Voici un pêle-mêle de photos de diverses saisons.

10 Mai 1986 :Teri Austin dans TV Guide Canada

Copier-coller de la traduction de cet article qui a été retranscrit en anglais sur le site:http://www.knotslanding.net/tvguide/guide12.htm

Teri Austin de Toronto fait des vagues en tant qu'intrigante sensuelle de  Knots Landing.

Par Bill Brioux

 Qu'est-ce que Hollywood aime vraiment. . .? "

Les yeux bruns brillants de Teri Austin glacent momentanément. Soudain, ils s'allument. "Eh bien, c'est un peu comme Mississauga sans la culture et le charme." La jeune actrice attachante rit joyeusement au détriment de la banlieue tentaculaire juste à l'ouest de son Toronto natal. Mais elle admettra un avantage dont jouit Los Angeles: "c'est le seul endroit au monde où l'on peut louer des poissons tropicaux".

Alors qu'il semblerait que Teri Austin n'a pas perdu son cœur à Hollywood, Hollywood est devenu plutôt attiré par Teri. «Je vois une personne attachante et charmante là-bas», s'enthousiasme Ted Shackelford, qui joue en face d'elle comme Gary Ewing sur le fameux soap Knots Landing. Le producteur David Jacobs a vu ces mêmes qualités, et en un peu plus d'un an de vie en L.A., Austin s'est fermement établie sur la série comme Jill Bennett, une jeune femme de carrière intelligente et séduisante. «C'est un peu exagéré pour moi», se réjouit Austin, qui peut encore être vu chaque semaine sur Thrill of a Lifetime de CTV. Elle a enregistré tous ces épisodes l'été dernier et ils courent toujours.

Une période plus difficile la laissait chez elle (Austin a vendu ses deux maisons à Toronto), sa famille, ses amis et sa carrière au Canada. "Je ne suis pas venu au sud parce que je mourais d'envie de déménager aux États-Unis", dit Austin, "mais si vous ne faites pas l'un des trois spectacles qui ont été tournés en ville, vous ne travaillez que quelques fois par an. Télévision canadienne. Vous ne passez pas d'un emploi à l'autre. »La catégorisation était également un problème. «À Toronto, j'étais toujours une sorte de« brillant à lèvres »et j'ai commencé à penser que peut-être que les gens de casting ne me voyaient que dans cette lumière.» En fait, ses crédits canadiens sont plus étendus qu'elle ne le laisse. Depuis l'obtention de son diplôme en théâtre à l'Université York de Toronto, Austin travaille régulièrement au théâtre, à la radio, au cinéma («Critical List» et «Loose Ends») et à la télévision.

Finalement, Austin est tombé sur l'ironie du fait qu'elle manquait de meilleurs rôles canadiens parce qu'elle ne vivait pas aux États-Unis. "Je suis allé à une audition pour un rôle mineur, et les gens ont dit:" Vous savez, vous êtes vraiment un type de personne de premier plan, et nous aurions aimé vous rencontrer à Los Angeles parce que nous vous aurions jeté là ". Parlant avec un agent de casting de Toronto de tous les Canadiens qui étaient allés dans le Sud, Austin pensa: «Je dois faire le mouvement. J'adore Toronto, mais après avoir raté un autre bon rôle dans un bureau de casting local. . Alors elle traversa la rue, acheta un billet d'avion pour Hollywood et ne regarda pas en arrière. Et même si elle est heureuse - et travaille - Austin manque la convivialité de Toronto. "J'invite les gens à dîner et ils sont choqués. vous n'invitez pas quelqu'un dans votre maison, et si vous le faites, c'est parce que vous avez un endroit somptueux que vous voulez dominer sur eux. "

Austin a rapidement découvert que son expérience de travail au Canada n'a rien fait pour sa cote de crédit américaine. Quand elle a essayé d'ouvrir un compte, les banques n'avaient jamais entendu parler des studios de cinéma et de télévision canadiens pour lesquels elle travaillait, «c'était comme si je venais de Guam!» D'un autre côté, ils ont recommandé étaient très impressionnés par son travail. En un rien de temps, elle a été signée et testée pour tout. L'un de ses premiers efforts a été dans un pilote perdant pour ABC appelé Champions qu'elle a fait avec son compatriote Duncan Regehr. "C'était une de ces comédies / aventures qui est juste mon genre préféré", affirme Austin, la langue fermement dans la joue. "Je suppose que tu es censé rire quand tu es poignardé."

Peu de temps après, tout en essayant la série éphémère de Lorimar Berrengers, Austin a décidé de renouer connaissance avec le producteur David Jacobs. Son timing n'aurait pas pu être mieux. «Teri était dans un savon que j'ai produit au Canada [Loving Friends et Perfect Couples]», se souvient Jacobs. "Elle était seulement supposée être dans un ou deux spectacles, mais j'ai prolongé sa partie parce que je pensais qu'elle était juste adorable. Elle avait une sorte de vulnérabilité et de douceur que je trouvais formidable sur Film. »Jacobs vient justement de chercher une jeune actrice pour jouer un petit rôle sur Knots Landing. "Et je pensais qu'elle serait parfaite pour ça", dit-il.

Une fois de plus, Austin a joué un rôle dans la série. «Les gens qui vous influencent, comme les femmes et les amis, ont dit:« Je l'aime, elle est mignonne », révèle Jacobs. "Et cela suffit à la télévision pour vous faire croire que vous devriez mieux utiliser plus d'elle." Austin a également passé le rassemblement avec un autre des conseillers les plus fidèles de Jacobs: une serveuse à une épicerie locale sur le boulevard Ventura. "Elle me dit chaque semaine ce que je devrais surveiller", dit Jacobs, qui accorde beaucoup plus d'importance aux réactions non sollicitées du public qu'à toute "recherche absurde sur le réseau". C'est pourquoi je pense que Teri va avoir un très bon avenir. D'abord, parce qu'elle s'améliore tout le temps; et deuxièmement, parce que même si elle est très belle, les femmes l'aiment et c'est une grande chose. "

L'âge d'Austin a également travaillé en sa faveur. Jacobs était à la recherche d'une femme plus jeune, une «personne de moins de 30 ans», pour équilibrer la distribution. Austin comme Jill Bennett est devenu la solution, et sa part a été donnée plus de substance.

