville et j'ai été élevé sur Long Island, mais j'ai été identifié avec les enfants de New York City. J'aimais les sports, je n'étais pas du tout un délinquant, mais j'étais un gars grossier et quand j'étais plus jeune, j'avais beaucoup de bagarres. Donc, le type dur qu'il a joué avec le cœur de l'or m'a toujours attiré. Un de mes films préférés était "Body and Soul" [1947] dans lequel il jouait au combat. Puis quand je suis entré dans l'école dramatique, quand j'avais 17 ans, j'ai vu mon premier film français, avec Gérard Philipe. Pour moi, il n'y avait pas plus d'acteur que Gérard Philipe à l'époque, car il était magnifique dans tout ce qu'il jouait, dans le drame comme «Le diable au corps» [1947], dans une comédie comme Fanfan la Tulipe [1952, avec Gina Lollobrigida] , tout ce qu'il faisait était totalement crédible. J'avais le cœur brisé quand il mourut; il est mort de la maladie que j'avais quand je suis revenu d'Europe: l'hépatite. Je me suis remis, et il ne l'a pas fait. Ces deux acteurs n'ont pas influencé mon style d'acteur, mais ils m'ont encouragé à continuer.

    Los Angeles, Californie
    30 mars 2008

     


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