• Voici quelques photos dédicacées de William Devane.

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  • Film Talk  11 décembre 2014  Acteur , Film Talk

    Don Murray: «Je n'ai jamais compris pourquoi Marilyn Monroe n'a pas été nominée pour 'Bus Stop'»

    Don Murray: «Je n'ai jamais compris pourquoi Marilyn Monroe n'a pas été nominée pour 'Bus Stop'»

     

    L'acteur Don Murray, acteur américain de premier plan dans les domaines du cinéma et de la scène depuis qu'il a fait ses débuts dans l'acteur principal de Marilyn Monroe dans «Bus Stop» (1956), a une longue et fascinante carrière à raconter. Il a travaillé avec certains des réalisateurs les plus accomplis d'Hollywood, est apparu dans certains des meilleurs films de son époque et, grâce à ses talents d'acteur, a toujours régalé son auditoire lorsqu'il est à l'écran et lui a donné des performances impeccables - à tout moment. encore. Après tout, qui peut oublier son travail dans des films tels que «Un chapeau de pluie» (1957), «De l'enfer au Texas» (1958), «Le prêtre Hoodlum» (1961), «Conseiller et donner son consentement» (1962) ou “Héros mortel” (1976)?

    J'ai rencontré M. Murray dans un restaurant de Los Angeles où il a parlé de sa vie, de sa carrière, de son travail d'acteur-scénariste-réalisateur et de sa passion pour son métier.

    Vous êtes né à Hollywood en 1929. Avez-vous passé la plus grande partie de votre vie en Californie jusqu'à présent?

    Non, pas vraiment. Mes parents étaient dans le show business: ma mère était une fille de Ziegfeld et mon père était régisseur de théâtre, chanteur et danseur. Dès que les images sonores sont apparues, à la fin des années 1920, ils ont engagé beaucoup de gens de Broadway pour la production de comédies musicales à Hollywood. Ils ont donc engagé mon père comme metteur en scène de danse. Mes parents sont venus ici en 1928 et je suis né en 1929. Juste après, la grande dépression a frappé le krach boursier de Wall Street; les studios pensaient qu'il y aurait un désastre financier et ils ont suspendu temporairement la production et fermé les studios, alors que c'était l'inverse qui se produisait: comme la crise économique était en plein essor, c'était le meilleur moment économique pour le cinéma. Mais entre-temps, mon père est retourné à Broadway et je n’y suis resté que pendant la première année de ma vie: quand j’avais un peu moins d’un an,

    Comment le réalisateur Joshua Logan vous a-t-il trouvé pour votre rôle principal dans votre premier film, «Bus Stop» [1956]?

    Pour mon premier film “Bus Stop” [1956], j'ai été embauché par le réalisateur Joshua Logan après m'avoir vu dans une pièce de Broadway intitulée “La peau de nos dents” [1955] et il m'a fait passer un test de dépistage. J'ai épousé ma co-vedette Hope Lange [avril 1956]. Notre histoire est que nous nous sommes rencontrés sur le plateau parce que nous étions tous les deux apparus dans le film, mais que nous nous connaissions depuis quatre ans. Je la connaissais dès la fin de ses études au lycée. Elle avait 17 ans et j'avais 21 ans quand nous nous sommes rencontrés. Nous étions déjà engagés lorsque nous avons tous deux été embauchés pour «Bus Stop». Joshua Logan m'a vu à Broadway, à une émission de télévision et il nous a embauchés tous les deux, c'est donc ce qui s'est passé. Nous avons vécu à New York pendant environ un an, puis nous sommes allés à Hollywood, nous avons acheté une maison ici et je suis ici depuis 1957 jusqu'en 1973, année de mon retour à Broadway et de quatre ans à New York. Avant les films,

    Dès le début de votre carrière, vous avez pu travailler avec des directeurs de premier plan tels que Fred Zinnemann, Delbert Mann et Joshua Logan. Quelle importance avaient-ils pour vous à ces débuts?

    Oh, ils étaient très importants. Joshua Logan, mon premier réalisateur, a eu un énorme succès avec “Picnic” [1955] et “Bus Stop” était son premier film après cela. Bien sûr, Fred Zinnemann avait déjà remporté un Oscar pour «From Here to Eternity» [1953]. Il était donc au sommet de sa carrière. Delbert Mann avait remporté l’année précédente un Academy Award pour «Marty» [1955]. J'ai eu des réalisateurs vraiment merveilleux, comme Michael Anderson, etc. J'ai eu la grande chance de travailler avec ces personnes.

    Quel est votre regard sur «Bus Stop»: c'était votre premier film, votre co-vedette Marilyn Monroe était également à l'apogée de sa carrière et vous avez mérité une nomination aux Oscars. Cela vous a-t-il impacté, parce que vous êtes devenu une star instantanée?

    Eh bien, quand je suis arrivé à «Bus Stop», je n’étais rentré aux États-Unis que depuis moins d’un an. Je vivais en Allemagne depuis un an et en Italie depuis un an et demi. Marilyn était célèbre là-bas, mais pas autant que Sophia Loren ou Gina Lollobrigida. Je l'avais vue dans un seul film, «Gentlemen Prefer Blondes» [1953]. Donc, je n'en savais pas beaucoup sur elle, et quand j'ai été embauché pour «Bus Stop», j'ai été surpris de toute la publicité que nous obtenions. Où que nous allions, il y avait toujours des journalistes et des cameramen. C'était très inhabituel pour moi, car je ne savais pas à quel point elle était une grande star à l'époque.