Était-ce le frisson d'une vie d'Austin? "Gawd!" Dit-elle en riant. "En fait, c'est ma grande pause. Et c'est une explosion d'être sur le spectacle. Les histoires sont amusantes - jusqu'à présent, j'ai une liaison avec un homme et flirter avec un autre. Mais il n'y a pas beaucoup de ces intrigues lourdes et bizarres trouvées sur certains des autres spectacles, où ils disent: «My Gawd! vous avez été violée par l'oncle de votre frère qui est alors allé en Moldavie! "Je veux dire, je ne peux pas les suivre. Mais Knots est amusant à faire parce que les écrivains sont très réactifs. J'ai eu une scène avec Ted où Jill et Gary sont ensemble, et de la façon dont le dialogue a été écrit, il y avait quelque chose de mal qu'elle essayait de découvrir. Et j'ai dit: "Écoutez, ces gens ont été au lit quatre ou cinq fois. vous n'avez pas besoin de demander si vous savez que quelque chose ne va pas. »Et ils ont répondu:« Ouais, fais juste ce que tu aimes. »Et je pense que ça s'est avéré plus tendre et un peu plus réaliste.

Au début, Austin était un peu intimidé en travaillant avec des actrices vétéran Hollywood telles que Julie Harris et, la saison dernière, Ava Gardner. sa toute première scène était avec Gardner. Même la scène sonore de Knots Landing a causé des papillons: Ils tirent sur la même scène MGM où "The Wizard of OZ" a été tiré. Cependant, le reste de la distribution l'a rapidement fait sentir à la maison. "Vous entendez des histoires d'autres ensembles, où ils amènent quelqu'un, peut-être un grand nom, et ils obtiennent plus d'argent et tout le monde déteste leurs tripes. Dans notre spectacle, ce n'est pas comme ça. Lisa Hartman est originaire du Texas, très à la maison, très gentil. Joan Van Ark se met en quatre pour dire: «Je regardais les quotidiens l'autre jour, et ta scène était géniale.» Et Michele [Lee] est de la même manière. Les gars, bien sûr, sont géniaux », sourit Austin. "Je suis la nouvelle fille sur le bloc!"

Les seules personnes qui lui donnent du fil à retordre sont l'équipage. "Dernièrement, j'ai fait toutes ces scènes de chambre à coucher", dit Austin en rougissant. "L'équipage ira, 'Oh non, pas encore! Devons-nous la regarder encore nue?

L'équipe se moque aussi de son accent, ce qui ne fait que prouver que l'on peut sortir la fille de Toronto, mais on ne peut pas enlever le «ooot» de la fille. "Nous disons 'ooot and aboot'", explique Austin. "Ils disent 'awt and abawt'. Les producteurs veulent que je parle comme ils le font dans le Midwest américain. Je serai au milieu d'une scène et je dirai: "Matt, fais-moi l'acquisition de mon bureau!" Et l'équipe ira tous, 'Ooot! Ooot! Ooot! »Shackelford insiste sur le fait qu'il n'entend même pas l'accent et secoue la tête quand une scène doit être répétée à cause de cela. "Je veux dire, qui s'en soucie? Au contraire, ça sonne un peu écossais, ce que je trouve merveilleux. »Maintenant qu'elle en est consciente, Austin peut détecter une inclinaison écossaise quand elle entend de ses parents, des Torontois d'origine. «Quand je suis rentré chez moi à Noël, j'ai dit à ma famille:« D'accord, écris-le. Arrête de parler 'drôle'. "

Accent mis à part, une chose qu'Austin a définitivement l'intention de conserver est son identité canadienne. «Je suis en train d'organiser le Canadian Identity Bus Tour à Hollywood», affirme Austin. «C'est pour les Canadiens ici qui sont complaisamment canadiens, ou qui ne sont pas fiers d'être Canadiens, ou qui ne sont pas sûrs de leur identité. Il va commencer à Hollywood et se terminer à Las Vegas. Et puis, je vous assure, ils sauront où ils se trouvent. "

1996 au théâtre Le Baronet :Nicollette Sheridan assiste à la projection du film"Agent zéro zéro"(Spy Hard) dans lequel l'actrice a joué aux côtés de Leslie Nielsen .

2005 :Nicollette Sheridan pendant la «plus grande crème glacée au monde » de Cold Stone Creamery au bénéfice de Make-A-Wish - Inside ,à la crèmerie Cold Stone à Burbank, en Californie.

2002: Nicollette Sheridan assiste à la cérémonie en l'honneur de  Michael Bolton( auteur-compositeur-interprète )qui reçoit une étoile sur le Walk of Fame d'Hollywood à Hollywood Boulevard ,en Californie.

2004:Nicollette Sheridan à l'occasion de la première du film"Ocean's Twelve''  au Grauman's Chinese Theatre à Los Angeles.

Saisons 7 ,8 et 9:

Peter Hollister arrive à Knots Landing et parvient à se faire engager comme secrétaire de Greg Sumner,au sein la société dont ce dernier a hérité à la mort de Paul Galveston .                                      Greg n'ayant jamais apprécié cet homme dont il appris sur le tard qu'il était en réalité son père biologique,le sénateur s'empressa de débaptiser les industries Galveston qu'il renomma le Groupe Sumner.

 Peter profite de son emploi pour mettre le nez dans les dossiers de son employeur et n'hésite pas à écouter en douce,les conversations professionnelles de celui-ci.

 Avec l'aide de Sylvia Lean,que Peter Hollister présente comme étant sa mère,il fait croire qu'il est le fils que Paul Galveston a eu avec cette dernière. Voilà donc Greg affublé d'un demi -frère qui lui réclame à ce titre, sa part de l’héritage de Paul Galveston.

Si en apparence ,Greg ne semble pas remettre en doute la parole de ce demi-frère tombé du ciel, Laura qui n'a aucune confiance en Hollister ,doute fortement de ce soi disant lien de parenté.

 Voyant ce qu'elle pourrait tirer comme bénéfice de cette situation, Abby Ewing propose à Peter de payer les frais de procédure et entame une liaison avec celui-ci.

 Jill Benett quant à elle n'apprécie pas l'arrivée de Peter Hollister car elle craint qu'on ne découvre sa véritable identité.En effet ,la collègue de Mack McKenzie,s'appelle en réalité Dorothy,Jill Simpkins et Peter est son frère.Par contre ,Sylvia Lean n'est en aucun cas leur mère. Leurs vrais parents qui étaient propriétaires de terres à Westfall qui avaient été polluées par Paul Galveston,sont morts et,le frère et la sœur le tiennent pour responsable. Jill espère bien reprendre les terres qui avaient appartenu à Mr et Mme Simpkins,d'où son rapprochement avec Gary qui est en propriétaire à Empire Valley . Peter quant à lui ,compte se venger en touchant une part de l'héritage Galveston.