    Don Murray 2Affiche belge du film “Bus Stop” (1956, populaire parmi les collectionneurs)

     

    L'actrice Sheree North m'a dit un jour que, au début des années 1950, à 20th Century Fox, avant que Marilyn Monroe ait sa grosse pause, on se moquait parfois d'elle, marchant derrière elle avec la même marche, des choses comme ça.

     

    Oui, ils se moquaient beaucoup d'elle. Je dois dire que je l’admire vraiment pour la façon dont elle se souciait suffisamment de la forme artistique du film pour quitter Hollywood à la hauteur de sa célébrité et ne pas se contenter d’être un sex-symbol. Elle voulait être une vraie actrice. Quand elle a quitté Hollywood pendant un an pour étudier à l'Actors Studio à New York, «Bus Stop» était son film de retour. Et je pensais qu'elle était magnifique, même si elle était toujours en retard sur le tournage et qu'elle avait du mal à se souvenir de ses répliques. Elle avait aussi une très courte période de concentration: elle commençait une scène et s'arrêtait au milieu car elle avait oublié ses lignes. Alors, elle a dû faire toutes ses scènes en minuscules petits morceaux car elle ne pouvait pas maintenir une scène tout au long. Nous n'avons jamais vu une scène complète avec elle. Tous les acteurs du film sont venus de la scène, comme Hope Lange et moi, Arthur O'Connell, Eileen Heckart - tout le monde dans le film - nous étions donc habitués à avoir une performance continue et nous allions à la hâte pour voir le travail d'hier. Nous allions voir tous ces petits morceaux et nous pensions que le film allait être un désastre. Cependant, la première fois que nous l'avons vu en avant-première, nous avons soudainement compris la magie des films, avec le montage et le découpage en un: elle était magnifique! Je n'ai jamais compris pourquoi elle n'avait pas été nominée [pour un Academy Award] pour «Bus Stop». C'est Ingrid Bergman qui l'a remporté - une actrice géniale, cela ne fait aucun doute - mais la performance de Marilyn dans «Bus Stop» était tellement plus riche, tellement plus variée et plus intéressante que le personnage d'Ingrid Bergman dans «Anastasia ”. En attendant, j'ai été surpris d'être nommé. Ainsi que le studio, en fait. Un jour, j'étais sur le tournage de «A Hatful of Rain» [1957] et l'un des responsables de la publicité est venu vers moi. 'Toutes nos félicitations!' J'ai dit 'Pour quoi?' Il a dit: 'Vous avez été nominé pour un Academy Award hier!' J'ai dit: 'J'étais ??' 'Ouais! N'est-ce pas incroyable? Vous avez été nominé et personne ne faisait pression pour vous! C'était complètement spontané, c'est du jamais vu à Hollywood! C'était donc une surprise totale pour nous tous.

    Votre nomination a-t-elle dynamisé votre carrière?

    Je ne peux pas vraiment dire que oui. J'avais fait “Bus Stop” et “The Bachelor Party” [1956], une idée très appréciée aussi, j'avais terminé un western appelé “De l'enfer au Texas” [1958], que certains ont appelé l'un des meilleurs westerns depuis “High [1952] et j'étais déjà dans «Un chapeau de pluie». On m'avait offert «Chat sur un toit brûlant» [1958], ce que j'ai refusé parce que j'aimais toujours faire quelque chose de tout à fait opposé à la dernière chose que j'ai faite, à la place de «Shake Hands With the Devil» [1959] à propos de la révolution irlandaise. Donc, je ne peux pas dire que la nomination a vraiment eu un effet sur ma carrière. En fait, ce fut une période très éprouvante car beaucoup de publicité a été diffusée et comme je n'avais pas de publiciste privé, je n'ai rien fait pour les Oscars: je n'ai fait aucune publicité avant ou après ma nomination. . Mais ensuite, le journal a commencé à dire que ce n'était pas juste que je sois nominé comme acteur dans un second rôle alors que je jouais le rôle principal. J'ai pensé: "C'est vrai." Je ne connaissais rien de l'Académie, ni des règles, mais on en a fait une telle histoire. Il y avait un célèbre chroniqueur qui a écrit un article, il m'a appelé un jour et m'a demandé de commenter. Je suis d’accord avec lui: j’ai été l’homme principal et j’ai été nommé acteur dans un second rôle, mais c’était tout nouveau pour moi. Je m'attendais à ce que, dans sa chronique, il l'exprime et rappelle à l'auditoire et à l'industrie que je n'ai rien fait pour être nommé et qu'après avoir été nommé, rien n'a été ajouté et rien n'a été ignoré. Et tout ce qu'il a dit dans sa colonne était: "Grattez Don Murray de la considération aux Oscars car il refuse de faire de la publicité". «Je ne connaissais rien de l'Académie, ni des règles, mais on en a fait une telle histoire. Il y avait un célèbre chroniqueur qui a écrit un article, il m'a appelé un jour et m'a demandé de commenter. Je suis d’accord avec lui: j’ai été l’homme principal et j’ai été nommé acteur dans un second rôle, mais c’était tout nouveau pour moi. Je m'attendais à ce que, dans sa chronique, il l'exprime et rappelle à l'auditoire et à l'industrie que je n'ai rien fait pour être nommé et qu'après avoir été nommé, rien n'a été ajouté et rien n'a été ignoré. Et tout ce qu'il a dit dans sa colonne était: "Grattez Don Murray de la considération aux Oscars car il refuse de faire de la publicité". «Je ne connaissais rien de l'Académie, ni des règles, mais on en a fait une telle histoire. Il y avait un célèbre chroniqueur qui a écrit un article, il m'a appelé un jour et m'a demandé de commenter. Je suis d’accord avec lui: j’ai été l’homme principal et j’ai été nommé acteur dans un second rôle, mais c’était tout nouveau pour moi. Je m'attendais à ce que, dans sa chronique, il l'exprime et rappelle à l'auditoire et à l'industrie que je n'ai rien fait pour être nommé et qu'après avoir été nommé, rien n'a été ajouté et rien n'a été ignoré. Et tout ce qu'il a dit dans sa colonne était: "Grattez Don Murray de la considération aux Oscars car il refuse de faire de la publicité". J'étais l'acteur principal et j'ai été nommé acteur dans un second rôle, mais tout était nouveau pour moi. Je m'attendais à ce que, dans sa chronique, il l'exprime et rappelle à l'auditoire et à l'industrie que je n'ai rien fait pour être nommé et qu'après avoir été nommé, rien n'a été ajouté et rien n'a été ignoré. Et tout ce qu'il a dit dans sa colonne était: "Grattez Don Murray de la considération aux Oscars car il refuse de faire de la publicité". J'étais l'acteur principal et j'ai été nommé acteur dans un second rôle, mais tout était nouveau pour moi. Je m'attendais à ce que, dans sa chronique, il l'exprime et rappelle à l'auditoire et à l'industrie que je n'ai rien fait pour être nommé et qu'après avoir été nommé, rien n'a été ajouté et rien n'a été ignoré. Et tout ce qu'il a dit dans sa colonne était: "Grattez Don Murray de la considération aux Oscars car il refuse de faire de la publicité".

    En tant que jeune acteur, vous avez participé à plusieurs films très impressionnants, comme vous venez de le dire.Avez-vous déjà eu besoin de beaucoup de direction sur le plateau?

    Dans “Bus Stop”, j'avais besoin de plus de direction que n'importe quel rôle que j'aie jamais joué, car le cow-boy était l'opposé de ce que je jouais habituellement, comme dans la pièce qui a débuté ma carrière à Broadway, Tennessee Williams 'The Rose Tattoo' [1951 ], J'ai joué à un marin. Cela comportait de la comédie, mais c'était très subtil. C'était un personnage très chaleureux et sensible à jouer. "La peau de nos dents" était un drame très sérieux, un type très intense, rien à voir avec le cow-boy du tout. Alors sur le plateau de “Bus Stop”, j'ai dit: 'Josh, pourquoi m'as-tu embauché?' Il a dit: 'Parce que tu as une énergie sur la scène que je veux voir ici.' Il a également dit: 'Don, Marilyn est une grande star, mais je veux que tu la laisses complètement oublier, alors quand tu viendras sur le plateau, je veux que tu sois comme Attila le Hun: Je te veux prendre en charge la scène. Détruisez les meubles si vous avez besoin de [rires], faites n'importe quoi, je veux le cow-boy le plus fou qui ait jamais vécu. C’est ainsi qu’il a dirigé, je n’y aurais jamais pensé moi-même, et chaque fois que quelqu'un me parlait de ma candidature, je me disais: «Eh bien, celui qui devrait recevoir la candidature, c’est Josh Logan, car c’est plus son performance que ce est la mienne.

    Marilyn Monroe at-elle joué sur le plateau comme une star ou une actrice?

    Don Murray 3Don Murray et Marilyn Monroe dans une publicité encore de «Bus Stop» (1956), réalisée par Joshua Logan pour 20th Century Fox. Photo: Marvin Paige - Archives du film et de la télévision

    Elle se comportait beaucoup comme une actrice, mais elle était très peu sûre d'elle, elle avait très peur d'agir devant la caméra, ce qui est incroyable. Elle était cette immense star et si merveilleuse devant la caméra, mais c'est pourquoi elle était toujours en retard. Elle se présenterait presque à l'heure au studio. Quand elle était supposée être là à 6h30 du matin, elle arriverait à 7h00 ou 7h30, mais ensuite elle resterait dans son dressing jusqu'à 10 ou 11 heures, elle ne sortirait tout simplement pas. sur le plateau. Très peu de gens le savent, parce que je ne me souviens pas l'avoir vu imprimée - nous avons fait une scène de lit, elle était en fait nue sous les draps et je pouvais voir son corps couvert de cette éruption rouge, elle était si nerveuse qu'elle sortir avec cette éruption rouge et elle a dû le couvrir avec du maquillage. Étant une grande star, elle avait fait beaucoup de films et pourtant, elle avait tellement peur. Mais elle prit le rôle très au sérieux, écouta Josh Logan et suivit ses instructions. Sa coach Paula Strasberg était également sur le plateau: elle l’a entraînée pour jouer le rôle. De nombreux réalisateurs ont eu des problèmes avec Paula sur le plateau, mais pour Josh, cela a bien fonctionné. Je pense qu'avec Paula, il a créé un personnage merveilleux.

    Vous n'avez jamais eu besoin de coaching sur le plateau, n'est-ce pas? Est-ce parce que vous étiez un acteur de théâtre qualifié?