Abby découvre que Peter n'est pas le fils de Sylvia .Cette dernière devenant de plus incontrôlable, Peter craint qu'après un verre de trop,elle ne finisse par laisser échapper la vérité .                                Sa soi disant mère prenant des médicaments pour le cœur,il parvient à la persuader qu'elle se trompe dans la prise de ses cachets.Il se propose donc de se venir vérifier chaque jour qu'elle suit correctement son traitement .                                                                                                                        Peter apprend avec stupeur que Sylvia le soupçonne d'avoir volontairement augmenter ou diminuer les prises quotidiennes du médicament,et qu'elle est partie vivre chez Abby. Afin d'être sûre qu'il ne tentera rien contre elle,Sylvia confie à Olivia une lettre dans laquelle elle avoue l'imposture concernant le lien filial de Peter et Galveston,reconnaissant par la même occasion qu'elle n'est la la mère de Hollister .Si elle venait à disparaître d'une façon suspecte,elle demande à Olivia de donner cette lettre à Gary.

Peter est devenu sénateur de Californie avec le soutien de Greg, et tout comme Jill,il ne souhaite pas que l'on découvre leur lien de parenté.D'autant plus que sa sœur a une liaison avec Gary Ewing qui fut son adversaire aux élections ,et qu'elle a été la directrice de campagne de ce dernier.                      Lors d'une dispute,Jill tombe d'une falaise et Peter s'enfuit .A l'hôpital Peter demande à sa sœur de ne pas dire qu'il était présent sur le lieu de l'accident et de faire en sorte que Ben Gibson soit convaincu qu'ils ne sont rien pour l'autre .Jill ,bien que choquée par le fait que son propre frère n'ait pas essayé de la secourir accepte de le couvrir .

Paige Matheson ,la fille de Mack ,a une liaison avec Peter et espère bien devenir madame Hollister.      Elle le prévient que Olivia possède une lettre écrite par Sylvia.Celle qui avait accepté de marcher dans l'escroquerie vient de mourir,et le sénateur prend la mesure du danger que représente ce courrier .     En effet ,Olivia a découvert que Paige qui se disait être son amie ,a une liaison avec Peter.Se sentant trahie car elle lui avait confié être amoureuse du sénateur,l'adolescente a posté la lettre .                      Celui-ci demande l'aide à Abby,mais cette dernière lui répond que c'est trop tard car le courrier a été envoyé. Jill a accepté d'intercepter la lettre au ranch de Gary,et signifie à son frère que c'est la dernière fois qu'elle trempe dans ses combines et qu'elle le couvre.

Abby n'a pas apprécié que Paige et Peter jouent avec les sentiments de sa fille,et comme on le sait ,si quelqu'un fait du mal à ses enfants,Abby sort les griffes !                                                                        Elle convainc le sénateur qu'elle acceptera de l'épouser si il rompt avec Paige.Ce dernier s’exécute,et revient tout fièrement lui annoncé sa séparation .Ironiquement Abby lui répond que "La  pauvre a du terriblement souffrir" .Lorsque Peter lui affirme que cela lui est complètement égal,Abby réplique qu'elle le sait car il s'en fiche autant qu'il se fichait des sentiments de Olivia,puis elle le met à la porte.  

Quelques temps plus tard,Abby sortant des toilettes du Point Lotus ,découvre sa fille penché sur le corps sans vie du sénateur.Croyant qu'Olivia est responsable de la mort de Peter Hollister,Abby enterre le cadavre dans le chantier en construction de l'espace de jeux du Point Lotus.Le lendemain le ciment doit y être coulé pour la confection de la chape .Hélas ,une fissure ne tarde pas à apparaître et le revêtement doit être démoli.Le corps du sénateur est découvert et bien vite Olivia est suspectée du meurtre.Pour la protéger ,Abby prétend être responsable de la mort de Peter Hollister.Gary finit par comprendre que Abby pense que Olivia est responsable de la mort de Hollister,et Olivia pense la mème chose au sujet de sa mère.Par conséquent , aucune d'entre elle ne peut être coupable.               Peu de temps après,Mack ,intrigué par le comportement et les cauchemars de Paige en déduit que sa fille a quelque chose à voir dans le décès du politicien.La jeune fille finit par raconter les circonstances qui ont entraînées la mort de Peter Hollister. Il sera alors conclu qu'il est mort après une chute accidentelle.

Celui qui s'imaginait un brillant avenir comme héritier de Paul Galveston ou comme sénateur, finira comme engrais dont se servira Greg Sumner en rependant ses cendres sur des fleurs!Lors des obsèques de Laura,Jill volera l'urne funéraire qui trônait au milieu de la table du salon ,et dispersera ce qui reste des cendres,dans la nature.

Hunt Block a joué le personnage de Peter Hollister durant 53 épisodes.On le vit la première dans l'épisode 5 de la 7ème saison(La promenade)et pour la dernière dans le 5ème de la saison 9(Des sourires).

Copier coller d'une interview de Don Murray.

Source:https://filmtalk.org/2014/12/11/don-murray-i-never-understood-why-marilyn-monroe-was-not-nominated-for-bus-stop/

Film Talk 11 décembre 2014 Acteur, Film Talk

Don Murray: "Je n'ai jamais compris pourquoi Marilyn Monroe n'était pas nommée pour 'Bus Stop'".

L'acteur Don Murray, pendant de nombreuses années un grand acteur américain de premier plan et de théâtre depuis qu'il a fait ses débuts en tant que personnage principal de Marilyn Monroe dans "Bus Stop" (1956), a une longue et fascinante carrière à raconter. Il a travaillé avec certains des réalisateurs les plus accomplis d'Hollywood, a joué dans certains des meilleurs films de son époque et, grâce à ses talents d'acteur brillants, son public a toujours eu un régal quand il est apparu sur l'écran et leur a donné des performances impeccables encore. Après tout, qui peut oublier son travail dans des films comme «A Hatful of Rain» (1957), From Hell to Texas (1958), «The Hoodlum Priest» (1961), «Advise & Consent» (1962) "Deadly Hero" (1976)?