    Eh bien, vous savez, j'avais un entraîneur, pas comme Paula, mais j'avais un directeur qui était un ami proche, nommé Payton Price. Il était enseignant et il était avec moi tout le temps quand nous avons tourné le film. Nous travaillions ensemble sur nos scènes, comme deux acteurs travaillant ensemble. Il ne donnerait jamais aucune direction, mais il m'aiderait à suivre les instructions que Josh Logan me donnerait sur le plateau.

    Votre carrière au cinéma, à la télévision et sur scène a été très longue et enrichissante. Quelles parties vous ont été les plus enrichissantes, les plus intéressantes, les plus difficiles?

    Tout d’abord, j’ai eu beaucoup de chance, car lorsque j’étais un jeune acteur en herbe, je n’avais jamais voulu faire Shakespeare. Pour moi, c'était merveilleux - j'ai admiré Olivier dans Shakespeare - mais Shakespeare est anglais et j'ai toujours aspiré à faire des classiques américains. Quand j'étais jeune, j'ai toujours voulu jouer trois parties: The Scotsman dans "The Hasty Heart", une pièce de John Patrick, "Winterset" de Maxwell Anderson et "Billy Budd" de Melville. Ce sont les trois pièces que j'ai toujours voulu faire. Après avoir commencé à regarder des films, je dois faire ces trois bons rôles à la télévision. Je dois donc dire que c’étaient les meilleurs rôles, ainsi que ceux que j’ai joué dans «Bus Stop», «A Hatful of Rain» et le drame politique «Advise and Consent» [1962]. Et mon propre film que j'ai écrit et réalisé, «The Hoodlum Priest» [1961], c'est celui pour lequel j'ai obtenu les meilleures critiques. J'ai également tourné un autre film avec l'une de mes performances préférées, intitulé «Deadly Hero» [1976], dans lequel je jouais un policier qui devient un policier vigilant. Sur la scène, j'ai adoré 'The Rose Tattoo', et plus récemment, j'ai fait 'Same Time, Next Year' pendant près d'un an à Broadway et quelques mois sur la route. J'ai aussi adoré mon rôle dans la série télévisée 'Knots Landing'. J'ai également écrit la première de la deuxième saison qui était le premier "Knots Landing" en deux parties. Je l'ai écrit en un seul, mais ils m'ont demandé de l'étendre et d'en faire un deux. C'était le début de la sérialisation: des histoires continues plutôt qu'une histoire avec un début et une fin. Cela a été transformé en une histoire continue, ce qu'ils ont appelé un feuilleton nocturne. Cela a duré 14 ans, mais je suis parti au bout de 2 ans. J'ai demandé à être écrit parce que je voulais faire ma propre série sur une famille de musiciens. Vous voyez, j'ai déjà joué un rôle à Broadway dans une comédie musicale intitulée "Smith", une merveilleuse comédie musicale en 1973, alors j'ai eu l'occasion de faire une série sur une famille de musiciens.

    Vous venez de mentionner «A Hatful of Rain», un film magnifique et magnifiquement joué, également très puissant.Les rôles principaux ont été joués par de jeunes acteurs: vous avez joué le rôle principal, Eva Marie Saint a joué votre femme, il y avait aussi Anthony Franciosa. Pas plus Gary Cooper ou Clark Gable. La jeune génération remplaçait l'ancienne génération?

     

    Oui, en fait ils l'ont fait. Je faisais partie des premiers acteurs qui ont rompu leurs contrats pour faire leurs propres films, comme John Cassavetes l’a fait quelques mois après moi. Kirk Douglas l'avait déjà fait. J'étais sous mon contrat de six ans avec la 20th Century Fox. Quand j'ai fait “Bus Stop”, ils m'ont proposé un contrat de sept ans, mais j'ai dit: “Non, je ne le ferai pas.” J'appelle toujours cela un contrat d'esclave où ils peuvent vous mettre dans ce qu'ils veulent. Alors ils m'ont proposé un contrat de six ans, avec seulement deux photos par an et j'étais libre de faire autre chose en dehors de ces deux photos. Et puis, un an tous les deux ans pour retourner à Broadway, c’était un contrat très libéral et libre. Je n'étais pas exclusif à eux du tout. Mais j'étais toujours sous contrat et entre temps j'avais le temps de faire d'autres films comme "The Bachelor Party" ou "Shake Hands With the Devil", mais je ne pouvais pas produire mes propres films, je ne pouvais pas prendre autant de temps de mon contrat . Quand vous êtes producteur, il vous faut une année entière pour un film. En fin de compte, tout ce que je pouvais faire, c’était d’acheter mon contrat avec Fox, c’était avant «Advise & Consent».

    Don Murray: «Je n'ai jamais compris pourquoi Marilyn Monroe n'a pas été nominée pour 'Bus Stop'»                         Don Murray et le vétéran acteur Charles Laughton dans le drame politique d'Otto Preminger «Advise & Consent» (1962).

    C'est toujours l'un des films politiques les plus puissants jamais réalisés, n'est-ce pas?

    Je pense que oui, ça tient encore aujourd'hui. Je l'ai vu récemment et il a toujours fière allure. Il est toujours considéré comme l'un des deux grands films d'Otto Preminger: “Laura” [1945] et “Advise & Consent”.