J'ai rencontré M. Murray dans un restaurant de Los Angeles où il a parlé de sa vie, de sa carrière, de son travail d'acteur-scénariste-réalisateur et de sa passion pour son métier.

Vous êtes né à Hollywood en 1929. Avez-vous passé la majeure partie de votre vie en Californie jusqu'à présent?

Non, pas vraiment. Mes parents étaient dans le show business: ma mère était une Ziegfeld Girl, et mon père était un régisseur, un chanteur et un danseur. Dès que des images sonores sont apparues, à la fin des années 1920, ils ont embauché beaucoup de gens de Broadway pour faire des comédies musicales ici à Hollywood, et ils ont donc embauché mon père en tant que directeur de danse. Mes parents sont sortis ici en 1928 et je suis né en 1929. Juste après, la grande dépression a frappé avec le krach boursier de Wall Street; les studios ont pensé qu'il y aurait un désastre financier et ils ont temporairement suspendu la production et fermé les studios - alors que c'était le contraire: la dépression étant un boom, c'était le plus grand moment économique pour les films. Mais mon père est retourné à Broadway, alors je n'étais là que pour la première année de ma vie: quand j'avais un peu moins d'un an, nous sommes retournés à New York et j'ai été élevé à l'extérieur de New York.

Comment le réalisateur Joshua Logan vous a-t-il trouvé pour votre premier rôle dans votre premier film "Bus Stop" [1956]?

Pour mon premier film "Bus Stop" [1956], j'ai été embauché par le réalisateur Joshua Logan après m'avoir vu dans une pièce de Broadway intitulée "La peau de nos dents" [1955] et il m'a testé sur écran. J'ai épousé mon co-star Hope Lange [avril 1956] - l'histoire est que nous nous sommes rencontrés sur le plateau parce que nous étions tous deux dans le film, mais nous nous connaissions depuis quatre ans. Je la connaissais dès son diplôme de lycée, elle avait 17 ans et j'avais 21 ans quand nous nous sommes rencontrés. Nous étions déjà engagés quand nous étions tous les deux engagés pour "Bus Stop". Joshua Logan m'a vu à Broadway, il l'a vue à une émission de télévision et il nous a tous les deux embauchés, alors c'est comme ça que ça s'est passé. Nous avons vécu à New York pendant environ un an, puis nous sommes allés à Hollywood, nous avons acheté une maison ici et j'ai été ici de 1957 à 1973 quand je suis retourné à Broadway et j'ai passé quatre ans à New York. Avant les films, j'ai fait mon travail en Europe, alors que j'étais à l'avant-garde du Peace Corps.

Dès les premières étapes de votre carrière, vous avez pu travailler avec des réalisateurs de premier plan comme Fred Zinnemann, Delbert Mann et Joshua Logan. A quel point étaient-ils importants pour vous à ces débuts?

Oh, ils étaient très importants. Joshua Logan, mon premier directeur, a eu un énorme succès avec "Picnic" [1955] et "Bus Stop" était son premier film après cela. Bien sûr, Fred Zinnemann avait déjà remporté un Academy Award pour "From Here to Eternity" [1953], alors il était au sommet de sa carrière. Delbert Mann avait l'année précédente remporté un Oscar pour "Marty" [1955]. J'ai eu de très bons réalisateurs, comme Michael Anderson, et ainsi de suite. J'ai eu beaucoup de chance de travailler avec ces gens.

Comment voyez-vous "Bus Stop": c'était votre premier film, votre co-star Marilyn Monroe était aussi au sommet de sa carrière et vous avez gagné une nomination aux Oscars tout de suite. Cela a-t-il eu un impact sur vous, parce que vous êtes devenu une star instantanée?

Eh bien, quand je suis entré dans "Bus Stop", je n'étais revenu aux Etats-Unis que depuis moins d'un an. Je vivais en Allemagne depuis un an et en Italie depuis un an et demi. Marilyn était célèbre là-bas, mais pas aussi célèbre que Sophia Loren ou Gina Lollobrigida. Je l'avais vue dans un seul film, "Gentlemen Prefer Blondes" [1953]. Je ne savais donc pas grand chose d'elle, et quand j'ai été embauché pour "Bus Stop", j'ai été surpris de toute la publicité que nous recevions. Partout où nous allions, il y avait toujours des journalistes et des cameramen. C'était très inhabituel pour moi, parce que je ne savais pas à quel point une grande star était à ce moment-là.

 L'actrice Sheree North m'a dit un jour que, au début des années 1950, à la 20th Century Fox, avant que Marilyn Monroe ne fasse une grosse pause, les gens se moquaient parfois d'elle, marchaient derrière elle avec la même chose.

Oui, ils se moquaient beaucoup d'elle. Je dois dire que je l'admire vraiment à propos de la manière dont elle se souciait suffisamment de la forme artistique des films pour quitter réellement Hollywood au plus fort de sa gloire et ne pas se contenter d'être juste un symbole sexuel. Elle voulait être une vraie actrice. Quand elle a quitté Hollywood pendant un an pour étudier à l'Actors Studio à New York, "Bus Stop" était son film de retour. Et je pensais qu'elle était magnifique, même si elle était toujours en retard sur le plateau et elle avait du mal à se souvenir de ses lignes. Elle avait aussi une très courte durée de concentration: elle commençait une scène et s'arrêtait au milieu parce qu'elle avait oublié ses lignes. Donc, elle devait faire toutes ses scènes en petites pièces parce qu'elle ne pouvait pas soutenir une scène tout le long. Nous n'avons jamais vu une scène complète avec elle. Tous les acteurs du film sont venus de la scène, comme Hope Lange et moi, Arthur O'Connell, Eileen Heckart - tout le monde dans le film - alors nous avions l'habitude d'avoir une performance continue et nous allions aux rushes pour voir le travail d'hier . Nous verrions toutes ces petites pièces et nous pensions que le film allait être un désastre. Cependant, la première fois que nous l'avons vue en avant-première, tout à coup nous avons réalisé quelle était la magie des films, avec le montage et le découpage: elle était magnifique! Je n'ai jamais compris pourquoi elle n'était pas nommée [pour un Academy Award] pour "Bus Stop". Il a été gagné par Ingrid Bergman - une merveilleuse actrice, il n'y a pas de doute là-dessus - mais la performance de Marilyn dans "Bus Stop" était tellement plus riche, tellement plus variée et tellement plus intéressante que le personnage d'Ingrid Bergman dans "Anastasia ". Pendant ce temps, j'ai été surpris d'avoir été nominé. C'était le studio, en fait. Un jour, j'étais sur le plateau de "A Hatful of Rain" [1957] et l'un des chefs de publicité est venu vers moi. «Félicitations!» J'ai dit: «Pour quoi?» Il a dit: «Vous avez été nominé pour un Academy Award hier!» J'ai dit: «J'étais? N'est-ce pas incroyable? Vous avez été nominé et personne ne poussait pour vous! C'était complètement spontané, c'est du jamais vu à Hollywood! 'C'était donc une surprise totale pour nous tous.

Votre nomination a-t-elle stimulé votre carrière de quelque façon que ce soit?

Je ne peux pas vraiment le dire. J'avais fait "Bus Stop" et "The Bachelor Party" [1956] qui était aussi très bien pensé, j'avais fini un western appelé "De l'enfer au Texas" [1958] que certains ont appelé l'un des meilleurs westerns depuis "High Midi "[1952] et j'étais déjà dans" A Hatful of Rain ". On m'avait offert le «Chat sur un toit d'étain chaud» [1958], que je refusais parce que j'aimais toujours faire quelque chose à l'opposé de la dernière chose que je faisais et à la place, «Shake Hands With the Devil» [1959] la révolution irlandaise. Je ne peux donc pas dire que la nomination a vraiment eu un effet sur ma carrière. En fait, ce fut une période très éprouvante car beaucoup de publicité est venue et puisque je n'avais pas de publiciste privé, je n'ai rien fait pour les Academy Awards: je n'ai fait aucune publicité avant ou après avoir été nominé . Mais il a alors commencé à sortir dans le journal qu'il n'était pas juste pour moi d'être nommé acteur de soutien pendant que je jouais le rôle principal. Je me suis dit: «Eh bien, c'est vrai.» Je ne savais rien à propos de l'Académie, ni des règles, mais on en a fait autant. Il y avait un chroniqueur célèbre qui a écrit un article, il m'a appelé un jour et m'a demandé de commenter. Je suis d'accord avec lui: j'étais le premier homme et j'ai été nommé acteur de soutien, mais c'était nouveau pour moi. Je m'attendais à ce qu'il s'exprime dans sa colonne et à rappeler à l'auditoire et à l'industrie que je n'ai rien fait pour être nommé et qu'après avoir été mis en nomination, je n'ai toujours pas ajouté et ignoré tout le processus. Et tout ce qu'il a dit dans sa chronique était: «Scratch Don Murray de la considération Oscar parce qu'il refuse de faire de la publicité».

En tant que jeune acteur, vous êtes apparu dans plusieurs films très impressionnants, comme vous venez de l'indiquer. Avez-vous déjà eu besoin de beaucoup de direction sur le plateau?

Dans "Bus Stop", j'avais besoin de plus de direction que n'importe quelle partie que j'aie jamais jouée, parce que le cowboy était le contraire des choses que je jouais habituellement, comme dans la pièce qui a débuté ma carrière à Broadway, Tennessee Williams The Rose Tattoo ], J'ai joué un marin. Cela avait de la comédie, mais c'était très subtil. C'était un personnage très chaleureux et sensible à jouer. «La peau de nos dents» était un drame très sérieux, un genre de type très intense, rien de tel que le cow-boy. Donc, sur le plateau de «Bus Stop», j'ai dit: «Josh, pourquoi m'as-tu embauché?» Il a dit: «Parce que tu as une énergie sur la scène que je veux voir ici. , Marilyn est une grande star, mais je veux que tu oublies totalement qu'elle soit une star, alors quand tu viendras sur le plateau, je veux que tu sois comme Attila le Hun: Je veux que tu reprennes la scène. Détruis les meubles si tu as besoin,fais quelque chose, je veux le cow-boy le plus fou qui ait jamais vécu. »C'est ainsi qu'il a dirigé, je n'aurais jamais pensé à cela moi-même, et chaque fois que quelqu'un me parlait de ma nomination, je me suis dit: obtenir la nomination, est Josh Logan, parce que c'est plus sa performance que la mienne.

Est-ce que Marilyn Monroe a agi sur le plateau comme une star, ou comme une actrice?

Elle a agi très comme une actrice, mais elle était très incertaine, très peur d'agir devant la caméra, ce qui est incroyable. Elle était cette énorme étoile et si merveilleuse devant la caméra, mais c'est pourquoi elle était toujours en retard. Elle se montrerait à l'heure dans le studio. Quand elle était censée être là à 6h30 du matin, elle arrivait à 7h ou 7h30, mais elle restait dans sa loge jusqu'à 10h ou 11h, elle ne sortait pas sur le plateau. Très peu de gens le savent, parce que je ne me souviens pas avoir vu cela sur papier - nous avons fait une scène de lit, elle était en réalité nue sous les draps et je pouvais voir son corps couvert de cette éruption rouge, elle était tellement nerveuse qu'elle éclater avec cette éruption rouge et elle a dû le couvrir avec du maquillage. Étant une si grande star, elle avait fait tant de films, et pourtant, elle était si effrayée. Mais elle a pris la partie très au sérieux, écouté Josh Logan et a pris ses instructions. Son coach Paula Strasberg était également sur le plateau: elle l'entraînait pour faire le rôle. Beaucoup de réalisateurs ont eu des problèmes avec Paula étant sur le plateau, mais pour Josh cela a bien fonctionné. Je pense qu'avec Paula, il a créé un personnage merveilleux.

Vous n'avez jamais eu besoin de coaching sur le plateau, n'est-ce pas? Est-ce parce que tu étais un acteur de scène entraîné?

Eh bien, vous savez, j'ai eu un coach, pas comme Paula, mais j'ai eu un directeur qui était un de mes amis proches, nommé Payton Price. Il était professeur et il était avec moi tout le temps quand nous avons fait le film. Nous travaillerions sur nos scènes ensemble, comme deux acteurs travaillant ensemble. Il ne donnerait jamais de direction, mais il m'aiderait à réaliser les directions que Josh Logan me donnerait sur le plateau.

Vous avez eu une carrière très longue et enrichissante dans les films, la télévision et sur la scène jusqu'à présent. Quelles parties ont été les plus gratifiantes, les plus intéressantes, les plus difficiles?