    Dans «Conseiller et Consentement», vous avez joué un jeune sénateur, mais vous êtes un acteur très polyvalent, car vous avez interprété une grande variété de personnages au fil des ans. Quand on vous propose un rôle, y a-t-il un moyen de vous préparer?

    Quand j'ai fait 'The Hasty Heart', j'avais environ cinq semaines de préparation et j'avais déjà joué le rôle à l'école. Je l'avais donc étudié lorsque je suis allé à l'Académie américaine des arts dramatiques. Il y avait un acteur écossais qui s'appelait Jimmy Moore et qui utilisait le nom de scène de Sammy Duncan. Il faisait des chansons et des danses et de la comédie écossaise sur le vaudeville. J'ai étudié avec lui pendant deux mois, tous les jours et plusieurs heures par jour. J'ai appris sur mon personnage, d'où il venait, essayé de comprendre comment étaient les Écossais à cet endroit. Cela rend donc très intéressant, non seulement l’étude du personnage, mais aussi son contexte. C'est ce que je ferais, j'étudierais vraiment le personnage, non seulement l'accent, mais aussi son passé. Si ce n'était pas dans l'intrigue, j'écrirais même une histoire du personnage, à quoi ressemblait son enfance, etc. C'est ce que j'ai fait pour «A Hatful of Rain» et pour «The Bachelor Party». Dans «Conseiller et Consentement», j'ai joué un sénateur de l'Utah, alors cela aurait fait de lui un mormon. J'ai lu toute la Bible mormone, puis je suis allé à Salt Lake City et j'y suis resté un moment, parlant aux politiciens de la région pour prendre leur accent, etc. Je me suis immergé très profondément dans la pièce. Une des parties pour lesquelles je n’ai pas eu le temps d’étudier est celle que j’ai jouée dans «Bus Stop». J'ai été testé à l'écran, signé le contrat et, une semaine plus tard, j'étais à Hollywood pour commencer le film. Tout cela vient donc de Josh Logan, de William Inge, le dramaturge, et du merveilleux scénariste George Axelrod. Pour l’accent, je n’ai pas le temps d’aller au Montana d’où vient le personnage, alors j’utilise ce qui me semble être un accent de cow-boy. Mais cela a dû convaincre beaucoup de monde, car lorsque j'ai joué le rôle d'un comptable à New York dans mon deuxième film, un grand critique de cinéma a déclaré: 'Don Murray était merveilleux dans le rôle, même s'il avait un peu trop de espaces à lui d'être crédible en tant que New-Yorkais '- j'étais un New-Yorkais! Je n'étais pas un cow-boy essayant d'être un New-Yorkais, j'étais un New-Yorkais essayant d'être un cow-boy [rires].

    Est-il vrai qu'Otto Preminger était un homme avec qui il était difficile de travailler?

    Il était très difficile pour la plupart des gens. Je n'ai eu aucun problème avec lui, car j'ai constaté qu'il existe une certaine insécurité à propos des administrateurs qui sont des intimidateurs. Les gens qui sont complètement confiants d'eux-mêmes n'ont pas à être des intimidateurs. Ils peuvent obtenir ce qu'ils veulent en étant raisonnables. Les gens vont faire ce qu’ils veulent, parce qu’ils ont un certain sens du bien, de la facilité et de la confiance en eux. "De l'enfer au Texas" a été réalisé par Henry Hathaway qui avait la même réputation. Quand j'ai appris à quel point il était un tyran et à quel point il était dur envers les acteurs, j'ai senti que cela devait venir de l'insécurité. Alors quand je suis allé à son bureau pour la première fois, il n'a rien dit, il n'a même pas dit bonjour, il m'a simplement regardé. Alors je l'ai regardé et je n'ai rien dit. Finalement, il demanda: "Que pensez-vous du script?" J'ai fait la même chose avec Otto Preminger. Les intimidateurs sentiront la faiblesse et ils vous poursuivront, c'est pourquoi il s'en prend plus aux femmes qu'aux hommes. Je savais que je devais être très précis avec Preminger. Je devrais dire: 'Je vais faire ceci et ceci et cela.' Vous ne lui avez pas dit: "Puis-je faire cela?" Et s’il disait: "Eh bien, je pense que vous devriez faire cela." Ensuite, je dirais: "D'accord, je peux le faire". Donc, je n'ai jamais eu aucun problème avec lui, et aussi, je me suis moqué de lui. Je parlais aussi l'allemand et je lui parlais parfois allemand, comme Hitler à Goebbels: «Ouais tu, Otto? [des rires]. 'Donc, je n'ai jamais eu aucun problème avec lui, et aussi, je me suis moqué de lui. Je parlais aussi l'allemand et je lui parlais parfois allemand, comme Hitler à Goebbels: «Ouais tu, Otto? [des rires]. 'Donc, je n'ai jamais eu aucun problème avec lui, et aussi, je me suis moqué de lui. Je parlais aussi l'allemand et je lui parlais parfois allemand, comme Hitler à Goebbels: «Ouais tu, Otto? [des rires].

    Étant un directeur strict pour tant de gens, était-il généralement satisfait de la première prise?

    Ce n’était pas tant cette prise pour laquelle il était célèbre, il prenait très longtemps. Il ne voudrait pas diviser les choses en gros plans. C'est très intéressant de voir le film: si l'acteur était dans la salle du Sénat et qu'il était le personnage principal qui prononçait son discours, il y serait, mais vous verriez aussi les gens réagir. Vous verriez non seulement l'action principale, mais également les sous-actions qui circulaient. C'est très intéressant, comme dans la série 'West Wing' où les caméras suivent les gens sur de longues prises, c'est aussi ce que Preminger a fait. Il était l’un des rares grands réalisateurs à avoir fait cela.