Tout d'abord, j'ai eu beaucoup de chance, parce que quand j'étais jeune acteur, je n'avais jamais voulu faire Shakespeare. Pour moi c'était merveilleux - j'admirais Olivier dans Shakespeare - mais Shakespeare est anglais, et j'ai toujours aspiré à faire des classiques américains. Il y a trois parties que j'ai toujours voulu jouer quand j'étais jeune: le Scotsman dans «The Hasty Heart», une pièce de John Patrick, «Winterset» de Maxwell Anderson et «Billy Budd» de Melville. Ce sont les trois pièces que j'ai toujours voulu faire. Après être entré dans les films, je dois faire ces trois pièces à la télévision. Je devrais donc dire que ce sont les meilleures parties, ainsi que les rôles que j'ai joués dans «Bus Stop», «Hatful of Rain» et le drame politique «Advise and Consent» [1962]. Et mon propre film que j'ai écrit et réalisé, "The Hoodlum Priest" [1961], c'est celui pour lequel j'ai reçu les meilleures critiques. J'ai aussi fait un autre film avec un de mes spectacles préférés, appelé "Deadly Hero" [1976] dans lequel j'ai joué un flic qui devient un flic d'autodéfense. Sur la scène, j'ai adoré «The Rose Tattoo», et plus récemment, j'ai fait «Same Time, Next Year» près d'un an à Broadway et quelques mois sur la route. J'ai aussi aimé ma part dans [la série télévisée] 'Knots Landing'. J'ai également écrit la première de la deuxième saison qui était le premier 'Knots Landing' en tant que deux-parter. Je l'ai écrit comme un parterre mais ils m'ont demandé de l'élargir et de le transformer en deux parties. C'était le début de la sérialisation: des histoires continues plutôt qu'une histoire avec un début et une fin. Cela a été transformé en une histoire continue, ce qu'ils ont appelé un feuilleton de nuit. Il a couru pendant 14 ans, mais je suis parti après 2 ans. J'ai demandé à être écrit parce que je voulais faire ma propre série sur une famille musicale. Vous voyez, j'ai joué une fois sur Broadway dans une comédie musicale appelée 'Smith', une merveilleuse comédie musicale en 1973, alors j'ai eu l'occasion de faire une série sur une famille musicale.

Vous venez de mentionner "A Hatful of Rain", un film merveilleux et magnifiquement joué, aussi très puissant. Les rôles principaux ont été joués par de jeunes acteurs: vous avez joué le rôle principal, Eva Marie Saint a joué votre femme, il y avait aussi Anthony Franciosa. Plus de Gary Cooper ou Clark Gable. La jeune génération était en train de remplacer l'ancienne génération?

Oui, en fait, ils l'ont fait. Je faisais partie des premiers acteurs qui ont rompu leurs contrats pour réaliser leurs propres films, comme John Cassavetes l'a fait quelques mois après. Kirk Douglas l'avait déjà fait. J'étais sous contrat de six ans avec 20th Century Fox. Quand j'ai fait un «arrêt de bus», ils m'ont offert un contrat de sept ans, mais j'ai dit: «Non, je ne le ferai pas.» J'appelle toujours un contrat d'esclave où ils peuvent vous mettre dans ce qu'ils veulent. Alors ils m'ont offert un contrat de six ans, avec seulement deux photos par an et j'étais libre de faire autre chose en dehors de ces deux images. Et aussi, une année tous les deux ans pour retourner à Broadway, c'était un contrat très libéral et gratuit. Je n'étais pas exclusif à eux du tout. Mais j'étais encore sous contrat et pendant ce temps j'ai eu le temps de faire d'autres films comme "The Bachelor Party" ou "Shake Hands With the Devil", mais je ne pouvais pas produire mes propres films, je ne pouvais pas prendre autant de temps sur mon contrat.Quand vous êtes producteur, cela prend une année entière pour un film. Donc, à la fin, tout ce que je pouvais faire était d'acheter ma sortie de mon contrat avec Fox, c'était avant "Advise & Consent".

Don Murray et l'acteur vétéran Charles Laughton dans le drame politique "Advise & Consent" d'Otto Preminger (1962).

C'est toujours l'un des films politiques les plus puissants jamais réalisés, n'est-ce pas?

Je le pense, ça tient encore debout aujourd'hui. Je l'ai vu récemment, et ça a toujours l'air génial. Il est encore considéré comme l'un des deux grands films d'Otto Preminger: "Laura" [1945] et "Advise & Consent".

Dans «Conseils et Consentement», vous avez joué un jeune sénateur, mais vous êtes un acteur très polyvalent puisque vous avez joué une grande variété de personnages au fil des ans. Quand on vous offre un rôle, y a-t-il un moyen de vous préparer?

Quand j'ai fait 'The Hasty Heart', j'avais environ cinq semaines de préparation et j'avais déjà fait le rôle à l'école. Je l'avais donc étudié quand je suis allé à l'American Academy of Dramatic Arts, et il y avait un acteur écossais qui s'appelait Jimmy Moore et qui utilisait le nom de scène de Sammy Duncan. Il avait l'habitude de faire des chansons et des danses et de la comédie écossaise sur le vaudeville. J'ai étudié avec lui pendant deux mois, tous les jours et plusieurs heures par jour. J'ai appris mon caractère, comme d'où il venait, j'ai essayé de comprendre ce qu'étaient les Écossais dans cet endroit particulier. Cela rend donc très intéressant, non seulement d'étudier le personnage mais aussi son arrière-plan. C'est ce que je ferais, j'étudierais vraiment le personnage, non seulement l'accent mais aussi son background. Si ce n'était pas dans l'intrigue, je voudrais même écrire une histoire du personnage, à quoi ressemblait son enfance, et ainsi de suite. C'est ce que j'ai fait pour "A Hatful of Rain" et pour "The Bachelor Party". Dans "Conseil et Consentement", j'ai joué un sénateur de l'Utah, donc cela aurait fait de lui un mormon. J'ai lu toute la bible mormone, puis je suis allé à Salt Lake City et je suis resté là un moment, en parlant aux politiciens de la région pour prendre leur accent et ainsi de suite. Je me suis très profondément plongé dans la partie. L'une des parties pour lesquelles je n'avais pas le temps d'étudier était celle que j'ai jouée dans "Bus Stop". J'ai été testé sur écran, j'ai signé le contrat et dans une semaine j'étais à Hollywood pour commencer le film. Tout cela provenait de Josh Logan, de William Inge, le dramaturge, et du merveilleux scénariste George Axelrod. Pour l'accent, je n'avais pas le temps d'aller au Montana d'où venait le personnage, alors j'ai juste utilisé ce qui ressemblait à un accent de cow-boy pour moi. Mais cela a dû convaincre beaucoup de gens, parce que quand j'ai joué un comptable à New York dans mon deuxième film, un grand critique de cinéma a dit: «Don Murray était merveilleux dans le rôle, bien qu'il ait un peu trop de la grande des espaces pour lui d'être crédible comme un New Yorkais '- j'étais un New Yorkais! Je n'étais pas un cow-boy essayant d'être un New-Yorkais, j'étais un New-Yorkais essayant d'être un cow-boy [rires].

Est-il vrai que le réalisateur Otto Preminger était un homme difficile à travailler?

Il était très difficile pour la plupart des gens. Je n'ai eu aucun problème avec lui, parce que j'ai trouvé qu'il y avait une certaine insécurité à propos des administrateurs qui sont des intimidateurs. Les gens qui ont complètement confiance en eux-mêmes, ne doivent pas être des intimidateurs. Ils peuvent obtenir ce qu'ils veulent en étant raisonnables. Les gens feront ce qu'ils veulent qu'ils fassent parce qu'ils ont un certain sens, la facilité et la confiance. "De l'enfer au Texas" a été réalisé par Henry Hathaway qui avait la même réputation. Quand j'ai entendu parler de l'intimidateur qu'il était, et combien il était dur pour les acteurs, j'ai senti que cela venait de l'insécurité. Alors quand je suis allé à son bureau pour la première fois, il n'a rien dit, il n'a même pas dit bonjour, il m'a juste regardé fixement. Alors je l'ai regardé fixement et je n'ai rien dit. Finalement, il a demandé: «Que penses-tu du scénario?» J'ai fait de même avec Otto Preminger. Bullies vont sentir la faiblesse et ils iront après vous, c'est pourquoi il est allé après les femmes plus que les hommes. Je savais que je devais être très précis avec Preminger. Je devrais dire: «Je vais faire ceci et ceci et cela.» Vous ne lui avez pas dit: «Puis-je faire ceci?» Et s'il a dit: «Eh bien, je pense que vous devriez le faire. Ensuite, je dirais: «D'accord, je peux le faire.» Je n'ai donc jamais eu de problème avec lui, et aussi, je me suis moqué de lui. Je parlais aussi l'allemand, et parfois je lui parlais en allemand, lui parlant comme Hitler à Goebbels, «Wass machst du, Otto?» [Rires].

Étant un directeur strict pour tant de gens, était-il généralement satisfait de la première prise?

Ce n'était pas tant celui-là qu'il prenait pour célèbre, il prendrait de très longues prises. Il n'aimerait pas briser les choses en gros plans. Il est très intéressant de regarder le film: si l'acteur était dans la chambre du sénat et qu'il était le personnage principal qui prononçait son discours, il serait là mais vous verriez les gens lui réagir aussi. Vous verriez non seulement l'action principale, mais aussi les sous-actions qui se déroulaient. C'est très intéressant, comme dans la série "West Wing" quand les caméras suivent les gens sur de longues prises, c'est ce que Preminger a fait aussi. Il était l'un des rares grands réalisateurs à le faire.

Qu'est-ce qui a fait de Fred Zinnemann un cinéaste auguste?

Fred Zinnemann a été un grand réalisateur, non seulement parce qu'il a fait de grands films, mais il n'a jamais fait un mauvais film. Tous les grands ont fait au moins un mauvais film. Zinnemann n'en a fait aucun, il était vraiment bon. Rappelez-vous "Le membre du mariage" [1952]? Un petit film, un film très personnel, très touchant. "From Here to Eternity" [1953], un film grand et impressionnant; "Un homme pour toutes les saisons" [1966], un spectacle; "A Hatful of Rain" [1957], un petit film sur un toxicomane, quelle variété et ils étaient tous du très bon au magnifique. Donc, je pense que c'est pour ça qu'il a eu tellement de succès, tout ce qu'il a fait était si bon. Les gens qui connaissaient le film savaient que c'était bien parce que c'était un film de Fred Zinnemann et qu'ils allaient le voir. En tant que réalisateur, il était très, très calme. La plupart de sa direction était déjà faite quand il jeta une personne. Il avait jeté quelqu'un parce qu'il savait qu'il avait quelque chose dans sa propre personnalité qui correspondrait à ce rôle. Et puis il encouragerait cela. Nous avons eu une période de répétition de dix jours, nous avons répété le film comme une pièce de théâtre. Tony Franciosa avait joué son rôle sur Broadway, alors il était bien dans la partie. Fred te laisserait développer le rôle, et quand il voudrait que tu fasses quelque chose, il viendrait vers toi tranquillement et dirait quelque chose. Dans le film, j'avais une scène où j'étais nerveuse et j'avais besoin d'une solution, je n'avais pas eu mon héroïne réparée, et pendant la répétition, il venait vers moi et disait tranquillement quelque chose à propos de fumer la cigarette. Il a dit: «Don, ne souffle pas la fumée comme si tu traînais, laisse-la dériver de ton nez et de ta bouche.» Il disait de petites choses comme ça qui pourraient t'aider à créer le personnage. C'était un homme très calme, un homme très confiant. Vous ne le verriez jamais crier, il n'avait pas à être un tyran. Il savait ce qu'il faisait à tout moment.

Dans les films que vous avez vus quand vous avez grandi, les acteurs ont eu un style d'action différent, ils ont agi de manière plus dramatique, alors que votre génération a joué les personnages de façon plus réaliste. Est-ce la principale différence et ce changement de style est-il le résultat de la méthode?