    Qu'est-ce qui a fait de Fred Zinnemann un tel cinéaste?

    Fred Zinnemann était un excellent réalisateur, non seulement parce qu'il avait fait de bons films, mais il n'a jamais fait de mauvais film. Tous les grands ont fait au moins un mauvais film. Zinnemann n'a rien fait, il était vraiment bon. Rappelez-vous “Le membre du mariage” [1952]? Un petit film, un film très personnel, très touchant. «From Here to Eternity» [1953], un film grand et impressionnant; «Un homme pour toutes les saisons» [1966], un spectacle; “A Hatful of Rain” [1957], un petit film sur un toxicomane, quelle variété et ils étaient tous du très bon au magnifique. Donc, je pense que c'est pourquoi il a si bien réussi, tout ce qu'il a fait était si bon. Les gens qui savaient que le film savait que c'était bon parce que c'était un film de Fred Zinnemann et qu'ils allaient le voir. En tant que réalisateur, il était très très silencieux. La majeure partie de sa direction était déjà faite quand il a jeté une personne. Il avait jeté quelqu'un parce qu'il savait qu'il avait quelque chose dans sa propre personnalité qui conviendrait à ce rôle. Et ensuite, il l'encouragerait. Nous avons eu une période de répétition de dix jours, nous avons répété le film comme une pièce de théâtre. Tony Franciosa avait joué son rôle à Broadway, il était donc bien dans le rôle. Fred vous laisserait développer la partie, et quand il voudrait que vous fassiez quelque chose, il se rapprocherait de vous et dirait quelque chose. Dans le film, j'ai eu une scène où j'étais nerveuse et j'avais besoin d'une solution, je n'avais pas eu de solution pour mon héroïne, et pendant la répétition, il était venu me dire quelque chose à propos de fumer la cigarette. Il a dit: 'Don, ne souffle pas la fumée comme si tu traînais, laisse-la sortir de ton nez et de ta bouche.' Il disait des petites choses comme celle qui pourraient vous aider à créer le personnage. C'était un homme très calme, un homme très confiant. Vous ne le verriez jamais crier, il n'avait pas besoin d'être un tyran. Il savait ce qu'il faisait tout le temps.

    Dans les films que vous avez vus lorsque vous avez grandi, les acteurs avaient un style de jeu différent, ils agissaient de manière plus dramatique, tandis que votre génération jouait les personnages de manière plus réaliste. Est-ce la différence principale et ce changement de style est-il le résultat de l'action de la Méthode?

    Quand on parle d'acteurs de ma génération, on parle souvent de la méthode avec Marlon Brando, Montgomery Clift, James Dean, etc. Stanislavsky fut l'un des premiers à amener la Méthode aux États-Unis. La méthode est simplement la suivante: au lieu de représenter les émotions d’un personnage extérieurement - une personne triste, c’est à quoi il ressemblerait et c’est ce qu’il agirait avec tout ce qui est extérieur, les expressions faciales, les mouvements et les attitudes physiques - vous êtes réellement entré dans votre propre vie et vous vous êtes senti triste, vous vous êtes réellement senti triste, et quand vous avez dû pleurer dans une scène, vous avez trouvé quelque chose dans votre propre vie ou dans la vie de quelqu'un d'autre tu pleures. Alors c'est ça, c'est toute la méthode, c'est juste en utilisant vos propres émotions. Chaque bon acteur fait de même aujourd'hui, c'est courant maintenant. Vous avez donc raison, dans les films que j'ai vus dans les années 1930, c'était totalement différent. Et quand les acteurs parlaient à l'époque, ils parlaient à peu près toutes les minutes, c'était comme s'ils étaient payés pour chaque mot prononcé, ils ont tous essayé de faire passer beaucoup de mots. Vous savez, lorsque vous regardez un film comme «The Maltese Falcon» [1941], l'un de ces grands classiques,Oui, elle était là, je l'ai vue au coin de la rue et je savais que dame était en difficulté [parle très vite]. Il n'y a pas de réalité [rires], alors c'est la différence entre ces jours et quand je suis entré dans les films.

    Qu'en est-il de la comparaison avec Daniel Day-Lewis: quand il joue un rôle, il l'emporte chez lui, il est aussi le personnage à la maison et quand le film est tourné, il lui faut un peu de temps avant qu'il ne reprenne sa propre routine.

    Eh bien, vous savez, j'ai commencé à le faire à l'école, mais j'ai ensuite découvert que, lorsque je répétais et que j'étais sur scène, j'avais suffisamment de temps pour vivre avec un personnage. Si vous veniez me parler pendant la répétition, je serais dans le personnage. Si nous allions déjeuner, je serais probablement toujours. Si une performance était terminée à 22h30, disons que, à 00h30, j'en sors, je serais parfaitement normal et j'irais généralement à l'encontre du personnage, quel que soit le personnage. Si c'était un personnage introverti, comme dans «Un chapeau de pluie» ou «La soirée entre célibataires», je blaguerais ou je jouerais à des blagues et m'amuserais. Lorsque j'ai joué dans une superbe série intitulée "The Outcasts" avec un cow-boy noir et blanc - le cow-boy blanc était un ancien propriétaire d'esclaves et le noir était un ancien esclave - mon personnage était très arrogant, avec une certaine aristocratie. Les directeurs de studio et de réseau venaient sur le plateau et venaient me parler. Sans m'en rendre compte, je serais arrogant pendant cette conversation, je serais tellement arrogant tant que cet homme serait si gentil. Donc, je n'aime vraiment pas être visité sur le plateau. La nuit ou le week-end, c'est parfaitement correct, mais pas sur le plateau. Bien sûr, je ne peux pas me comparer à Lewis, mon Dieu, quel acteur il est! Tout ce que cet homme a fait est absolument superbe. Je ne peux pas me comparer à Lewis, mon Dieu, quel acteur il est! Tout ce que cet homme a fait est absolument superbe. Je ne peux pas me comparer à Lewis, mon Dieu, quel acteur il est! Tout ce que cet homme a fait est absolument superbe.

    Est-ce vrai que ce qu'ils disent, c'est que l'entreprise est dirigée par douze ans?

    Quand j'étais jeune, même avant d'aller à l'Académie américaine, même au lycée, je connaissais les films. Je suis allé voir des films et j'ai pris le bon film au sérieux. Il y a tellement de cadres aujourd'hui qui ne voient même pas beaucoup de films, ils n'ont pas l'amour pour les films. Donc, beaucoup d’entre eux ne connaissent pas du tout mon travail, mais ils ne savent pas non plus qui étaient les contemporains, car ils ne semblent pas avoir l’intérêt pour les films que nous avons.

    C'est tout le contraire de votre premier patron, M. Zanuck?

    Oh, absolument, il adorait le cinéma et son fils Richard est un cinéaste merveilleux. Son disque de films est spectaculaire. Ils ont vraiment aimé les films.

    Quel conseil donneriez-vous aux jeunes qui veulent devenir acteurs? Il y a de nombreuses années, Betty Grable avait posé la même question dans une interview. Elle avait répondu «Take Fountain», car Fountain Avenue est le moyen le plus rapide de relier Beverly Hills à Hollywood.

    C'est très bien [rires]. Mon conseil serait: commencez par vous-même. N'essayez pas d'agir et d'être quelque chose que vous n'êtes pas, ou que vous pensez être intéressant, ou parce que c'est ce que le public veut. Et lorsque vous jouez un personnage, mettez-y votre propre personnalité, votre propre émotion, prêtez-la à ce personnage puis partez avec lui. N'essayez rien de faux. Ne dites pas: "James Dean, Marlon Brando ou Daniel Day-Lewis l'ont fait de cette façon". Commencez avec vous-même et soyez vous-même. C'est l'essentiel. Et ensuite, vous devez jouer, auditionner, travailler dur, faire du théâtre, agir dans les meilleures conditions possibles. Si vous pouvez supporter de faire autre chose, faites-le. Parce que, aussi dévoués et talentueux que vous puissiez être, les chances de réussir sont contre vous. Les chances sont que vous êtes frustré pour le reste de votre vie. Donc, si vous souhaitez faire autre chose, il serait peut-être préférable de le faire. Les chances que vous gagniez votre vie en tant qu'interprète sont minimes.

    Quels étaient les acteurs que tu admirais quand tu as commencé?

    Quand j'étais jeune homme, j'aimais John Garfield. Ce n'était pas seulement en tant qu'acteur, mais il y avait quelque chose à propos de sa personnalité. C'était un enfant de la ville et j'ai grandi sur Long Island, mais on m'a identifié avec des enfants de New York. J'aimais le sport, je n'étais en aucun cas un délinquant, mais j'étais un enfant rude et quand j'étais plus jeune, j'avais beaucoup de bagarres. Donc, le dur qu'il a joué avec le coeur d'or m'a toujours attiré. L'un de mes films préférés était “Body and Soul” [1947] dans lequel il jouait le combattant. Puis quand je suis entré dans le théâtre, à 17 ans, j'ai vu mon premier film français, avec Gérard Philipe. Pour moi, il n'y avait pas de plus grand acteur que Gérard Philipe alors, parce qu'il était magnifique dans tout ce qu'il avait joué, dans des drames comme «Le diable au corps» [1947], dans une comédie comme «Fanfan la Tulipe» [1952, avec Gina Lollobrigida] , tout ce qu'il faisait était totalement crédible. J'avais le cœur brisé à sa mort; il est mort de la maladie que j'avais quand je suis revenu d'Europe: l'hépatite. J'ai récupéré et il ne l'a pas fait. Ces deux acteurs n’ont pas influencé mon style de jeu, mais ils m’ont encouragé à continuer.

    Bande-annonce de «Bus Stop» de Joshua Logan (1956) avec Marilyn Monroe et Don Murray dans les rôles principaux.

     

     Los Angeles, Californie 30 mars 2008.

    Source:https://filmtalk.org/2014/12/11/don-murray-i-never-understood-why-marilyn-monroe-was-not-nominated-for-bus-stop/

     

     

     


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  • Voici quelques informations concernant Constance McCashin.

    Constance McCashin (née Constance Broman le 18 juin 1947 à ChicagoIllinoisÉtats-Unis - ) est une actrice américaine.

    Elle est surtout connue en Europe pour avoir interprété le rôle de Laura Avery Sumner, un pilier des premières saisons (1979-1987) de la série Côte Ouest, série dérivée de Dallas.