En parlant des acteurs de ma génération, les gens parlent souvent de la Méthode avec Marlon Brando, Montgomery Clift, James Dean et ainsi de suite. Stanislavski fut l'un des premiers à faire passer la Méthode aux États-Unis. La méthode est simplement ceci: au lieu de représenter les émotions d'un personnage extérieurement - une personne qui est triste, c'est à quoi il ressemblerait et c'est ce qu'il ferait comme avec toute la chose extérieure, les expressions faciales, les mouvements et les attitudes physiques - vous êtes réellement entré dans votre propre vie et vous vous êtes senti triste, vous vous sentiez vraiment triste et quand vous avez dû pleurer dans une scène, vous avez trouvé quelque chose dans votre vie ou dans la vie de quelqu'un d'autre tu pleures. Alors c'est tout, c'est toute la Méthode, c'est juste en utilisant tes propres émotions. Tous les bons acteurs aujourd'hui le font aussi, c'est commun maintenant. Donc vous avez raison, dans les films que j'ai vus dans les années 1930, c'était totalement différent. Et quand les acteurs parlaient à l'époque, ils parlaient comme un mile par minute, c'était comme s'ils étaient payés pour chaque mot qu'ils disaient, ils essayaient tous d'obtenir beaucoup de mots. Vous savez, quand vous regardez un film comme "The Maltese Falcon" [1941], l'un de ces grands classiques, Yeah, la voilà, je l'ai vue au coin de la rue et je savais que cette dame était en difficulté. Il n'y a aucune réalité [rires], alors c'est la différence entre ces jours et quand je suis entré dans les films.

Qu'en est-il une comparaison avec Daniel Day-Lewis: quand il joue un rôle, il le ramène à la maison avec lui, il est aussi le personnage à la maison et quand le film est tourné, il prend du temps avant de rentrer dans sa propre routine.

Eh bien, vous savez, j'ai commencé à faire ça à l'école, mais j'ai découvert que lorsque je répétais et pendant que j'étais sur scène, c'était assez de temps pour vivre avec un personnage. Si vous êtes venu me parler pendant la répétition, je serais dans le personnage. Si nous allions déjeuner, je serais probablement encore. Si un spectacle était terminé avant 22h30, disons que d'ici à 00h30, je serais sorti de là, je serais parfaitement normal et j'irais habituellement contre le personnage, quel que soit le personnage. Si c'était un personnage introverti, comme dans "A Hatful of Rain" ou "The Bachelor Party", je plaisantais ou je jouerais des blagues et m'amuserais. Quand j'ai joué dans une merveilleuse série intitulée «The Outcasts» avec un cowboy noir et un cowboy blanc - le cowboy blanc était un ancien propriétaire d'esclaves et le noir était un ancien esclave - mon personnage était très arrogant, avec une certaine aristocratie. Les dirigeants de studio et de réseau viendraient sur le plateau et ils viendraient me parler. Sans se rendre compte, je serais arrogant pendant ces conversations, je serais tellement arrogant pendant que cet homme était si gentil. Donc, je n'aime vraiment pas être visité sur le plateau. La nuit ou le week-end, c'est parfait, mais pas sur le plateau. Bien sûr, je ne peux pas me comparer à Lewis, mon Dieu, quel acteur il est! Tout ce que cet homme a fait est absolument superbe.

Est-ce vrai ce qu'ils disent que l'entreprise est dirigée par des enfants de douze ans?

Quand j'étais jeune, avant même d'aller à l'American Academy, même au lycée, je connaissais des films. Je suis allé voir des films et j'ai pris un bon film au sérieux. Il y a tellement de cadres aujourd'hui qui ne voient même pas beaucoup de films, ils n'ont pas l'amour des films. Donc beaucoup d'entre eux ne connaissent pas mon travail, mais ils ne savent pas non plus qui sont les contemporains, parce qu'ils ne semblent pas avoir l'intérêt pour les films que nous avons.

C'est tout le contraire de votre premier patron, M. Zanuck?

Oh absolument, il aimait les films, et son fils Richard est un cinéaste merveilleux. Son record de films est spectaculaire. Ils ont vraiment aimé les films.

Quel conseil donneriez-vous aux jeunes qui veulent devenir acteurs? Il y a plusieurs années, on a posé la même question à Betty Grable dans une interview et sa réponse était «Take Fountain», parce que Fountain Avenue est le moyen le plus rapide entre Beverly Hills et Hollywood.

C'est très bien [rires]. Mon conseil serait: commencez par vous-même. N'essayez pas d'agir et d'être quelque chose que vous n'êtes pas, ou que vous pensez être intéressant, ou parce que c'est ce que le public veut. Et quand vous jouez un personnage, mettez votre propre personnalité, votre propre émotion, prêtez-le à ce personnage et ensuite accompagnez le personnage. N'essaie pas de faire quelque chose de bidon. Ne dis pas «James Dean, Marlon Brando ou Daniel Day-Lewis l'ont fait de cette façon.» Commencez par vous-même et soyez vous-même. C'est la chose principale. Et puis tu dois agir, auditionner, travailler dur, faire du théâtre, agir dans les meilleures conditions possibles. Si vous pouvez supporter de faire autre chose, faites-le. Parce que aussi dévoué et aussi talentueux que vous pourriez être, les chances sont contre vous d'avoir du succès. Les chances sont que vous êtes frustré pour le reste de votre vie. Donc, s'il y a autre chose que vous voudriez faire, il vaut peut-être mieux que vous le fassiez. Les chances que vous puissiez gagner votre vie en tant qu'interprète sont très faibles.

Qui étaient les acteurs que vous avez regardé quand vous avez commencé?

Quand j'étais un jeune homme, j'aimais John Garfield. Ce n'était pas seulement en tant qu'acteur, mais il y avait quelque chose à propos de sa personnalité. Il était un enfant de la ville et j'ai été élevé sur Long Island, mais j'ai été identifié avec les enfants de New York City. J'aimais les sports, je n'étais pas du tout un délinquant, mais j'étais un gars grossier et quand j'étais plus jeune, j'avais beaucoup de bagarres. Donc, le type dur qu'il a joué avec le cœur de l'or m'a toujours attiré. Un de mes films préférés était "Body and Soul" [1947] dans lequel il jouait au combat. Puis quand je suis entré dans l'école dramatique, quand j'avais 17 ans, j'ai vu mon premier film français, avec Gérard Philipe. Pour moi, il n'y avait pas plus d'acteur que Gérard Philipe à l'époque, car il était magnifique dans tout ce qu'il jouait, dans le drame comme «Le diable au corps» [1947], dans une comédie comme Fanfan la Tulipe [1952, avec Gina Lollobrigida] , tout ce qu'il faisait était totalement crédible. J'avais le cœur brisé quand il mourut; il est mort de la maladie que j'avais quand je suis revenu d'Europe: l'hépatite. Je me suis remis, et il ne l'a pas fait. Ces deux acteurs n'ont pas influencé mon style d'acteur, mais ils m'ont encouragé à continuer.

Los Angeles, Californie
30 mars 2008