     

    La mère de Constance McCashin, Peggy, présentatrice d'une émission de radio et passionnée de scène a transmis sa passion à sa fille. Après avoir fréquenté plusieurs écoles privées catholiques, Constance commence à jouer dans des spectacles d'été dès 16 ans. La scène est alors pour elle une manière de s'échapper du cadre plutôt strict de son éducation. Constance joue ainsi dans des pièces telles que Kiss me Kate ou Sweet Charity et n'hésite pas à endosser des rôles de prostituées.

    Constance s'implique également très jeune dans l'aide aux personnes handicapées, sensibilisée par le cas de sa jeune sœur Nancy. C'est ainsi qu'à 19 ans, elle est amenée à travailler dans une institution psychiatrique à Harrison, New York. Après l'équivalent du baccalauréat, obtenu en 1969, Constance obtient son diplôme d'enseignante. C'est ainsi qu'elle enseignera un an dans une école publique du Queens avant que son agent ne la convainque de tenter sa chance à Los Angeles.

    Elle obtient rapidement ses premiers rôles à Hollywood, essentiellement dans des téléfilms. L'un d'eux, Special Olympics traite du travail fait avec des handicapés mentaux. Son attachement à la cause du handicap mental l'a d'ailleurs poussée à faire partie du bureau du NDSS (National Down Syndrome Society).

    Constance est mariée au réalisateur Sam Weisman dont elle a deux enfants, Daniel et Marguerite. Son rôle dans Côte Ouest a été créé spécialement pour elle, alors qu'elle prévoyait de quitter le métier. Le pilote de la série est mis en boîte en février 1979. Le rôle de Laura est supprimé en 1987, concomitamment(en même temps) de celui de Julie Harris (Lilimae Clements), en raison de restrictions budgétaires.

    Le dernier épisode de la série dans lequel elle apparaît est l'épisode n°196 Le don de la vie (The Gift of Life, épisode 9, saison 9). Dans cet épisode, Laura quitte Knots Landing (et donc la série) pour mourir loin de sa famille, et selon sa volonté, à la suite de l'annonce d'une tumeur cérébrale incurable. La dernière scène, qui clôt l'épisode est émouvante pour les téléspectateurs ayant suivi les péripéties de ce personnage durant plus de neuf ans. L'image de Laura réapparaît dès l'épisode 11, (Tumultes / Noises everywhere 2/2) de la même saison dans une cassette vidéo, témoignage de Laura, lors de ses funérailles, à ses voisins, amis, mari et fille. Cet épisode, comme le précédent (épisode 10 Tumultes / Noises everywhere 1/2) revêt la caractéristique d'avoir donné lieu à une improvisation des acteurs autour des scènes liées au décès de Laura.

    Constance rejoint cependant une dernière fois l'équipe de Côte Ouest pour le documentaire "Block Party", diffusé sur CBS avant le final de la série, en mai 1993 et qui propose une réflexion sur les 14 ans du feuilleton.

    Pour d'obscures raisons, Constance McCashin refusa que son image soit utilisée par la suite dans le téléfilm réunion de Côte Ouest : Retour sur la Côte Ouest (1997, Knots Landing : Back to the cul-de-sac). Ainsi, lorsque Meg, sa fille, visionne la partie de la vidéo que sa mère Laura lui dédie, le téléspectateur ne voit pas la vidéo et entend, en off, une voix différente de celle de Constance McCashin. De même, en 2005, le documentaire Knots Landing Reunion: Together Again ne fait aucunement allusion au personnage de Laura, ni de son mari Richard, pourtant rôles créés avec la série. Bien qu'un extrait de la vidéo « testament » de Laura soit de nouveau montré, ce coup-ci, c'est le visage de McCashin qui est flouté pour préserver sa volonté de ne pas apparaître dans l'émission.

    Depuis son éviction de la série, les apparitions de Constance McCashin sont relativement rares. On citera cependant sa participation à plusieurs séries comme Family Ties, la série qui a lancé Michael J. Fox.

      Anecdotes liées à Côte Ouest

    • Le mari de Constance McCashin, Sam Weisman, campe dans l'épisode 11 de la saison 2 ("A state of mind"), le rôle de David Souther, un client de l'agence immobilière pour laquelle travaille Laura et qui tente de la séduire.
    • Au début de la série, Laura a un fils, Jason, puis donne naissance, au cours des saisons, à deux enfants prénommés Daniel et Marguerite (vite surnommée "Meg"). Ce sont les prénoms des enfants de Constance McCashin et son mari..

    Source:http://dictionnaire.sensagent.leparisien.fr/Constance%20McCashin/fr-fr/


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  • 1978:Constance McCashin et George Parry dans le téléfilm" Special Olympics". 

     1982 :Michael J. Fox and Constance McCashin dans la série Family Ties.

    Constance McCashin et Mark Harmon lors de la 24ème édition des International Broadcasting Awards - le 20 mars 1984 à l'hôtel Century Plaza à Los Angeles.

     1984 :Bert Convy et Constance McCashin dans le téléfilm "Love thy neighbor".

    Constance McCashin et Betty White.

     Constance McCashin et Michael Gross.


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  • S13X02  Question-réponse.

    S13X06   Le travail et le plaisir .

     S13X09 Victoria a un secret.

     S13X11 En attendant le Père Noël .

     S13X15 Fatalisme.


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